我觉得嘻哈音乐的兴起是这个时代发展的必然产物，人们现在的生活节奏还是很快的，而嘻哈音乐其实也顺应了这种快节奏的生活，我个人还是很喜欢嘻哈音乐的，每次听这些类型的歌曲时，便感觉自己浑身有劲。
hiphop的根源是二十世纪七十年代初,美国整体的经济状况改善,一贯被歧视的黑人终于初步获取了自己的社会地位,建立了属于自己的社区.但是对黑人来说歧视依旧存在,贫穷依然深深地压迫着他们,他们要想改变自己的生存状况,必须利用天赋的本钱.黑人有两大天赋:一是运动,二是音乐.从爵士乐到摇滚,如今是rap.一个黑人最容易出人头地的方法就是打篮球,否则就是搞音乐.而hiphop的定义也是由五个部分构成的,它们分别是:音乐,舞蹈,涂鸦,刺青和衣着.它们的出现并不是一天的事情,而是在漫长的发展过程中渐渐成型,并确立门派的. 街头萌芽:1970年~~~1979年 在美国纽约的bronx区, kool herc 以及Grand wizard theodore这两位大佬最先开始玩DJ&MC,另外还有Coke La Rock,Cowboy以及Melle Mel这三位大哥,而以上所提到的这些人都是hiphop的始祖,这时候hiphop还是结合迪斯科而成的一种街头Party兴奋剂. 商业洗礼:1979年~~~1983年 紧接着就是在这三年之间发生了一些重要的事件,在美国纽约出现第一个Rap说唱团体Sugarhill Gan\''''s,而他们所唱的"Rapper\''''s Delight"则成为第一首hiphop的歌曲.接下来还陆续出现了 Grandmaster,Flash,Afrike Bambaataau以及Soulsonic Force这些团体.在他们出来之后,开始有唱片公司找这些团体出唱片,而街区的人们也于这时候开始了解hiphop也是可以赚钱的. 崭露头角:1983年~~~1987年 在这些年之内出来的有LL Cool J,Fat Boys以及Salt \''''n Pepa,再加上现在也非常红的Beastie Boys等,他们解决了hiphop长期处于街头娱乐的景况,而变成让社会和乐评们无法忽视的音乐类型. 开枝散叶:1987年~~~1989年 一些大人物Rrs One,Boogre Dain Productions,Epmd以及Public Enemy的出现将hiphop开始发展出各种不一样的风格.在这个时期,Ice Cube把美国西海岸的G Music帮派音乐风格搞的规模非常庞大,处处可见.美国东海岸的纽约也出来了一些大的组织如Native Tongues,De La Soul, A Tribe Called Quest以及Jungle Brother,这些团体至今在hiphop音乐圈内还是备受尊重的!Des Efx以及Redman由于Rap的内容大多为写实并具有故事性,所以至今仍然赢得大家的肯定和尊重. 黄金时代:1992年~~~1993年 这是美国西海岸把hiphop搞的最大的年代,影响西岸最大的歌手为以及Snoop Doggy Dog.他们带动了西岸的hiphop,那是属于G Music Rap帮派说唱的风格. 全面进军:1993年~~~1995年 当时摇滚乐的衰落使唱片公司纷纷寻找新的赚钱门路.hiphop迎合了他们的需求,为hiphop势力最大的年代.Wu-Tang Clan\''''s出现于舞台,Wu-Tang 就是武当派的意思.他们在音乐里加强了Bass的声音,并且除了使用钢琴之外,还运用了非常多老旧中国功夫电影里的声音,相当有趣.此时东海岸和西海岸的hiphop发展成两个绝对不同的派系.简单说东海岸以帮派和痞子为主,西海岸则更娱乐. 两岸对峙:1995年~~~1997年 从这时期开始,东岸和西岸分别在音乐,Mc以及Rap上开始对抗,从音乐到Rap的填词上都有嘲讽对方的意思.到了今天,甚至抗衡到互相枪杀对方的地步,导致西岸的2 Pac跟东岸的Notorious .这两位在当时hiphop音乐界中当红的说唱手因此丧命. 黑白兼收:1997年~~~NOW 事实上标准的hiphop的音乐,服饰等元素正式成为各位hiphop大侠的标准,而hiphop也开始了向其他领域的开拓,与其他音乐相融合.正是hiphop红遍全球的时候,真正根源的hiphop已经淹没在社会文化的大海中,成为黑人与白人共享的大美国文化一部分!
如何通过典型事例分析人物特点把握文章内容
一、何谓嘻哈一般我们提到嘻哈，更多的是指嘻哈音乐。嘻哈音乐也被称为说唱乐，Rap乐、饶舌音乐。这种音乐形态起源于美国的黑人聚居区，是用于表达自我感受的一种艺术形式。嘻哈文化其实嘻哈这个词来源于Hip-hop音译，它不止包含音乐，还有其他文化，比如滑板、涂鸦等。嘻哈的四大支柱为：DJ（打碟），MC（说唱），Graffiti（涂鸦）,Breaking(街舞），是一种街头文化。所以说嘻哈是一种音乐是不太准确的，嘻哈更多的是一种状态，一种风格。下一部分我们将会讲嘻哈文化是如何诞生和发展的。二、嘻哈文化的发展历程Hip-hop这两个词直译过来怎么看呢？从字意来看，是“臀部”和“小跳”两个词语组成的，简而言之就是抖动的臀部，其舞蹈元素显而易见。街舞最早的嘻哈文化也主要以黑人舞蹈为主：美国东海岸的黑人歌星詹姆斯·布劳德创始了一种包含有“头转”、“背转”、“风车”、“手转”等高难度动作的、风格热情激烈的现代街舞。当人们厌倦了迪斯科之后，他们开始跟随一些黑人的Funk音乐起舞，演变为一种街头亚文化形态。于是，DJ也就应运而生了，打碟手用来提供舞蹈时的音乐。接下来有一种舞蹈大家都听说过，没错，就是传说中的“霹雳舞”。现在看来有些老派的舞蹈，在当时可是全球大流行。很多著名的艺人都是霹雳舞高手，比如这位大哥：霹雳舞高手：孙红雷没错，孙红雷大哥也是潮流一时的霹雳舞少年。除了他之外，像歌手沙宝亮等，都曾经是霹雳舞演员。由于舞蹈文化的带动，其他的嘻哈文化分支也蓬勃发展了起来。例如街头涂鸦、滑板等。人们需要表达的欲望越来越强烈，且很多DJ在伴奏的过程中会即兴进行一些演唱，这都一步步催生了嘻哈音乐。三、嘻哈音乐的诞生和发展从历史的角度看，在二十世纪的六七十年代，美国社会的种族、阶级分化现象日益严重。而处在社会最底层的黑人群体，不仅经济地位更低，而且文化方面的话语权也日益失落。而当时的流行音乐，例如爵士、摇滚等，不仅不适合成为街头文化，并且其内容也都不关注黑人群体的利益和诉求。而美国社会无处不在的种族偏见，使得黑人既无法录制黑胶唱片，也无法录参与音乐类的电视节目。因而，黑人只能凭借自娱自乐的DJ刷碟活动，举办地下音乐聚会来排解心中的愁闷。这种音乐聚会活动，同我们之前提到的“霹雳舞”类似，也演变成为了一种街头亚文化。令人疯狂的DJDJ，也叫刮擦唱片。当时的唱片并非CD，而是LP唱片。电唱机用唱针在LP唱片的纹路中回环绕转，将机械运动的信号转换为声音的波形信号。如果用手转动唱片来干预电唱机的正常运行状态，就能够使唱针在不同的唱片纹路之间来回游移，从而产生出许多效果奇特的混音音乐来。这种由人为干预主导的播放方式以及进行干预性播放的人，都被称为 DJ。在这种音乐聚会活动中，经常要有一些人使用麦克风为其他同伴介绍刮擦唱片时所采集到的不同纹路音乐波形所对应的歌曲名称以及歌曲的内容。为了更能表现出娱乐性以及艺术感，这些人往往要用一些押韵的俚语来进行介绍，因而颇受欢迎，逐渐演变成为说唱音乐。而这类人被称为MC，没错就是我们现在常说的MC。MC其实是麦克风控制者的缩写形式。他们往往要即兴编排一些押韵的句子，用插科打诨的形式面向观众交谈，作为对DJ音乐的补充，起到调节聚会人员情绪的作用。久而久之，这种原本处于辅助地位的音乐形式，逐渐演变成了一种相对独立的音乐风格。于是，RAP说唱乐就诞生了。最早的RAP音乐，诞生在最为繁华的纽约市。20世纪的老纽约有朋友可能好奇Rapper们很酷的的Battle怎么来的。早期，两个MC之间会相互交谈调节气氛，其中不乏相互的贬低甚至是攻击的内容，逐渐形成了两人，甚至多人Battle的音乐风格。有没有感觉很像线下脱口秀里的开放麦环节。脱口秀也是最近炙手可热的街头文化从此，嘻哈音乐有了自己固定的演出风格，节奏性更加强烈，说词方面也有了重要的突破。之前调节气氛用的很多脏字逐渐减少，越来越多的关注下层人士的生活，乃至于产生了很多人文的特性。现在的嘻哈音乐，旋律上较之从前的更加丰富，也由一种街头文化、地下文化变得更普世，越来越登得上大雅之堂。国内这次嘻哈文化的大流行，我个人觉得其原因不仅仅是说唱音乐受大家喜爱，而是上升到了一种文化的层面，年轻人觉得嘻哈文化是很酷的一件事。正如我之前提到的，涂鸦、滑板等，在各大城市都已经有相关的文化氛围，促生了嘻哈文化的蓬勃。了解一种文化的根源，对于理解它有很重要的意义，由于篇幅有限，嘻哈的起源和发展就先讲这么多。其实仔细想来，自上世纪七十年代末嘻哈文化在黑人贫民窟萌芽形成之后，这种文化形式非但没有被扼杀在摇篮中，而是在美国本土发展将近四十年，直至今日的繁荣，不仅令人惊叹它顽强的生命力。在这四十年当中，嘻哈音乐也因为其地下文化、街头文化的特质，遭遇了很多的歧视和发展困境，当然，也遇到了很多的机遇。作为音乐人，我把这一切分享给大家，由衷的希望各种文化形式都能百花齐放，给我们带来更好的视听盛宴。
其实嘻哈也是一种文化，懂的人自然知道它的魅力所在，而且不懂的人就不要随意的去评价
pg one diss选手们就是真性情，推广嘻哈文化。黄旭写歌纪念兄弟就是卖弄情怀，应该去中国好故事。有些人玩起双标真是可笑。
如果问《中国有嘻哈》的方法论，我觉得是剧情式真人秀、非线性运营以及对hiphop文化的尊重。这个文化到底是怎么样的，我们要了解吃透。还要尊重真人秀节目的制作规则，怎么好看怎么做。尊重创作规则，尊重文化本身，出来的就应该是个好节目。
表达自我、个性十足、风格多样！
