对素描人物表现形式的研究论文

我劝你还是自己写得好，这样的东西他们能搜到，你的老师一样搜到。好自为之吧。

啊哟，我倒是纠结了，你到底要1500字，还是3000呢？

文艺复兴时期绘画与达.芬奇的艺术一：意大利是欧洲文艺复兴的发源地和中心关于欧洲文艺复兴时期的绘画，大家一般都有一定的了解，这一时期也就是14-16世纪，欧洲发生了一场以意大利为发源地和中心的文艺复兴运动。这场运动的背景是由于自然科学技术的进步、欧洲的意大利首先在封建社会内部出现的资本主义经济萌芽和新兴资产阶级为发展资本主义经济的需要，同时，随着基督教的神权思想束缚被打破，人们迫切要求看到表现自己生活的新艺术，又随着古希腊罗马遗址不断的发掘出土，人们开始出现向往古代文化的心情。它使欧洲的科学、文化出现了前所未有的繁荣，正如恩格斯评价为是“人类经历的最伟大的进步性变革”。我们说意大利是欧洲文艺复兴时期的发源地，主要是这一时期的意大利绘画，无论是风格、题材的体裁，不论是美学理论或绘画基础（解剖、透视、素描、色彩）以及画家个人的专著都比欧洲同时期的其它国家来得系统、丰富和成熟。比如，当尼德兰的画家们在寻找和试验调色用油的时候，意大利的画家们不约而同也地试验适用于调色粉和油料。如乔托、马萨乔、唐那太罗、弗兰西斯卡等画家，他们对蛋清胶粉表层的油质涂料试验（包括材料和方法的试验，以及对人体的解剖、透视等作了许多成功的探索和研究。它说明意大利文艺复兴时期的画家们对人体解剖结构和透视的研究取得了良好的效果。二：佛罗伦萨画派和威尼斯画派意大利文艺复兴时期盛期和后期，优秀的美术人材辈出，这个时期卓越的大师不仅创造了典型、完美的人物形象，而且在美学思想理论和绘画基础理论方面也作出了伟大贡献。同时，在绘画技法上也不断完善，不少传世作品技艺超群，至今仍为世界艺术宝库中的珍贵财富。佛罗伦萨画派：由于它地处当时的经济和文化中心，当地的画家用科学的方法研究人体的造型规律，吸收古希腊、古罗马雕塑艺术的特点，同时将中世纪绘画的平面装饰风格改变为焦点透视，使物象具有体积感和空间感。象前面提到的乔托、马萨乔，玻提切利等是该画派的早期代表。而达芬奇、拉斐尔和米开朗基罗三位文艺复兴时期的三大杰，则是该画派全盛时期的代表人物。佛罗伦萨画派的油画技法，一般是用一种较淡的熟胶调制的石膏粉和白粉作画底，然后在白底上用一种单色或接近皮肤的颜色起稿，画出较深入具体的素描，之后，就用深棕或深褐绿的蛋清胶粉色将背景涂满，再以蛋清胶粉初步将画面画完，在此基础上再进行调油颜色的透明画法，最后再加上一层光油，这就是我们常说的“古典画法”。威尼斯画派：受拜占庭和尼德兰绘画的影响，后来又吸收了佛罗伦萨画派的理论与经验，到16世纪，威尼斯成了欧洲油画的中心。它的特点是：色彩绚丽、形象丰富、构图新颖。它的代表画家，就是我们熟知的乔尔乔内和提香，二位是公认的欧洲近代油画的革新者和意大利新油画的创始人。欧洲现代的美术史家在研究印象派的产生背景时，也曾指出乔尔乔内和提香油画对马奈和莫奈所给予的积极影响。在技法上，一般是在已经做好底子的画布或木板上，通常用土红、深棕或深褐色先涂一道底色，然后在此底子上用油画单色起稿画轮廓或简单的素描，然后用简单几种油画色调白色刻划出物象的形体结构和明暗，最后在它上面进行透明画法。该画派在16世纪后又有改进，在深色底子上，用油画色直接作画，亮部颜色要厚涂，暗部要薄而透明。由于这种技法比较简便，又利于发挥油画笔触的视觉效果，所以迅速在欧洲流行起来，成了欧洲近代油画的传统技法。三：达芬奇的艺术在讲意大利文艺复兴时期的美术，有一个人是不能不提的，他就是达芬奇（1452--1519），（演示）意大利文艺复新时期最负盛名的艺术大师、科学家、医生。他生于佛罗伦萨郊区的芬奇镇,卒于法国。其父为律师兼公证人，母为农妇，他15岁来到佛罗伦萨，学艺于韦罗基奥的作坊，1472年入画家行会。70年代中期个人风格已趋成熟。1482--1499年间一直工作于米兰，主要为米兰公爵服务，进行了广泛的艺术和科学活动，《岩间圣母》是他在这段时期创作的最有名的代表作。《自画像》（演示）被誉为素描艺术的典范。他对建筑,雕刻和绘画的创作都以大量素描为构思和研究的基础，从构到每个人物 甚至每个手势都准备了充分的素描习作及写生，他的素描起了相当于甚或超过现代摄影术的作用。