美术关于临摹教学的研究论文

小学美术教师教学随笔8篇

在学习、工作生活中，大家都写过随笔吗？随笔可以观景抒情，可以睹物谈看法，可以读书谈感想，可以一事一议。那么，什么样的随笔更有感染力呢？下面是我帮大家整理的小学美术教师教学随笔，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。

开学第一天的美术课，一4班学生给我的大体感觉是：全班课堂纪律很好，但总体上表现不够积极。整节课上只有5位学生先后主动举手发言(一4 班有47名同学，主动举手的同学才占到全班的)，更多的问题都是我点名回答的。我觉得学生不够主动的原因有三：

一、因为第一天上课，学生还没有适应初中的学习方式。

开学前的一个星期，学校专门组织学生观看录像和开设讲座，对学生的生活行为和学习习惯进行培训，但我们知道，习惯是要经过一定时间才能形成的。虽然班级里分成8个学习小组，但当我提出问题要求小组讨论时，班级时并没有出现我想要看到的热烈讨论的场面。〔这里要做点说明：我校参照新课改的理念并学习杜郞口的教学模式，结合自身的办学特点，在初一年级进行教学改革实验。在学习形式上采用小组合作的学习方式，每个班级都分成6到8组，每组6人（由于人数关系，个别组是5人或者7人，不超过8人）。〕

二、美术课是在下午，学生已经比较疲劳了。

学校的作息时间是：早上6点40到校早读，上课时间是从7：30到11点20，上午有四节课，第节课45分钟，中间有两次10分钟的课间活动、一次25分钟的课间操和一次5分钟的眼保健操。11点20到下午1点30第一节课之前，学生除去吃午饭和午睡的1个小时，其余时间还要进行学习。对于正在发育的初一学生来说，这样的学习强度肯定是不小的，所以比起上午的课，下午的课在教学效果上肯定会打折扣(我想许多老师都有这样的感觉)。

三、课前准备工作不够完善，没能调动起学生的学习兴趣。

这节欣赏课，虽然我在去年已经上过了，并且有相关的教案和课件。但我还是进行认真的准备：查看了新课标关于“欣赏·评述”学习领域的的学习目标，并看了“如何更好的进行美术欣赏”之类的文章，结合去年的教案和课件，以调动学生的学习兴趣为着手点，重新设计了教案和课件。中午我把课件拷到了美术教室的电脑中，但在我下午上课之前，学校的另外一位美术老师(是我的老婆)打电话过来，说她本要上课的初三教室里的电脑突然出了问题，要到美术教室上课，(没办法)所以我只好在教室上课了。其实，学校是有两间美术教室的，但只有一间有多媒体设备。考虑到这学期学生要循环使用美术课本，所以我在开学前向学校提出申请，要求把另外一间美术教室装上多媒体，但是昨天才装好。还有教室长时间没有打扫，所以只能等打扫过才能进去上课。

基于上面的原因，我只能临时改变计划在一4班教室里上课，但已经没有了上课的节奏了，不能很好的调动学生的学习兴趣，这在很大程度上影响了学生学习的积极性。

评论：当然，我对初一4班的这种感觉只是一节课的感性判断，这一感觉是否准确还需要长时间的观察才能进行判断。还有，我还需要访谈调查一4班的班主任和其他任课老师，听听他们对一4 班的感觉，这样才能作出一定的评价。

美术课要想上好，还真不是那么容易，课前的精心准备，课堂的情景创设、环节安排、个性辅导、多样评价以及课后的反思等等一样都不可少，都需要美术老师下工夫来思考、推敲。

一、美术课前的准备除了有形的课堂资源的准备之外，更要准备的是老师多方面的知识、深厚的文化底蕴。这得靠老师长期的积累。

二、美术课堂教学

课堂教学是重点，很多问题都值得深入探讨。

这里我想谈我一直在思考的一个问题：

课堂教学的有组织性和引导儿童自由创作可能会出现的无序性的矛盾。

课堂教学的有组织性是上好课的保证，这是大多数教师认可的原则。但有些类型的美术课往往不需要孩子规规矩矩端端正正地作业，比如一些手工课，需要几个儿童合作完成，小朋友凑在一起难免会各抒己见，不会像成人那样有克制力，这样势必造成纪律不好。还有一些绘画课为了更好地调动孩子的积极性，加入了游戏、舞蹈等活泼的形式，课堂也会显得杂乱，问题是这样形式上的“乱”并非无效。国外的老师在上美术课不需要孩子坐得端端正正，他们给孩子足够的空间创作，可以画在桌子上，可以“乱涂乱画”。