Hip-Hop是种文化，并不单一指某种事物。不是说穿着大大的POLO衫，带着APE的帽子，踩着DUNK鞋，脖子上在挂条大链子就是Hip-Hop了，而更重要的为精神。 Hip-Hop：Hip是屁股，Hop是跳跃的意思，Hip-Hop音乐在70年代专指黑人源于R&B(节奏蓝调)，但与R&B截然不同，强调舞厅中技巧的纯舞曲，这种音乐在80年代由于加上Scratch(将唱片间歇式倒转地放，而发出与唱针摩擦音的特殊效果)及黑人特有的街头式韵角口白形成Rap音乐，因此可以说Hip-Hop是Rap的前身，但今天这两个名词往往可以混用，只是Rap偏重说唱，Hip-Hop则较倾向于指Beat(节拍)明显强烈的流行舞曲。Graffiti：涂鸦，在字典中解析就是drawing or writing on a public wall，如今涂鸦艺术的喷画及街头形式传统已对世界艺术家造成了一定的影响。作为一种销售的工具，早期的Hip-Hop舞会宣传总喜欢请涂鸦艺术家来设计传单及海报。但后来至80年代，Hip-Hop已被广泛介绍并为大众接受，有一段时间Hip-Hop并无关于贩卖文化，也并未将早期的涂鸦形式一并带进来。涂鸦里无论是特殊技巧和喷漆的手法，对艺术形式也产生影响，例如墨西哥革命的愤怒涂鸦。而今天，在黑帮泛滥的美国城市，黑道间彼此地盘的警告和暴力的威胁也都透过涂鸦来沟通。 Indie：Independent的缩写，指的是艺人所属的唱片公司是Independent Label(独立公司)，并不像全球五大唱片公司有极为庞大的发行网，可以为歌手作造型、宣传活动等整体设计，由于Major(即五大唱片公司系统)可以为艺人提供最好的录音师、伴奏者等客观环境，定完整的行销计划，因此往往具有能将一个平凡人塑造成大明星的能力，更重要的是在以商业利益为考虑下，大唱片公司旗下的好艺人往往被迫牺牲一些理想与执着。这也就是死硬派摇滚爱好者唾弃Major的商业色彩浓厚，而拥护一些可以让艺人自己制作，依自己理想去出专辑而又不作很多商业宣传的Indie唱片公司的原因。介绍几个比较出名的Hip-Hop歌手：Eminem----不能不提，身为白人在这个以黑人为主的音乐里表现的非常出色。比较喜欢的几首歌曲Stan，Without me，Sing For The Moment(翻唱Aerosmith的老歌)。50 Cent----大红特红的人物，不用做再多的介绍。好听的歌曲比较多，21 questions最为欣赏。D12----说唱著名团体，D-12乐团首张专辑Devil's Night已经在三年前证明了这一点。Snoop Dogg----声音非常独特，感觉就是在平平淡淡的说。P. Diddy----与EMINEM为敌，也是非常出色的歌手。Usher----不用多说其实力，2004Billboard以大热姿态横扫十一个大奖。THE BLACK EYED PEAS----黑眼豆豆，跟Justin合作了一曲 整张专集都非常出色。Dr. Dre----顶尖制作人兼歌手，在很多Hip-Hop的MV中经常能看到身影，制作过许多非常有名的专集。JAY-Z----说唱非常干净，与众不同就是没有脏话。海王星----最早两个人，一个黑种人，一个黄种人。非常的出色，制作过Justin、小甜甜等一系列的专集。还有很多出名的乐手，有一些即兴的说唱也非常的好，还有一些非常好的法文说唱，但在早已被英文占据的市场中不是那么的体现出来。中文说唱目前也在发展阶段，目前华语最好的说唱专集公认的为《铁竹堂》，铁竹堂由制作人Micchael林迈可、Jason王威登、Scottie陈恒义、Vince张敖杰四人组成。很不幸，今日广告媒体的大量使用涂鸦风格已使得Hip-Hop失去了本来的直接性。地铁里那长长一列列美好的作品，今日看来有些过于直率不羁。然而其中的那份年少轻狂和幽默感提醒着我们，在泛滥厌腻的90年代，Hip-Hop的开始并不是一份商业事业，而是向世人宣称一群人存在的一种方式。叫做基督徒的那些人，习惯了循规蹈矩，习惯了说话得体，对于内心真我的感受，压抑、麻木。
Hip hop music (also referred to as rap or rap music) is a style of popular music. It is made up of two main components: rapping (MCing) and DJing (audio mixing and scratching). Along with breakdancing and graffiti (tagging) these are the four elements of hip hop, a cultural movement that was initiated by inner-city youth (mostly minorities such as African Americans and Latinos) in New York City in the early , hip hop music consists of one or more rappers who tell semi-autobiographic tales, often relating to a fictionalized counterpart, in an intensely rhythmic lyrical form making abundant use of techniques like assonance, alliteration, and rhyme. The rapper is accompanied by an instrumental track, usually referred to as a "beat", performed by a DJ, created by a producer, or one or more instrumentalists. This beat is often created using a sample of the percussion break of another song, usually a funk, rock, or soul recording. In addition to the beat other sounds are often sampled, synthesized, or performed. Sometimes a track can be instrumental, as a showcase of the skills of the DJ or hop began in New York City when DJs began isolating the percussion break from funk and disco songs. The early role of the MC was to introduce the DJ and the music and to keep the audience excited. MCs began by speaking between songs, giving exhortations to dance, greetings to audience members, jokes and anecdotes. Eventually this practice became more stylized and became known as rapping. By 1979 hip hop had become a commercially popular music genre and began to enter the American mainstream. In the 1990s, a form of hip hop called gangsta rap became a major part of American music, causing significant controversy over lyrics which were perceived as promoting violence, promiscuity, drug use and misogyny. Nevertheless, by the beginning of the 2000s, hip hop was a staple of popular music charts and was being performed in many styles across the usageThe terms rap and rap music are often used to describe hip hop music; the terms rap music and hip hop music are generally synonymous, although rap music is usually not used to describe hip hop songs without vocals. Hip hop music is also erroneously used at times to describe related genres of music, such as contemporary R&B, which are primarily sung; while singing is commonly present in hip hop songs, the main vocal (if there are vocals) is always rapped.[edit]CharacteristicsHip hop is a cultural movement, of which music is a part (as are graffiti and breakdancing). The music is itself composed of two parts, rapping, the delivery of swift, highly rhythmic and lyrical vocals, and DJing, the production of instrumentation either through sampling, instrumentation, turntablism or beatboxing. Another important factor of hip hop music is the fashion that originated along with the music. The fashion was a representation of the music.