在这幅《自画像》中，画家描绘起自己来可谓得心应手，他观察入微,用的线条丰富多变，刚柔相济 尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化，这些素描艺术手法使后来的不少画家得益菲浅，堪称素描艺术的精典。此画用线生动灵活，概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折，体面关系，发线代面，立体感很强。还有，人物的表情也很传神。因此，此画虽为素描小作，其艺术美，形式美却丝毫不亚于达.芬奇的那些恢宏巨制，诸多年来，继续以其隽永的魅力吸引后世 美术爱好者的赞赏和推崇。他的成就主要在以下几个方面：1：绘画理论他将前辈画家关于人体解剖、透视和素描等研究成果，通过自己的探索和实践，上升到系统理论。如人体解剖，据说，他不顾当时天主教禁律，亲自解剖了30多具尸体，他的那幅著名的人体解剖素描 （演示）被认为是最成功的设想把完美人体造型包含在一个圆形和正方形的理论。主要论著有《绘画论》。2：油画技法在技法上也不断地探索，经常变换颜色的调法，创造一种被称为“薄雾法”的表现手法。因为在在文艺复兴初期的一些技法中，仍残留着哥特式宗教祭坛画的痕迹，单线平涂，色彩较单调，体积感和空间感相对较弱。面达芬奇的“薄雾法”则将人物的边线逐渐消失，若有若无，更加接近真实。我们可以从他的几幅传世杰作：《蒙娜丽莎》及《岩间圣母》中就能看到达芬奇对于油画表现手法的创造性贡献（演示）。先来看看《岩间圣母》（演示） 世界上最著名的肖像画——《 蒙娜丽莎》（演示） 佛罗伦萨的人民，确切地说，整个意大利人民都知道列奥纳多.达.芬奇是个天才。他是画家中能使人的肖像看去既栩栩如生，又美丽漂亮的第一人。这就是为何一个叫佐贡多的富有商人，请他为他年轻美貌的妻子蒙娜.丽莎，这幅肖像花了达.芬奇四年的时间，当他完成这幅肖像之后，不愿把它交给佐贡多或其他任何人。当他受到法国国王的邀请时，便带着这幅肖像离开意大利去了法国。 达.芬奇是在法国去世的，后来《蒙娜.丽莎》这幅画就留在了法国，它就变成了法国人的财富。（要是。。。）目前人们一直在谈论她那神秘的微笑，发现她的微笑似乎在变化。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时象是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。一般人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达.芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的”神秘的微笑”。关于这幅画有一个故事。达.芬奇在为蒙娜.丽莎绘画时，请了位乐师在她旁边弹奏，以便她能象个模特儿那样耐心平静地坐着。她眼中的神情告诉我们她正在倾听。而现在，如果我们看她那双美丽的手，并把它们与她的脸联在一起考虑，我们会觉得那神情更诚挚。她的右手轻轻地放在左手上，中指根本没有任何依托，我们感到它正和着音乐的节奏轻轻地打着拍子。当我们看着这幅如此逼真的肖像画背后的景色，我们会为那不真实的背景吃惊。山峰、道路、小桥、流水都在一种梦幻般、飘拂不定的气氛里出现，仿佛以此证明蒙娜.丽莎的思绪沉浸在一个梦的世界里。最近，又有报导说《蒙娜丽莎 》的背景之谜被专家解开 ，这是研究达-芬奇绘画艺术的著名学者、美国加利福尼亚大学教授卡罗-佩德雷蒂5日在" 达-芬奇绘画国际研讨会 "上宣布的。他说，经过多次考证，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中 部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂说，达-芬奇出生在踞阿雷佐约100公里的芬奇小镇，并在阿雷佐生活过。这一地 区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎一样，因此，他采用这一地区的田园景色作为这幅肖 像画的背景是完全可能的。许多到会专家对佩德雷蒂的这一研究成果表示肯定。 《最后的晚餐》（演示） 四：小结 文艺复兴时期绘画与达.芬奇的艺术