德国纽伦堡丢勒中学的谢尔先生曾说，在丢勒中学，学生作画时可以戴耳机听音乐，边听自己喜欢的音乐边作画。我想这在国内肯定是禁止的。学校要求课堂必须有秩序，但一味的整齐往往会抹杀孩子的个性，限制孩子的创造性。怎样兼顾呢？那要求教师在组织教学上的收放自如，既不放纵，也不压制。例如：可以采用开放的教学内容。教师可以引导学生走向自然、走向社会，投身于五彩缤纷、五光十色的校外生活，把公园、田野、村庄等作为学习美术的大课堂，在大自然中学美术，感受生活中的红、黄、蓝。如手工制作课不妨带领学生去放飞风筝，去迎风玩一玩小风车，用制作的彩练、挂饰。窗花美化周围的环境；结合绘画课，可自办一个课堂小画展，组织学生参观发言，潜移默化培养学生的主动学习能力和学生生活相结合的能力。

三、美术作业的评价

有时候，大人在看孩子的画时，往往摇头说：“画的是什么呀，乱七八糟！”殊不知，儿童绘画贵在无序、天然童真，去雕饰的浪漫稚拙，而且个性鲜明，想象力丰富。有的孩子喜欢色彩，有的孩子画画喜欢用线条。还有的孩子只喜欢画抽象的形状。所以对于儿童画的批改、评价应该有多重的标准，要善于发现儿童画中闪光的东西。

以上所述，为我个人的一些心得体会。通过美术教学活动去唤醒他们对生活的感受，引导他们用基础的艺术形式去表现他们内心的情感，陶冶情操，提高审美能力，达到认识、操作、情感、创造的整合的道路中，我还有很多的不足，在以后的教学过程中，我会不断提高美术素质以外，不断的改进教学方法，上好美术课。让学生掌握一定的绘画基础知识和基本技能技法，培养学生具有一定观察能力、思维能力、构图能力和辨别、调色能力的同时，努力为学生创造一个轻松愉快，有趣味的学习环境和气氛，消除学生心中的心理障碍，使学生感到学习没有负担，是一种享受，一种娱乐。

小学生的年龄特点是小学美术教学中必须重视的要素。在整个小学教学阶段，这时学生的兴趣还不够稳定，认识兴趣以一定的情境性为特征，只有掌握学生年龄特点基础上，才能了解小学生由于在感知、意识、理解、能力上的.高低悬殊，所表现的兴趣上不一样。低年级学生，虽然课堂回答问题积极，课堂气氛活跃但是自觉性弱。高年级已经有了一定的自觉性。

在教学实践中，我深刻体会到：各个年级学生有着不同的认知能力，应该根据年龄特点提出相应要求，在教学美术绘画课中，那些有趣生动的形象是引起学生的直接兴趣的重要原因之一，是促使他们形象思维发展的主要意象。学生作画只凭头脑中简单的记忆去作画，效果不好。我在日常的美术教学中就特别注意引导学生有目的地进行观察，如：形状、颜色、结构、姿态等，并注重在观察中使学生运用多种感官，更好地认识客观事物。色彩方面则多凭主观映像。因此，指导儿童观察和向儿童指出观察任务时，首先让其观察形状，当纸面上画出形状再考虑着色。观察能力的提高在于锻炼，经常有目的、有意识的观察，其观察能力自然会得到提高。 常言道：眼明手快、心灵手巧，这说明技能与感知、观察、记忆、思维等关系密切。