[edit]Rhythmic structureBeats (though not necessarily raps) in hip hop are almost always in 4/4 time. At its rhythmic core, hip hop swings: instead of a straight 4/4 count (pop music; rock 'n' roll; etc.), hip hop is based on an anticipated feel somewhat similar to the "swing" emphasis found in jazz percussion. Like the triplet emphasis in swing, hip hop's rhythm is subtle, rarely written as it sounds (4/4 basic; the drummer adds the hip hop interpretation) and is often played in an almost "late" or laid back style was innovated predominantly in soul and funk music, where beats and thematic music were repeated for the duration of tracks. In the 1960s and 1970s, James Brown (known as The Godfather of Soul) talked, sang, and screamed much as MCs do today. This musical style provides the perfect platform for MCs to rhyme. Hip hop music generally caters to the MC for this reason, amplifying the importance of lyrical and delivering & productionInstrumental hip hop is perhaps the lone exception to this rule. In this hip hop subgenre, DJs and producers are free to experiment with creating instrumental tracks. While they may mix in sampled rap vocals, they are not bound by traditional hip hop & productionThe instrumentation of hip hop derives from disco, funk, and R&B, both in the sound systems and records sampled and session musicians and their instrumentation used. Disco and club DJs' use of mixing originated from the need to have continuous music and thus smooth transitions between tracks. Hip hop Kool DJ Herc, in contrast, originated the practice of isolating and extending only the break—a short percussion solo interlude—by mixing between two copies of the same record. This was, according to Afrika Bambaataa, the "certain part of the record that everybody waits for—they just let their inner self go and get wild." (Toop, 1991) James Brown, Bob James, and Parliament—among many others—have long been popular sources for breaks. Over this one could and did add instrumental parts from other records, frequently as horn punches (ibid). Thus the instrumentation of early sampled or sound system-based hip hop is the same as funk, disco, or rock: vocals, guitar, keyboards, bass, drums and original hip hop music consisted solely of the DJ's breakbeats and other vinyl record pieces, the advent of the drum machine allowed hip hop musicians to develop partially original scores. Drum set sounds could be played either over the music from vinyl records or by themselves. The importance of quality drum sequences became the most important focus of hip hop musicians because these rhythms (beats) were the most danceable part. Consequently, drum machines were equipped to produce strong kick sounds. This helped emulate the very well-engineered drum solos on old funk, soul and rock albums from the late 1960s and early to mid 1970s. Drum machines had a limited array of predetermined sounds, including hi-hats, snares, toms, and kick introduction of the sampler changed the way hip hop was produced. A sampler can reproduce small sound clips from any input device, such as a turntable. Producers were able to sample familiar drum patterns. More importantly, they could sample a variety of instruments to play along with their drums. Hip hop had finally gathered its complete producers and listeners pride certain records for being hip hop lore and thus a good source of samples and breaks. To this day, producers use arcane equipment to replicate the same rough sound used in older records. This lends credibility to the records and serves as a historical reminder to the listeners of hip hop's origins.[edit]HistoryFor more details on this topic, see History of hip hop music. Hip hop music can be divided into three eras. The old school hip hop era, from 1970 to 1984, spanned from the beginning of hip hop until its emergence into the mainstream. The golden age of hip hop, from 1985 to 1993, consolidated the sounds of the East Coast and the West Coast and transitioned into the modern era with the rise of gangsta rap and G-funk. The Modern era of hip hop, from 1993 to the present day, saw hip hop music becoming one of the most popular and successful forms of American music.