我虽然是素描8级，但是800字，也忒多了吧

因该选你最擅长的画

速写【sketch 】顾名思义是一种快速的写生方法。速写是中国原创词汇，属于素描的一种。速写同素描一样，不但是造型艺术的基础，也是一种独立的艺术形式。这种独立形式的确立，是欧洲18世纪以后的事情，在这以前，速写只是画家创作的准备阶段和记录手段。在中国素描和中国白描结合产生独特的以线为主线面结合的造型方法，为了同素描概念区分出来一般有两种定义一绘画术语。用简练的线条在短时间内扼要地画出人和物体的动态或静态形象。一般用于创作的素材。二一种篇幅短小、文笔简练生动，扼要描写生活中有意义的事物或人物的情况的文体。也指用概括有力的笔墨描写人物或生活场景的表现手法。广义上的素描，涵指一切单色的绘画。狭义上的素描，专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。美术是表现事物的一种手段。美术的基础是造型，艺术造型是人按照自然方式进行的复杂劳动，是一项需要长期训练才能形成的特殊技能。艺术造型不只是塑造孤立静止的物体形态，更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。掌握艺术造型的方法，需要恢复人的自然思维方式和操作方式，需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件。素描是解决这些造型问题的最佳途径，这在艺术造型的实践中得到了完全证明，因此，素描被称为“造型艺术的基础”。素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来 表现直观世界中的事物，亦可以表达 思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。(大不列颠百科全书)在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。素描是一种用线与面的表现方式来表达的.每一个物体在光照下都有亮灰暗三部分.从最深到最亮依次是:明暗交界线,暗部,反光,灰部,亮部.在作画时,亮部要尽量避免脏,暗部要尽量避免闷(即由于线条太多而没有空隙与反光)。素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)， 另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间 的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。素描的定义(摘自康和教师手册)法文Dessin--英文Drawing--中文称为「素描」。素描是描绘者在既定的面积或在平面的物质(纸、布……)上--描绘出外在的形体在空间中的位置--并藉此训练来掌握物体的明暗层次和基本形象。学习：在素描的练习过程中，素描必须着重光线、物体的关系，笔触的描绘手法，将自己眼睛所观察到的形体，具体而微的呈现出来。所以，素描需培养自己的观查力。另外，素描也可以解释为「存在」与「绘画」之间一切的努力，亦即所谓「绘画之描写力」。例如，描绘桌上的静物，除了可以发现静物上不同的色彩外，亦可发现放在桌上的安全感，和背景间的协调性，这些存在的形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态……等等复杂的因素，互相交织，构成一个美的秩序。绘画就是要将那些自然的秩序，导换成美的、入画的秩序，这也是素描的意义和目的。素描是绘画的基础,是最能体现人的绘画水平的画种。因此，在学习中要踏踏实实，持之以衡，不可浮躁。美术高考素描考试：随着我国高等教育的发展，美术院校及专业招生数量越来越多，许多爱好美术的高中生报考美术院校和专业，而素描考试是美术专业考试的主 要科目，如何在高考中提高素描成绩，是考生苦苦寻觅的问题。因此，对素描考试的研究是高中美术教师教学的重中之重。欧洲艺术在19世纪末，由於後期印象派、立体主义对於艺术本质的不同追求与探讨，使实体形与色的描绘完全解放，因此，也改变了传统的素描训练方式。在部分国家，如法国巴黎第一大学美术系，便以「二度空间，单色与多色的研究」来取代「素描」的课程。在这种的课程安排中，素描有著更宽广的空间，素材的弹性更大，学生可以任意使用各种不同的媒材来从事二次元的造形练习。所以，除了基本的素描概念不可偏废外，在素描媒材的训练上，应在课程的练习中给予更多的弹性与变通，使素描的训练不仅能配合艺术思潮，并且展现更多的活力和更广的表现力。素描是「观念」「IDEA」。也是所有图形行为的基础，尤其是绘画的基础。到了现在，素描已被认为是一种专门的表现技法，包括线条的描绘、光影、重点、调子等。素描是指在绘画上的基础表现，由於绘画的主要造形元素是线条和色彩，要在有限的二度空间上，发挥无限的美的情境，就必须对造形表现的技法运用熟练，方能随心所欲的达成。于是素描便是画者利用最简单的工具，将美的意念经过观察、体验、想像、选择、重组等的努力，而做下的纪录。由于它重在绘画发展的过程，因此，可能有各种试探的实验性，所以素描表现的内容与形式，也是多样而丰富的。素描不仅是学习绘画的基础，一幅好的素描作品本身就是一件独立的艺术品。由于它使用的工具较为简便，又是在较短的时间内完成的，因此往往比经过很多加工的绘画作品更直接地传达作者瞬间的灵感和激情，捉取所画对象的生动气韵。在一些素描杰作中，能得到在其它画作中不易领略到的那种直觉的艺术感受。西方美术史上的很多绘画大师，曾留下大量的素描作品，如文艺复兴三杰、鲁本斯、伦勃朗、哥雅、安格尔、列宾、门采尔等等；而有的大画家则流传极少，象提香、委拉斯兹，由于他们长于直接在画布上起稿，所以没有留下多少素描稿；但从仅见的少数作品上仍能窥见他们在素描方面独到的功夫。素描的明暗五调子:明部,半明部,明暗交界面,投影面,反光面 素描要注重基础 画多几何体很提能力！

素描是一门独立的艺术门类，除了素描是绘画造型训练的基本功因素外，另外一个角度就是我们更加关注其具有独特魅力的素描肖像艺术，中外有很多经典的素描肖像艺术的作品，这个内容值得一写，好写又易深入。素描肖像艺术，此内容也显示了论文的艺术品位和不凡的格调，你应该如我一样心动了吧？