要想低年级学生积极开展美术活动，需调动他们学习、练习的主观能动性，其积极性在于兴趣的驱使，兴趣的浓厚必然勤练，表现能力自然而然地提高，又带动兴趣递增，形成一个良性循环。当然培养小学生的绘画表现能力，不能操之过急，应依据学生年龄心理特点施教。好比一株树苗，使这株树比其他的树的生长得更高大，秘诀就在于每个年龄应具备经验常识，在每个年龄必须完成起年轮的正常发育，然后由下一个年轮延续。

作为一个小学美术教师，上课时，我千方百计的为学生创造产生兴趣的条件。利用导入语（常用编故事、编儿歌、猜谜语，做游戏、竞赛性活动）直观教具和直观演示等形式，吸引学生的注意力，激起学生高涨的情绪和作画的强烈欲望，从中受到美的熏陶。 如何让学生插上想象的翅膀，创造更新、更奇的绘画作品？作为美术专职教师我尽可能地给他们提供丰富的形象资源。在教学中鼓励和引导学生想象，运用形象化的声情画意，设置情境等手段，激发学生打开广阔的想象思维空间。

美术课上老师要不要做示范？有的老师认为，学生的模仿能力强，老师示范以后，学生就不主动思考探究了，绘画、制作时照搬老师的范作，全班千篇一律；有的老师则认为应当作示范，可以开阔学生思路，有利于学生自己创作。我认为，老师的示范是必须的，但要合理有度。

首先，美术课最大的特点是直观性。，而示范是这方面最直接的体现。适量的、适当的、适时的示范，可以激发学生的学习兴趣。课本中虽然有一些艺术家作品和学生作业，毕竟版面有限，数量少。老师现场做了示范，学生兴趣特别高，可以让学生更加直观的学习美术技巧。

虽然现在的美术课强调课程的本位性，，不强调技法，但基本的美术技能还要学习。如中国画的勾皴点染，如果不示范，学生就不明白什么是中锋、侧锋，什么是斧劈皴，什么是荷叶皴，这些专业术语只用语言是很难说清楚的。教学演示就不同了，它非常直观清晰，具有过程的展现性、亲切感和易于接受的特点，能带动学生学习兴趣的提高。老师在进行示范时，要与学生展开交流与对话，鼓励学生大胆创新，在理解与借鉴的基础上，脱离范画，表现自我。

其次，老师示范的目的意在引导，帮助学生解决制作表现的难点，不是提供标准答案和结论。要启发学生举一反三，触类旁通，自我构想。因此，示范时力求”活“与”精“，只示范具有代表性的地方即可，不能面面俱到，否则学生就变成了模仿一族。

再次，示范要有正反两方面。在美术课堂上，比较是一种非常实用的教学方法，示范时正反举例，更直观。如讲授《绘画中的透视现象》一课时，老师不能只出示正确的透视范画，还可以出示几张错误的透视图例，比较之下，学生更容易掌握透视知识，避免错误，少走弯路。

第四，老师示范要有“度”，不能让学生养成依赖心理。示范时要“少”而“精”，适可而止，要留给学生自主思考与实践的余地。对于技法、重难点要全面示范；作业中出现的问题要个别辅导，不能直接画在学生作业上；修改示范要及时，又不能太多，关键是让学生掌握住方法。

美术是视觉艺术，美术教学离不开示范。在新课程理念下，美术教学中的示范也要与时俱进，作为一名美术老师，要积极探讨示范方法，彰显美术魅力。

星期三午时大扫除，当我擦窗户最上头的玻璃时，由于太高，必须放上两张桌子再放上小椅子才能擦得到，我心里很害怕，消息翼翼地站在小椅子上，心里直发怵。

“教师，您细心点!”忽然一个孩子轻声地说，之后全班幼儿一齐说：“教师，您细心点呀!”并有几个小朋友跑过来给我扶着下头的桌子：“教师，您不要怕，我们给您扶着。”我心里一阵激动，并且心里也一下子塌实多了。