[edit]OriginsMain article: Roots of hip hop music The roots of hip hop music are in West African and African American music. Discussion of the roots of hip hop (and rap) must mention the contributions of griots The Last Poets and Jalal Mansur Nuriddin, whose jazzy and poetic "spiels" commented on 1960's culture. Hip hop arose during the 1970s when block parties became common in New York City, especially in the Bronx. Block parties were usually accompanied by music, especially funk and soul music. The early DJs at block parties began isolating the percussion breaks to hit songs, realizing that these were the most danceable and entertaining parts; this technique was then common in Jamaica (see dub music) and had spread via the substantial Jamaican immigrant community in New York City, especially the godfather of hip hop, DJ Kool Herc. Dub had arisen in Jamaica due to the influence of American sailors and radio stations playing R&B. Large sound systems were set up to accommodate poor Jamaicans, who couldn't afford to buy records, and dub developed at the sound systems (refers to both the system and the parties that evolved around them).[edit]Old school hip hop (1970–1986)Main article: Old school hip hop [edit]1970sHerc was one of the most popular DJs in early 1970s New York, and he quickly switched from using reggae records to funk, rock and, later, disco, since the New York audience did not particularly like reggae. Because the percussive breaks were generally short, Herc and other DJs began extending them using an audio mixer and two records. Mixing and scratching techniques eventually developed along with the breaks. (The same techniques contributed to the popularization of remixes.) As in dub, performers began speaking while the music played; these were originally called MCs; Herc focused primarily on DJing, and began working with two MCs, Coke La Rock and Clark Kent—this was the first emcee crew, Kool Herc & the Herculoids. Originally, these early rappers focused on introducing themselves and others in the audience (the origin of the still common practice of "shouting out" on hip hop records). These early performers often emceed for hours at a time, with some improvisation and a simple four-count beat, along with a basic chorus to allow the performer to gather his thoughts (such as "one, two, three, y'all, to the beat, y'all"). Later, the MCs grew more varied in their vocal and rhythmic approach, incorporating brief rhymes, often with a sexual or scatological theme, in an effort at differentiating themselves and entertaining the audience. These early raps incorporated similar rhyming lyrics from African American culture (see roots of hip hop music), such as the dozens. While Kool Herc & the Herculoids were the first hip hoppers to gain major fame in New York, more emcee teams quickly sprouted up. Frequently, these were collaborations between former gang members, such as Afrika Bambaataa's Universal Zulu Nation (now a large, international organization). During the early 1970s, breakdancing arose during block parties, as b-boys and b-girls got in front of the audience to dance in a distinctive, frenetic style. The style was documented for release to a world wide audience for the first time in Beat , the first two commercially issued hip hop recordings are considered to be "King Tim III" by The Fatback Band and "Rapper's Delight" by The Sugarhill Gang, although there are popular older recordings by artists such as Sly Stone, Gil Scott-Heron, P-Funk and many others, which in retrospect sound very much like hip the Fatback Band nor the Sugarhill Gang had significant roots in the DJ culture; the Fatback Band was primarily a funk act, while the Sugarhill Gang was the studio creation of Sugar Hill co-founder Sylvia Robinson. Nevertheless, "Rapper's Delight" became a Top 40 hit on the . Billboard pop singles chart, and after the releases of follow ups by acts such as Kurtis Blow ("The Breaks"), The Sequence ("Funk You Up"), and Grandmaster Flash & the Furious Five ("Freedom"), hip hop was pegged as a successful, yet temporary, trend in 1980s saw intense diversification in hip hop, which developed into a more complex form. The simple tales of 1970s emcees were replaced by highly metaphoric lyrics rapping over complex, multi-layered beats. Some rappers even became mainstream pop performers, including Kurtis Blow, whose appearance in a Sprite commercial made him the first hip hop musician to be considered mainstream enough to represent a major product, but also the first to be accused by the hip hop audience of selling out. Other popular performers among mainstream audiences included LL Cool J, Slick Rick, and DJ Jazzy Jeff and the Fresh Prince, who won hip hop's first Grammy Award in 1988. Blondie is generally considered to be the first mainstream pop act to borrow from hip hop, with the 1980 tune "Rapture," which was a massive hit single (subsequently sampled by Grandmaster Flash.)The techniques used in hip hop changed during the 1980s as well. Most important were the DJ records