这些孩子们，心灵多么纯真啊!我必须珍惜他们的感情，用十倍、百倍的爱心去呵护他们，使他们欢乐、健康地成长。

我们班的幼儿，有好几个午睡习惯差的。在他们睡不着或睡不好时，我都会耐心的引导他们入睡，在我的耐心说服下、如果仍然有睡不着的，我经常会说一些吓唬他们的话。如;会对他们说“此刻大家小朋友乖乖睡觉的时候你们睡不着，等小朋友们起床后，你们睡不着的继续留下来睡。”这样的话我不知说过多少遍，可是从来没有执行过。

昨日午睡时，我提前便对孩子们说，躺下去后，把小眼睛闭上，一会儿就睡着了，好多孩子都按我的提示做，也都很快就睡着了。可是维维和震震两个小朋友却怎样也睡不着，并且两人互相影响，我走过去打了几次招呼，可是仍然不见效，我便又使出老调“这会儿你们两个睡不着，待会儿小朋友们起床的时候你们就别起来了，继续留下来睡。”谁知在起床铃响起后，他两仍未把我说的话当会事，也和其他小朋友一样开始穿衣服。

见此情形，我觉得这话不执行看来不行了，于是便走过去严肃的对他两说：“你们两个不必穿衣服，继续留下来睡觉。”只见他们两你看看我、我看看你，无奈之下带着哭腔对我说：“教师，让我们起床吧!我们明天必须好好睡觉。”这时，全班的小朋友都注视着他们两，我便抓住这个机会，对全班小朋友说，以后谁不好好睡觉，就象他们一样，孩子们几乎异口同声地说：“教师，我要乖乖睡觉的”。果然，在今日的午睡时，孩子们的表现较好。从这件小事能够看出，我们教师，不管应对再小的孩子，我的言行都应当做到一致，不然，我们说的话起不到作用。

这个论点应该是最近在美术兴趣小组的指导过程中想到的，结合 4月24日 的区美术教研活动我的想法更得到了支持。

从何 老师的那节《我们的小学生活》课堂教学来看， 何 老师通过让学生回忆小学生活的点点滴滴，到让学生用线条尝试描绘，到不断通过欣赏范作提示学生逐渐改进作品，从而丰富画面，完成记忆深刻的一瞬间。这其实就是一个美术创作的指导过程，一点点深入、一步步改进，逐步完善作品。本课的亮点可能不在指导的过程，而是被最后绘本展示的集体效果掩盖了，不说 何 老师在指导的过程中少了些具体而个人的有建设性的建议，就单纯地说这个过程是较正确的，特别是这个过程恰恰是我们在实际教学中应该努力去做的，如果做好了，学生在过程中体会到的不仅仅是完成了一件作品，更体验了成功的整个过程。

这一点在一两节美术课堂展示中是无法体现的，而这节课其实是个大的单元课，很多美术老师都尝试过用至少一个月的时间让学生单独或合作的形式完成一本绘本。这样才能保证绘本不单单只是形式，更有一幅幅充分丰富的画面。这就是个长期的过程。在美术教学中常常就需要这个过程。

我想到了曾经上二年级《刮出过的画》时，一直就有一个难题。让孩子辛苦涂好的颜色，孩子终于可以刮了，可他们早已失去了耐性，一两下就刮完了！这让我很恼怒，怎么就一点耐心都没有呢！后来才发现，是他们不知道如果继续下去。于是我尝试挑选几幅不同问题的作品，先拍下原貌，然后帮他们点点修改，尽量保持二年级孩子天真童趣的一面，再把修改好的作品拍下来，将作品前后做成同一张画面，以便孩子比较。结果效果非常好，每个孩子都能说出哪些地方增加了，效果有什么不同，再将其它孩子的作品返还给他们，鼓励孩子继续修改，相互提出改进意见。孩子都喜欢这种方式帮助他们完成作品，因为在不断改进的过程中他们看到自己的作品在变“美”变丰富，他们体会到了意外的欣喜。

在后来几个课题报告中也不难看到美术创造的渐进过程，特 别是黄 老师所说的蝴蝶效应的研究成果，一个个活动的的组织到个体创作到最后完美的展示都付出了学生和教师们辛勤的汗水。