such as Grandmaster Flash's "Adventures on the Wheels of Steel" (known for pioneering use of scratching, which was invented by Grandwizard Theodore in 1977) as well as electronic recordings such as "Planet Rock" by Afrika Bambaataa and Run DMC's very basic, all electronic "Sucker MC's" and "Peter Piper" which contains genuine cutting by Run DMC member Jam Master Jay. Grandmaster Flash & the Furious Five released a "message rap", called "The Message", in 1982; this was one of the earliest examples of recorded hip hop with a socially aware tone. In 1984, Marley Marl accidentally caught a drum machine snare hit in the sampler; this innovation was vital in the development of electro and other later types of hip hop.[edit]Golden age hip hop (1986–1993)Main article: Golden age hip hop A number of new hip hop styles and subgenres began appearing as the genre gained popularity. .'s collaboration with hard rock band Aerosmith on "Walk This Way" was an early example of rock and hip hop fusions. Also, the mid-1980s saw the rise of the first major black female group, Salt-N-Pepa, who hit the charts with singles like "The Show Stoppa" in 1985. Ice-T's seminal "6n' Da Mornin'" (1986) is one of the first nationally successful West Coast hip hop singles, and is often said to be the beginning of gangsta hip hop (along with Schoolly D, LL Cool J and .).In 1987, Public Enemy brought out their debut album (Yo! Bum Rush the Show) on Def Jam - one of hip hop's oldest and most important labels, and Boogie Down Productions followed up in 1988 with By All Means Necessary; both records pioneered wave of hard-edged politicized performers. The late 1980s saw a flourishing of like-minded rappers on both coasts, and Public Enemy's It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back became surprisingly successful, despite its militant and confrontational tone, appearing on both the club and rap charts, and peaking at #17 and #11, respectively. Aside from the lyrical innovations, Public Enemy's Bomb Squad production team (along with Eric B. & Rakim and Prince Paul among others) pioneered new techniques in sampling that resulted in dense, multi-layered sonic hop was almost entirely unknown outside of the United States prior to the 1980s. During that decade, it began its spread to every inhabited continent and became a part of the music scene in dozens of countries. In the early part of the decade, breakdancing became the first aspect of hip hop culture to reach Germany, Japan and South Africa, where the crew Black Noise established the practice before beginning to rap later in the decade. Meanwhile, recorded hip hop was released in France (Dee Nasty's 1984 Paname City Rappin') and the Philippines (Dyords Javier's "Na Onseng Delight" and Vincent Dafalong's "Nunal"). In Puerto Rico, Vico C became the first Spanish language rapper, and his recorded work was the beginning of what became known as reggaeton.[edit]Modern era of hip hop (1993–present)In the 1990s, gangsta rap became mainstream, beginning in about 1992, with the release of Dr. Dre's The Chronic. This album established a style called G Funk, which soon came to dominate West Coast hip hop. Though G Funk was the most popular variety of hip hop in the early 1990s, New York's hip hop scene did not disappear, and remained an integral part of the industry, producing such well-regarded acts as The Wu-Tang Clan, Nas, AZ, Mobb Deep, and Busta Rhymes. The reemergence of New York as a growing entity in mainstream hip hop soon spawned an inevitable confrontation between the East Coast and West Coast and their respective major labels. This sales rivalry eventually turned into a personal rivalry, provoked in part by famous West Coast rapper Tupac Shakur's 1995 shooting, which he blamed on The Notorious . and his Bad Boy label. Artists from both labels traded disses (most notably Tupac's "Hit 'Em Up,") and the feud's escalation resulted in the still unsolved deaths of both mainstream and crossover acceptance has been generally limitted to gangsta rap and pop rap, isolated artists with a socially aware and positive or optimistic tone or a more avantgarde approach have achieved some success. They are usually referred to in mainstream musical circles as "conscious hip hop" due to their focus on political issues surrounding the black community, which differentiates them from gangsta rappers. Fans of such rappers tend to view this subgenre as more authentic hip hop, claiming that they harken back to hip hop's