美术就是这样，将无声的纸笔变成有你我人生故事的画面，而在画面上创作的人是生动鲜活的，他们每个人都有机会体验到自己生活的过程和创作的过程，这是欣赏一幅完整作品的旁人永远无法体验到的最最珍贵的财富，这才是我们愿意无怨无悔付出的原因。

今天读到了一篇有关于儿童美术教学中关于临摹教学的文章，很受启发。在低年级和兴趣班的教学中，我常常会让孩子临摹作品，虽深知临摹能在一定程度上限制孩子的想象力，但又碍于还在绘画时在临摹中的所得，比如，多临摹能提高视野品味，感受经过艺术加工和现实生活中事物的造型和色彩差异，低年级学生认识线条美感等。在本篇文章中，强调了临摹教学的必要性，但也要注意教学中的方式与方法。其中有几个方面是值得我学习和借鉴的。

首先，临摹与写生相结合，笔者建议在临摹后，要带领孩子观察与之相似的题材，通过回忆采用这样的表现手法来体现现有的物体，将所学的知识真正为孩子所有，从这一点来看，在我们平时的教学中适时选择内容临摹也不个不错的办法；另外，不似临摹，这也是我值得改正的地方，在上一期美术兴趣班的教学中，学生的线条不够流畅、大胆，我就多设置了些线描画的临摹，并要求学生尽量和临摹作品画的一样来提高孩子的造型能力，现在想起来，我这样的做法是欠斟酌的，应让学生注重学习其中的绘画方法，而不是画的“似”。现在的学习只是给孩子一个途径去接触成熟的绘画形式。看来，这临摹教学的学问还真不少。我们自身也要加强学习。

美国孩子画苹果，教师拎来一筐，由学生拿一个作画；日本孩子作画，教师高举鲜果一个，让孩子们瞻仰一番，便作画去；中国孩子画苹果，是由老师先画一个，交待先画左后画右，这里涂红，那里涂绿，结果呢，中国孩子笔下的苹果最像苹果，日本孩子笔下的苹果像鸭梨，而美国孩子笔下的苹果或如南瓜或如葫芦。

西方发达国家注重的是智力的开发和能力的培养，凡事让孩子参加，让他们自己去观察、体验、分析和得出结论，再付诸实践。尽管第一次画得像鸭梨，第二次、第三次就可接近真的了。我们中国教育孩子是唯恐交代不细，画面里较多饱含了教师的观察分析和结论，却少有孩子的参与，琢磨和思考，缺乏了想象和创造，没有了绘画的激情，尽管能看黑板上的苹果画苹果，离开了黑板什么也不会了！

再比如，刚从幼儿园出来的孩子，都画着故事里面相同的一个画面，比如“龟兔赛跑”等，画着一个造型的花、草、动物等，图解看概念化、简单化的图形，模仿简笔画之类书籍里面的画面，这种经过训练的“绘画”手法，无疑过早地使孩子失去想象、失去自我，有了依赖性，给孩了们天性的发挥带来很大麻烦。

这里有几篇你看行不行，如果觉得不怎么样，你可以去美术论文网看看，里面篇数很多－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－“线”在美术作品中的功能与审美特征 线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用，是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能．画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采（在表现物象的同时，还传达出入的情绪），传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美；西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－对于传统色彩学的新认识 绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。从早期文艺复兴至今，绘画中色彩的表现方法丰富多彩，一代代艺术大师们耕耘不止，给后人们留下了无数的艺术财富。十五世纪上半叶，凡·爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品，在坚实的造型基础上，加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色，这些色彩，通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子，创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的大色块来进行创作，其色彩已具有一定的主观因素；达·芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象；西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作，其色调已经超越了物象本身的色彩范畴，达到了一种色彩的抽象概括，其色彩运用，更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求，不受物象色彩的制约，他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调，作品富有现代精神；伦勃朗利用强烈的明暗对照，单纯而强烈的色彩来突出主题，人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光，作品充满了深度。十九世纪，由于科学的发展，一些有关色彩理论的论述在欧洲问世，这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘，使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念，采用鲜明的色彩来描绘天空、田野，画家们致力于风景画中环境与光线的研究，莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。艺术探索是无止境的，康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里，色彩还是依附于形体之上，色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中，已见不到传统绘画中的具象物体，色彩已不再依附于任何具体的物象而存在，他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新，而每一次创新，都需要勇气打破条条框框，用全新的视角去重新认识和感应世界，推动艺术的发展。综上所述，不难看出，色彩艺术在其发展的过程中，没有一成不变的规则，我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识，而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份，全面推进学生的色彩感应力，应成为一个重要课题。当前在色彩教学中采用的理论依据，是在印象派前后时期的色彩理论加之俄罗斯画派的色彩理论综合而成。其核心内容是强调条件色，认为色彩的产生要依靠光源色、环境色及物体自身的颜色综合而成。