early days where several artists rapped about "socially conscious" issues and gangsta rap had not yet gained mainstream acceptance. In 1988 and 1989, albums from the Native Tongues collective like De La Soul's Three Feet High and Rising, A Tribe Called Quest's People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm and the Jungle Brothers' Straight Out the Jungle are usually considered the first conscious rap albums, with jazz-based samples and quirky, insightful lyrics covering a diverse range of topics (see jazz rap) and strongly influenced by the Afrocentric messages of Bambaataa's Zulu Nation. This period, between 1988 and 1992, when the Native Tongues (together with other crews such as Pete Rock and CL Smooth) were at their creative peak, is considered the golden age of hip in the 1990s, record labels based out of Atlanta, St. Louis and New Orleans gained fame for their local scenes. By the end of the decade, especially with the success of Eminem, hip hop was an integral part of popular music. In the 1990s and into the following decade, elements of hip hop continued to be assimilated into other genres of popular music; neo soul, for example, combined hip hop and soul music and produced some major stars in the middle of the decade, while in the Dominican Republic, a recording by Santi Y Sus Duendes and Lisa M became the first single of merenrap, a fusion of hip hop and merengue. In South Africa, pioneering crew Black Noise began rapping in 1989, provoking a ban by the apartheid-era government, which lasted until 1993. Later, the country produced its own distinctive style in the house fusion kwela. Elsewhere in Africa, Senegalese mbalax fusions continued to grow in popularity, while Tanzanian Bongo Flava crews like X-Plastaz combined hip hop with taarab, filmi and other Europe, hip hop was the domain of both ethnic nationals and immigrants. Germany, for example, produced the well-known Die Fantastischen Vier as well as several Turkish performers like the controversial Cartel. Similarly, France has produced a number of native-born stars, such as IAM and the Breton crew Manau, though the most famous French rapper is probably the Senegalese-born MC Solaar. Swedish hip hop emerged in the mid 1980s and by the early 1990s a lot of 'ethnic Swedish acts' like Looptroop, 'immigrant acts' like The Latin Kings and mixed acts like Infinite Mass switched from English to rapping in "Rinkeby Swedish", a pidgin language of sorts, when they were making records for the domestic market. The Netherlands' most famous rappers are The Osdorp Posse, an all-white crew from Amsterdam, and The Postmen, from Cape Verde and Suriname. Italy found its own rappers, including Jovanotti and Articolo 31, grow nationally renowned, while the Polish scene began in earnest early in the decade with the rise of PM Cool Lee. In Romania, . Mafia came out of Bucharest's Pantelimon neighborhood, and th
我来回答，关于Hit FM Hit FM是中国国际广播电台旗下的国际流行音乐频率，在北京地区播出频率为兆赫，在广州地区播出频率为兆赫。2003年4月16日，Hit FM开始在北京试播。与中国传统的综合性电台不同，它采用国际上最成熟、最专业的类型化音乐电台（Pure Format Radio）操作模式，全天24小时滚动播出当今国际流行乐坛最动感、时尚的热门金曲，让音乐成为高品质追求者随身享用的生活必需品。 Hit FM的品牌形象和定位 作为国内独一无二全天候播出的国际流行音乐频率，自2003年开播至今，已然成为都市时尚人群生活中不可或缺的音乐伴侣。 Hit FM始终坚持推广高品质、国际化的流行音乐文化。通过选拔听众赴海外参加Linkin Park演唱会，举办Radio Aid印度洋海啸赈灾广播义演，转播Live 8世界八城市援非演唱会，全力报道转播北京各大流行、摇滚音乐节，组织“Hit Bar”北京俱乐部夜店联盟等一系列活动，Hit FM动感、时尚、与国际接轨的品牌形象已经在广大都市年轻人中深入人心。 Hit FM的精品节目 Hit FM将每天24小时的音乐节目统一策划、统一编排，除了向潮流追随者全面提供世界各大排行榜上名列前茅的最新动感歌曲，也为执著于经典的爱乐者准备了大量耳熟能详的名歌金曲。迄今为止，Hit FM已经拥有了一系列备受听众青睐的精品音乐节目，周一至周五，开车现场秀（Big Drive Home）、工作随身听（@ Work Network）、慵懒下午茶(Lazy Afternoon)和精彩夜生活（The Late Show）等等都已经成为Hit FM的特色和代言。而周末的American Top 40, Hit FM Top 20,嘻哈公园以及The Rock Show,汇集了全球乐坛最炙手可热的嘻哈、摇滚、流行音乐节目，为国内的欧美乐迷创造最与国际潮流接轨的听觉空间。 音乐，娱乐，生活！Hit FM不仅意味着音乐，更代表着新的文化理念，新的生活方式。在每天24小时不间断的音乐节目当中，Hit FM针对时下流行的各种资讯元素，在白天的几个整点时段贯穿娱乐、时尚、旅游、消费等贴近生活，服务大众的全方位资讯信息。Hit FM已经成为天天陪伴白领族、学生族和外籍人士的娱乐指南和生活向导。 Hit FM大事记 在各种各样的宣传活动中，Hit FM动感、时尚、与国际接轨的品牌形象都在不断提升。除了音乐、娱乐、时尚外，Hit FM也一直不遗余力地为公益事业做贡献。 Hit FM与中华慈善总会联手隆重推出“RADIO AID”赈灾广播义演，中国摇滚乐大师崔健(崔健新闻,崔健音乐,崔健说吧)领衔叶蓓、花儿乐队(花儿乐队新闻,花儿乐队音乐,花儿乐队说吧)、龙宽九段、木马乐队、功夫乐队、VERSE乐队等众多中国原创音乐精英真唱赈灾。所筹捐款十二万余元人民币全部捐赠给印度洋海啸受灾国。 Hit FM成功获得“LIVE 8” 世界巨星扶贫义演音乐会的电台转播权，参与转播了这一慈善界和音乐界的盛事。Live 8在英国、法国、俄罗斯、意大利等8个国家的标志性地点同时举行，包括U2、MADONNA、PINKCLOYD 、PAUL McCARTNEY 、REM 、ELTON JOHN 、COLDPLAY、ANDREA BOCELLI、GREENDAY、LINKIN PARK、BON JOVI、MAROON 5、LAURA PAUSINI、NEK等欧、美、亚、非、拉近百名国际巨星为呼吁全世界关心地球上的贫困儿童振臂高歌。 Hit FM携手中国红十字基金会成立“七音爱心基金”向全社会呼吁对白血病儿童的关心和救助，为中国的白血病儿童捐款。 Hit FM极力为中国乐迷打造与国际流行音乐接轨的机会和空间。其中包括选送歌迷到汉城和香港观看Linkin Park演唱会，参与Simple Plan乐队北京专场演唱会，并且独家专访Gorillaz等国际当红乐队和艺人。 Hit FM独家转播或特别报道各大国际性的流行音乐节，包括北京国际流行音乐节、“跨越音乐”——2005法国现代音乐节和曼谷100 ROCK音乐节。 同步世界流行，网罗全球金曲，Hit FM营造出一个全天候、国际、动感时尚的音乐空间，让北京、广州成为名副其实的国际化大都市。 节目表 Morning Call 作为一个Hit fan，你的标准起床方式当然是——打开收音机，调到，让Hit music作你的闹钟。不再有清醒和迷离之间的挣扎，只有最酷的音乐和阳光的Grace，为睁开双眼的你上足一天的发条。 周一至周五：06:00-07:00 DJ：Grace 海洋的博大是胸怀，泉水的清冽是本性，而Grace的简单是追求。 天秤座的Grace眼中的世界很简单，随遇而安，有感而动。用舌头舔舔眼泪，笑了。快乐与忧郁都无需任何理由。有人说是喜怒无常，她说她很随性。 如风一般的性格，行之所至，想之即始。最大的愿望：只要还不老到寸步难行，在环游世界之后，一定要登上火星，然后告诉你她眼中的宇宙。 在音乐中找到了快乐，体会到了震撼，经历了神奇，品味了感动，于是就把心交给了音乐。直到这么一天，可以通过电波与你分享自己的音乐思绪——来吧，请坐，一杯音乐，任何时刻都是开始。 Music Breakfast 作为一天中最重要的一餐，早餐怎么可以不吃？除了牛奶加鸡蛋，早餐又怎么可以没有Hit FM的陪伴？酷酷的Mike D和可爱的Valen一起为你掌勺，精心炮制最有营养的音乐早餐。让吃得饱饱的你怀着最惬意的笑容，踏入车水马龙的早晨。 周一至周五：07:00-10:00 DJ：Mike D，Valen Mike D，北京孩子，八九岁时买了平生第一张唱片—— 《Thriller》 ，喜欢 Michael Jackson ，所以给自己取名 Mike 。到了毕业找工作的年纪，Mike D一脸懵懂的他来到 CRI 实习，机缘巧合，拥有了一份难以想象却非常适合的工作—— Radio DJ 。青涩的“Hit FM”，难忘的“X FM”，插曲的“MTV学英语”，然后是今天壮实的Hit FM “Big Drive Home”，让所有女孩子疯狂的Mike D 。 自言是外弱内壮型，那点壮实劲儿在音乐间一盏孤灯的陪伴下发挥到淋漓尽致，衬着自己天生的好嗓子，和与众不同的节奏感。自认也是个劳动人民 --- 播音的，和播种的农民区别不大，这种实在风格，点评歌手的时候也能听出来，很实在，像农民对着地里的庄稼。 这就是真实的Mike D，与你在电波中感受到的基本无二致。 Valen生长在一个多雨潮湿的南方城市，在江南秀丽的环境中，发芽于父母的树荫下，从来都是顺着大树的影子方向生长，是个骨子里有点倔强、不安于现状却又传统听话的矛盾结合体。 终于有一天小树的枝干渐渐长大，另辟蹊径。开始了“在路上”的日子。小时候梦想自己有天能成为充满使命感的前沿战地记者，过着刺激冒险的生活。长大后战地记者是没做成，却走上了同样需要东奔西走的交通记者之路，新的精彩旅程就这样在大城小市的采访，大街小巷的报道中走过。 因为陌生而好奇，带着对于欧洲古老文化的向往，踏上了去留学的航班，这段路走得有些辛苦却很享受。淡淡走完后让我对外面的精彩世界有了自己的新定义：在学习和了解不同文化的同时也骄傲于自己的东方色彩。 今天的Valen走进了Hit FM。希望能把最in、最hot的世界show带给你。 @Work Network Hit FM让音乐的律动陪伴你忙碌的工作时光。仔细聆听，你会发现其实敲打键盘的声音也可以充满节奏感。插上耳机，打开网页，温柔的晓东就在你的耳边告诉你哪些歌曲最动听。工作的时候在线收听Hit FM——这是我们共同的秘密。 周一至周五：10:00-12:00 DJ：晓东 晓东，还有一个亲切的昵称是东东，是一棵在北京生长的广东植物。晓东最早触“电”是初中二年级，在家乡广东的一家电台做少儿节目《阳光新少年》，“少年所学有如石刻”，他今天的样子再次验证了这一老话的正确性。该念的书都念完以后，做了一个人生道路上和地理概念上都非常重大的决定：从广东来到了北京，北京风沙真的很大！ 最初是在CRI华语中心广东部做新闻，继而做华语音乐排行榜，再而做起了Hit FM的周末DJ ，为周末早晨睁眼赖床的人又多了一份睁眼赖床的理由。 节目外的晓东厨艺非常之不错，尤其擅长煲汤，用料从来稀疏寻常，但调出的味道是一流的；嘴馋，嘴巴也刁，一大喜好是发掘北京的特色餐厅；另一大喜好是逛街购物。和他聊时尚品牌和商场打折讯息的女孩子们心情难免复杂，自愧不如混杂着惊喜。 Lazy Afternoon 午后的时光属于阳光、咖啡、音乐，还有李茜那慵懒性感的嗓音。在闲适的音乐中，自在地调侃，轻松地抒怀。就让我们一起忙里偷闲，谈谈情，跳跳舞，然后打个呵欠，一起做做白日梦。 周一至周五：13:00-16:00 DJ：李茜 李茜的个人经历非常之简单，二十几岁前的人生两个字就可以概括：念书。唯一一段小插曲是小学二年级暑假，因为看过太多武侠片，跑去公园拜了一位老师傅练起了Kongfu ，花拳绣腿打得煞是好看。当然，那以后又开始继续念书，念了多少年书啊，就连民族舞这一点小天分小爱好，亦是大学闲暇开发出来的。毕业后进入CRI ，有DJ休假，被拉壮丁拉到了音乐间代班，一脸茫然外加好奇，坐在了麦克风前。 李茜做节目非常随性，碰到有意思的歌，有味道的歌手，喜欢分析点评，临了加一句“你觉得呢？”招来附和的短信让自己兴奋不已。 喜欢淀粉类食物，很不幸的食欲与气温成反比，命中注定每到春暖花开就会对着镜子发愁不已。喜欢KTV，私下特精致的学几首歌，跑到朋友面前臭美。喜欢《Friends》，最近又看上了《Everybody loves Raymond》。 音乐间里小有特色，音乐间外稀疏平常，李茜就是这个样子。 Big Drive Home 结束一天的忙碌，投入夜晚的旖旎。不管是回家陪父母共进晚餐，去新开的西餐馆约会上周留下电话号码的她，还是与分隔城市两端的老友同去老地方饕餮，Andy将陪伴着行驶在路上的你，用Hit FM的动感音乐护送你心情愉悦地到达，让每一个目的地都像是家。 周一至周五：16:00-19:00 DJ：Andy Andy，南方长大的北京小伙儿。既有北方人的豪迈直爽，又有南方男人特有的细心体贴，实为难得的新好男人。 曾经年少轻狂时，常常骑着当时最流行的山地车穿梭在大街小巷，吸引路人眼球，心中甚是得意。偶然一日，在电视上看到 Boy，立刻为之倾倒，心中感叹：这才是音乐。后来慢慢发觉原来世界如此之大，自己见过的却太少。于是脑子一热漂到了大洋彼岸，经过几年的摸爬滚打，怀着满腔热血回到祖国，来到了HIT FM，坐上了DJ台，找到了自己的人生目标。 听Andy主持的节目，会感觉他的声音很有磁性，风格中不失激情。其实闲暇时的Andy也有他调皮的一面，趁你不注意时，会跟你开些无伤大雅的小玩笑，让你哭笑不得。用他自己的话说就是：长得有创意，活得有勇气。 Battle of Hits 喜欢看PK但是看腻了尖酸刻薄的评委在台下叽叽歪歪？喜欢听歌但是害怕选手在台上一把鼻涕一把泪？想不想让Beyonce和Justin Timberlake同时为你站上PK台？ 全新的“单曲大战”，每天两首歌曲，两个大牌歌手，孰去孰留？国鹏是主持，而你是评委。 周一至周五：19:00-20:00 DJ：国鹏 New Music Express Hit FM为你精选世界各地新鲜出炉的热门单曲，浓缩成一个小时的“新歌串串烧”。在你品尝的同时，国鹏还会守在一旁为你送上环球流行乐坛的最新资讯。面对这样份量十足的晚间餐点，就算你晚餐吃得再撑，也一定抵御不了它的诱惑。 周一至周五：20:00-21:00 DJ：国鹏 土生土长的北京人，大学念了四年热情洋溢，温柔浪漫的西班牙语，毕业后在未改版的做“拉丁风情”，频道正式更名为HIT 后，晋身为最早的三个DJ之一。 阳光能被解构成七色，或者说，七种颜色组成了阳光。听国鹏听得久了，你会困惑，会纳闷不解：这些纷乱矛盾的侧面是怎么被他统一到一个身体里面的？他喜欢吟诗作对，舞文弄墨，他熟知世界各地民间民族音乐，他沉迷历史博物馆，他知道时下最in的香水品牌，他总会把自己打扮得个性时髦。他是音乐间办公室以及任何地方嗓门最大的一个，他是月光下远离人群最安静的一个…… ★国鹏四大爱好范围 1、文化类： 与古典或世界各地有关的历史文化和文化艺术相关的各种门类：美术与建筑、世界历史与地理、文物与考古、哲学人生随笔 2、中国类：石窟艺术与飞天，寺观壁画，文人山水画，书法，汉画像石与画像砖，战国秦汉漆器，先秦青铜器，古建雕刻，古陶器，瓦当，古建雕刻，中国古典诗词，中国四类传统音乐 3、音乐类：疯狂搜集世界各地纯粹原生态民族音乐唱片。（印度、中东、游牧、拉丁和凯尔特，欧洲古代民族，中国古琴）。 4、时尚类：喜欢逛特色小店，进行文化深度旅游，香水，服装饰品，美食，家居，一个都不能少。 887 Party Animal 如果你的双眼一到夜晚就变得炯炯有神，如果你的神经一到晚上就兴奋起来。那么你一定是一头不折不扣的夜行动物。嘿，欢迎来我们的王国。这里No Cage，No Gun，No Hunt！加菲众和虽然不是什么白马王子，但是一样拥有倾倒众人的魅力。赶快踢开你所有的顾忌和伪装，加入我们的party！ 周一至周五：21:00-24:00 DJ：加菲众， The Night Mix Hit FM用纯粹的音乐空间为你连接起子夜与黎明——6小时无人驾驶non-stop。熬夜加班、派对动物、飙车一族、夜不能眠……不睡觉的理由有成千上万种，但是在所有情况下，你的选择只有一种：Hit FM The Night Mix。 周一至周五：00:00-06:00 Hit FM Top 20 流行榜风云榜港台榜内地榜金榜银榜这榜那榜……为什么没有我们自己的排行榜？ 作为国际流行音乐指标性的电台，Hit FM终于强档推出属于自己的国际音乐排行榜——“Hit FM Top 20”。结合电台推荐和听众投票，Mike D将为你细数每周20首最热单曲。PK、淘汰、下滑、上位……“Hit FM Top 20”点燃2007国际流行音乐战火！ 周六：13:00-15:00 周日：16:00-18:00 Weekend 3-6 Hit FM全新强档互动直播周末节目“Weekend 3-6”重磅出炉！不仅会有全新的Hit FM车队巡游在北京的大街小巷，为收音机前的你发回最热辣的第一手新闻，更会有好玩好听的系列活动等你参加：与Hit DJ热情互动，赢取丰厚礼物，作为一个Hit fan，怎么能少得了你！ 