在色彩的对比上也有一定有规则，亮部冷，暗部就要暖；在色彩的训练上比较强调作画过程的程序性，即通常的画大关系，然后深入，再回到大的关系上来。这样的训练方法及色彩理论固然有其有利的一面，但也存在一定的局限性，即过多地重视科学规则和相应的客观因素，忽略了做画者对于色彩的直接感应。但在做画过程中这种感应又是非常重要的，没有它，艺术作品就会缺乏生气，枯燥无味。所以，在色彩训练中，从一开始就要重视对色彩的直接感应，不要让过多的理论缚住做画者的手脚。传统的色彩理论对于画面的色彩构成更多的是依靠色彩的空间关系去表达（物体离观者近则色彩鲜明突出，退远则变淡变冷）。但在现代的许多绘画大师的作品中，这种理论已被打破，艺术家们根椐自己对世界的认识和感应，重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系，应理解为色彩结构上的位置关系，色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。法国艺术大师巴尔蒂斯对于东方绘画非常崇尚；凡高的作品中也充满着东方情趣；米罗的作品更是如此。为什么东方绘画有如此之大的魅力，使这些艺术家顶膜礼拜呢？关键就是在东方作品中所蕴含的精神因素。东方的作品，如中国画不受客观条件的制约，而强调艺术家的主观精神，使艺术中具有更多的抽象因素。如能较好地将东方绘画中的精华运用到色彩实践中的话，将会创造出更广大的艺术天地。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－美术课在美育中的作用 美育一般通过艺术审美的方式达到教育目的。美术课对学生进行美育的得天独厚的条件，就是直观性，包括对自然美的直观，社会美的直观，艺术美的直观。而美术教学大纲所规定的欣赏、绘画、工艺三大类课业非常直接地体现着这种直观性。 美术欣赏课的教学，主要以完美的形象，卓越的艺术技巧来拨动人的心弦，使人精神奋发，与之共鸣，从而产生强烈的教育效果。例如欣赏董希文的油画《开国大典》，可感受到作者通过构思，构图和色彩，表现了中华民族永远起来了的信心和气魄。欣赏白石老人的国画《却教蜂蝶为花忙》，透过蜜蜂在艳丽的凤仙花旁飞舞采蜜的忙碌情景喻意颂扬了勤奋劳动的精神。作者从普通的生活景致中表达出高雅的审美情趣，学生通过对作品的品味、鉴赏激起了对普通劳动者的敬慕。美术绘画课的教学除了学习线条、形体、空间、明暗、色彩和构图等艺术、语言”之外，还要学习临摹，写生和创作等艺术的表现手法。例如静物写生课，不管是一瓶沐浴着阳光、摆在窗前的鲜花，还是随意堆在桌上的肥硕水果；不管是一组闪耀着光泽的玻璃器皿，还是刚买回来的新鲜蔬菜，那生意盎然的色彩、情趣横生的形态，都能人学生以情的感染和美的享受。 人物头像绘画课，不仅使学生明白头型的“八格”、五官的比例尺“三停五眼”，还要懂得“形神兼备”的意义。人像的美，并不是“浓眉大眼”或“樱桃小嘴”等概念，关键是创造生活中有个性特征的感人形象。例如周思聪先生的肖像画《老矿工》，极为生动地刻画了一位从旧社会生活过来的老矿工的形象。在老矿工布满班痕的脸上，可以看到这位煤矿工人的艰苦劳动的一生，然而他又是那样善良，淳朴和敦厚。美术作品并不是以“像不像”“美不美”“好看不好看”为评价标准。教师应紧密结合教学内容，引导学生通过对形象的感受、想象与思考，认识肖像画的艺术美，在思想上受到熏陶，在美的感受中受到教育。 工艺课是一种带有设计意识的艺术实践活动。在美术课上学过色彩知识和造型规律，学生掌握这些形、色的审美常识，有助于培养他们健康的审美观点，对于学生盲目追求流行时装、奇怪发式的现象，有正确引导的作用，同时也有助于他们思想品德的提高。 另外，美术在开发学生智力发展中起着突出作用。根据科学研究，人脑的左半球分管抽象思维，右半球分管形象思维，许多复杂的精神活动是由大脑两半球协同完成的。学生的文化课学习一般多用左脑思维，而美术课则有利于发展学生的形象思维能力。美术课的任务正是培养学生的观察、记忆、想象、创造等形象思维能力，特别是观察能力。在绘画课上，教师总是强调学生观察、观察、再观察，由表及里的观察，由近及远的观察，由整体到局部再到整体的观察。只有正确的观察，才有正确的感知，也才能形成积极的形象思维，使抽象的东西具体化，概念的东西形象化，进而是逻辑思维的发展。这样也就有利于多方面地发展学生的思维能力，充分发挥人脑的潜力。美育被明确地列入教育大纲，标志着我国社会主义教育思想的重大发展和社会主义教育制度的进一步完善。美术课的目的不是把所有学生培养成艺术创作家，但是对于提高学生的审美文化素质、发展创造性思维，陶治其情操，起着积极的作用。

对我的撒打算打算的都是大大

现实主义水墨人物画是在写实主义基础上又融入了作者对人生对社会的思考或人文主义的思想。现实主义水墨人物画是在当今众多艺术手法、艺术流派中最难的，对艺术家的全面素质要求最高。现实主义水墨人物画在中国当代的意义不仅在于中国美术发展阶段的学术意义及技术高难度，还在于现实主义水墨人物画获得了社会各阶层广泛的认同与共鸣，因而最具有现实的意义。从事高等教育的美术院校，特别要提倡与引导现实主义学术方向。 现实主义水墨人物画特色应该是一种理念，一种艺术观，一种人文精神，包含艺术家的理想、追求，以及关于艺术与生活、精神与现实、心灵与自然这种关系的认知总和。我认为21世纪的现实主义水墨人物画特色是立体的、丰满的，赋予人文关怀和生活热情的。可分为以下五个方面：（1）艺术理想应该是真善美的；（2）审美取向应该是正大开张明朗的；（3）创作取向应该是关注人生、贴近自然，天人合一的；（4）传达手法应该以写实为主；（5）在风格上应该体现出真情实感，体现对艺术与人生的独特感悟和审美发现。这五个要点实际可以分为两个层面，一个精神层面，一个艺术传达层面。我们谈现实主义，只谈精神，或只谈技法，都不全面。也就是说现实主义水墨人物画的精神与现实主义的手法之间有一种内在的有机联系，我们只要把这种关系理清楚，才能更好地传承和发扬现实主义。展望21世纪现实主义水墨人物画特色在中国的发展，会有强大的发展生命力和非常美好的发展空间。 当代现实主义水墨人物画特色在接受了西方绘画思想、方法后，经过整合、处理，构建了全新的表现形式，在形的描绘上，笔墨呈现的效果多层次地反映了智性潜能以及抽象思维美学所蕴含的审美情调与意境。遂使画面具有了时代感和生活气息，成为新的水墨语言形式。事实上，进入21世纪的中国水墨人物画，仍然处在从传统向现代的转换过程中，最主要的标志，是在对形的认识、形的表现、笔墨语言技巧的丰富与自由度扩大方面，展现了前所未有的形势和面貌。 我们今天重谈现实主义水墨人物画，就是试图跳出其狭隘的传统模式而重新构筑水墨的现代意义。我们知道，当水墨成为艺术发展中心主要的表现手段时，其技巧形式亦通过历代的积累和不断完善，逐步形成了一个完美的体系。而这种体系的建立却使它最初的精神本质在此过程中慢慢地消失，古人的创意成了束缚后人的精神枷锁。以致到20世纪初，水墨作品大多表现为对传统题材的简单重复和刻意追求，对水墨的评判标准也都是建构在古人的理论之中。在千余年的水墨发展过程中，其审美理念、物质材料以及评判标准互为依存，形成了一个超稳定的艺术形式。观念性创新便成为了其发展的首要任务。 然而，在中国水墨画历尽千年的发展所形成的高度程式化、概念化、使中国现实主义水墨人物画发展到东西方文化大融合的今天，形成了具有普通意义的现代艺术体系。如何渗入当代气息和当代精神；如何拓展它更广阔的表现领域、丰富的表现手法和样式；如何表现新的审美标准和审美趣味；围绕着中国传统水墨艺术的现代性问题，用当代观念学理性去思考和探索。 中国现实主义水墨人物画已经走向世界，已形成自己的现代特殊性和品评标准。由于环境的变化，水墨画应富于新的内涵，必然呼唤其艺术的创造与革新，但它毕竟不同于西方现代艺术，正视现实对中国艺术的促动和制约，方能获得思想解放和创造自由的主体意识的发挥。“反传统”是浅薄的，“守传统”是可悲的，中国水墨画仍然将在继承中随着时代的变化而变化，不应固化为外国人眼中亘古不变的古董。需要的是正视外来艺术包括现代艺术的影响，在选择性的接受中有助于中国水墨画现代形态的形成，而不是尾随他人的足迹，在这个时代里，既要意识到艺术的自由性，也要意识到艺术的责任感；既要意识到艺术的创造，也要意识到艺术的继承；既要意识到艺术的民族性，也要意识到主动开放的时代特点。我们终会寻找到中国水墨画前行中以创造为主导的继承与变革对立统一的辩证思维。作为新时代的中国水墨画的主潮，怎样实现由它的古典形态向现代形态的转换是问题的关键。人们对此会有多种选择，并在各自不同的实践中接受社会的检验。争论体现不同的审美趋向和价值判断的差异，而实践的深入与拓展却证实了空想与臆断的浮薄。 现实主义水墨人物画精神的意义是要求艺术家有强烈的社会意识、文化意识和精神意识，要求艺术家有强烈的时代使命感和责任感。现实主义水墨人物画是艺术家在创作时努力使自己描绘的形象客观化和接近现实事物，并在深刻认识事物本质的基础上典型地表现生活的真实。我努力挖掘生活本身的美，力争使作品关注现实，但又游离生活原型，努力追求现代艺术品格，但又与流行派拉开距离。现实主义创作的基本原则，决定了它所展示的独特艺术魅力，在任何一个时代，都是其它艺术形式所不能替代的。现实主义水墨人物画的创作需要画家扎实的写实功力。随着当代美术创作的繁荣与发展，避世消极、不重视绘画的视觉性研究的传统文人画及脱离国情的受西方现代艺术影响而造成的大量临摹式的翻版作品，越来越难以与当今正在巨变的社会发展相协调，时代需要高尚的精品，需要展示时代精神的触及心灵的艺术作品。 中国现实主义水墨人物画特色在当代必须进入科学的分析与理性发展的阶段，传统的经验式的理论与师徒相传的技术已经不能适应社会文化的发展需要。当代中国画的发展须从绘画的视觉性研究与实践入手，重视写生，重视从生活中寻找感动，重视生活对当代艺术创作的品质提升、技术探讨以及形式创造等的重要作用，理性地看待封建社会留给我们的宝贵财富同时又鱼龙混杂的传统，传承我们民族文化艺术的精华，以真诚的美术专业精神与不懈的努力，共同推动民族艺术创作在当代的进步与发展。