周六：15:00-18:00 Hit FM Live Concert Hit FM为你精选国内外重量级演出最强音，让你在家、在单位、在车里一样能体验火热的演唱会现场实况。让千里之外的你通过电波，和国际大牌一样热情四射，和世界粉丝军团一起振臂呐喊挥汗如雨。 周日：15:00-16:00 American Top 40 Hit FM隆重为国内乐迷推出美国广播节目“Ameican Top 40（AT40）”。 AT40由Ryan Seacrest担纲主持。这位美国当红小生把自己的手印留在了好莱坞星光大道上，被《人物》杂志评为“最美丽的50人”之一，主持多个电视和广播栏目，创办制作公司，更主持了美国著名歌手选秀节目“American Idol（美国偶像）”。 Casey Kasem在1970年创立了AT40节目，Seacrest从Kasem手中接过接力棒后，凭借其个人魅力和对音乐独到的鉴赏力，将AT40变成了最受欢迎的广播节目，由AT40发布的排行榜也成为美国流行音乐最权威的榜单之一。 Hit FM2007年特别引进AT40节目，让国内乐迷真正做到“同步世界流行”。 周六：08:00-12:00 周日：20:00-24:00 Hit FM Dance Floor 周末的晚上，正是热舞的时候。来Hit FM Dance Floor吧，享受每一根神经都随舞曲跳跃的快感。还不过瘾吗？好吧，化个酷妆，约上舞伴，亲临Banana Club热力舞池。欢快的舞曲中，你的心情在燃烧；璀璨的舞池中央，你是万人瞩目的焦点！ 周六 20:00-22:00 Saturday Night Fever 2小时不间断最新最酷的跳舞音乐集锦，DISCO, HOUSE, TECHNO, LATIN, HIP HOP……我们的目的只有一个，就是把你电到飞起，热舞周末。 周六 22:00-24:00 Weekend Morning Show 缤纷周末，音乐嘉年华。汇聚全球流行上榜金曲，网络世界最新娱乐资讯，Hit FM令每一位听者享受轻松遐意的周末生活。 周日：08：00-12：00 嘻哈公园 成长于美国洛杉矶，有“中国嘻哈王子”之称的知名艺人孔令奇亲自打理的《孔令奇的嘻哈公园》，将以他独特的主持风格向听众介绍当今世界各地包括华人乐坛最酷、最火爆的Hip Hop音乐。《嘻哈公园》里不光有好听的Hip-Pop音乐，为了介绍纯正的Hip-Pop文化，为喜爱嘻哈音乐的朋友们建立一个交流的平台，孔令奇还特地邀请了2位好友作为《嘻哈公园》的嘉宾。一位是来自美国洛杉矶的Dr. J；一位是中国土生土长Easy E。孔令奇说：“我的梦想就是做一档电台节目，将所有的好听的音乐与朋友们一同分享！”《嘻哈公园》将给所有喜爱Hip-Pop文化的朋友带来一段奇幻之旅！ 周六－周日 18:00-20:00 DJ：孔令奇 The Rock Show Helen，是《特洛伊木马》中那位倾国倾城并由此引发战争的美人。我们的Helen是地下摇滚乐队ZIYO（自游）的女主唱，是多年旅居海外的独立美女，是《The Rock Show》的新主播。轻声细语的Helen对摇滚乐有着最犀利的触觉和完美的表述能力，对她来说，每首歌都是一个故事。在《The Rock Show》中，你听着Helen以她独特的视角和精辟的言辞为你介绍着五彩斑斓的世界摇滚，有一种错觉仿佛时空扭转，硝烟再起。 周日 13:00-15:00 DJ：Helen（冯海宁） 27977希望对你有帮助！
【简介】街舞（英文名字Hip Hop）最早起源于美国纽约，是爵士舞发展到90年代的产物，它的动作是由各种走、跑、跳组合而成，极富变化。并通过头、颈、肩、上肢、躯干等关节的屈伸、转动、绕环、摆振、波浪形扭动等连贯组合而成的，各个动作都有其特定的健身效果，既注意了上肢与下肢、腹部与背部、头部与躯干动作的协调，又注意了组成各环节各部分独立运动。因此街舞不仅具有一般有氧运动改善心肺功能、减少脂肪、增强肌肉弹性、增强韧带柔韧性的功效，还具有协调人体各部位肌肉群，塑造优美体态，提高人体协调能力，陶冶美感的功能。街舞是美国黑人由一种发泄情绪的运动演绎成的街边文化，特色是爆发力强，在舞动时，肢体所做的动作亦较其他舞蹈夸张。最吸引人之处，是以全身的活力带来热情澎湃的感觉。跳街舞使人注意力集中，兴趣浓厚，动作优美、随意。同时，跳街舞还有瘦身功效，因为街舞是一种中低强度的有氧运动，在一个小时的运动中，消耗全身脂肪的作用是相当强的。此外，街舞是一种小肌肉运动，经常练习能增加你全身的协调性，让你的身材比例更趋标准。【分类】以动作为标准，街舞分两大类：Hip-Hop和Breaking。街舞一般可以分为两种，一种是个人的技巧街舞。个人技巧街舞是最早流行的一种街舞，因为它能体现年轻人精力旺盛的一面，他们的很多地面动作，譬如说翻滚、倒立、弹跳都是比较高技巧的个人街舞表演。另外一种就是集体街舞，是目前比较流行的街舞形式。它反映了大众的需要，跳起来比较简单，节奏感比较强，它既有舞蹈的感觉又有健身的作用。所以目前比较普遍的就是集体街舞。Breaking：技巧型街舞，要求舞者具有较高的力量、柔韧性和协调性，属于技巧性较高的体育舞蹈，所以最先为国内青少年所喜爱。跳这种类型舞蹈的青少年叫做B-Boy/B-Girl。20世纪80年代，被称为“Hip-Hop之父”的DJ Kool Herc创造了B-Boy的概念，也就是Breaking Boy。每年，全世界的许多国家都有一些为B-Boy们举办的比赛，较有名的是每年一度的BOTY（Battle of The Year）和在英国举办的B-BoyChampion，超过10个国家的百名参赛选手会参加这样的盛事。比赛的优胜者很快就会声名远播，成为青少年的明星。Hip-Hop：Hip-Hop这个词中文译作嘻哈，诞生于1974年美国纽约，发明者是著名的DJ和MC爱虫斯塔尔斯基（Love Bug Starski）。在20世纪60年代末70年代初，以纽约为首的美国东海岸城市，兴起了一系列黑人文化艺术形式，它们包括：涂鸦（Graffiti或Writing）、比波舞或霹雳舞（B-Boying）、打碟（DJing或Deejay，DJ是指Disk Jockey，意为唱片骑师，即驾驭唱片的人）、说唱（MCing或Emcee，MC是指Master of Ceremony，意为司仪）。Hip-Hop这个词最初是爱虫斯塔尔斯基在说唱中用来押韵的， Hip的意思是屁股，Hop的意思是跳动，连起来可以解释为跳动的屁股。20世纪80年代初，“嘻哈教父”阿弗里卡·班巴塔（Afrika Bambaataa）借用嘻哈这个词来统称以上述四种文化形式为代表的黑人城市文化运动，很快被广泛接纳，而上面四种文化就成为我们通常所说的嘻哈四大元素了。Hip－Hop翻译过来是嘻哈，RAP翻译过来是饶舌，这两个概念不同。Hip－Hop实际上不是音乐名词而是文化名词，包括说唱、涂鸦、街舞和DJ打碟四部分；RAP起源于60年代，而作为音乐理解的Hip－Hop则起源于70年代初，它的前身是RAP(有时候会加一点R(B)。Hip－Hop从字面上来看，Hip是臀部，Hop是单脚跳，加在一起就是轻扭摆臀，原先指的是雏形阶段的街舞(也就是我们以前说的霹雳舞)，后来才逐渐发展成一种巨大的概念——我们现在说的Hip－Hop文化还包括了那些宽大的衣服、沉甸甸的纯金饰品、平时说起话来就“YoYo�what’s up？”的口语习惯——总之就是那种美国贫民街区里黑人的生活方式以及他们的“范儿”。舞蹈型街舞，有Poping、Locking、Electric、Turbo、House等多种风格。它们都不如Breaking那样需要较高的技巧，但更要求舞者的动作协调性和舞感，以及肢体灵活性和控制力。好的Hip-Hop舞者同样需要艰苦的练习。由于Hip-Hop Dance不如Breaking那样技巧性强，也缺乏竞赛性，以前没有受到街舞爱好者足够的重视，现在随着舞蹈观念的增强，这种情况得到了改变，甚至B-Boy也开始练习并出现了许多全能型的街舞好手。Hip-Hop是人们最常接触的一种舞蹈，它有着幅度大而简单的舞步，能够表现出复杂的舞感。因为容易学习，跳起来也相当好看，所以很受大众喜爱POPING：机械舞，运用身体各部位的肌肉和关节，随着音乐的节拍，加上自己丰富的想像力，创造出令人惊讶的舞步。属于难度较高的街舞类型FREESTYLE：这是一种出神入化的舞步，它将各种类型的舞蹈混合在一起，随心所欲地表现，没有舞蹈风格的限定，脱离一般舞蹈的规范，可以说是一种个性化的街舞HOUSE：随着house音乐，运用复杂而神奇的步伐表现的一种舞步，它可以加上拉丁舞的扭腰、武术的空翻、踢踏舞的基本步以及芭蕾的转圈，跳起来既可以十分优雅，也可以相当狂野。NEW JAZZ(女生专属):这是一种由JAZZ爵士发展而来的舞,专由女生跳的,很讲究柔美和瞬间爆发.以手臂的动作为主,腰的扭动和臀部的动作为辅.对身材要求很高,在欧美和韩国非常流行。配乐是节奏化过后的爵士乐。RAGREA（雷鬼，女生专属):这个舞据说起源于法国,也有人说起源于美国。是非常性感的一种舞蹈，演绎的舞者穿着也很暴露，以下半身的动作为主，主要用到臀部，腰部，腿部，还会有一些简单的倒立，同时在空中摇晃大腿的诱惑动作。在色情业发达的日本发展非常好。而正常的演绎亦非常性感。
朋克是一种音乐形式，一种文化，不如就把它看成一场对目前生存状态的革命。摇滚乐经历了存在与虚无的盛世，依靠柏拉图式的理想和药物生存的年代，人们生活得太压抑，太木纳。同时愤怒，空虚又在一天天的增长。充满了激进,充满了愤怒.音乐构成主要由吉他,贝司,和鼓!算是标准配置!也可灵活发展.可分的种类有很多:主要包括流行朋克,英伦朋克,速度朋克等.
他们的每一个人身上都带有一种强烈的革命意识，事实上，他们的目的就是要在七、八十年代平庸的欧洲大陆掀起一场深入生活的各个角落的大革命，以便在人类通向未来的旅途上添上些色彩。 朋克音乐家们的创作往往直指人类的苟且，以挑战一切既成的规则。他们用简单的和弦，表达简单的情感，用粗俗明了的语言，诉说人性的美丑。他们歌颂大麻，也歌颂上帝；他们崇尚乱交，也呼喊着要社会关注那些单亲的孩子；他们诅咒战争，却在生活中滥用暴力；他们生活靡乱，但对未来充满向往，他们在颠覆旧有的糜费文化同时也创造新的糜费。总之，同文学上的“垮掉的一代”、美术上的“ 达达主义”一样，他们代表着人类发展方向的一种可能性和多种可选择性，是人类多重矛盾集于一身的直接反映。继而，朋克文化从舞台走向生活，他们开始在表演以外的各个层面表现他们彻底革命的决心：穿上磨出窟窿、画满骷髅和美女的牛仔装；男人们梳起酷毙了的鸡冠头，女人则把头发统统剃光，露出青色的头皮；鼻子上穿洞挂环；身上涂满靛蓝的荧光粉，似乎非得让你对他们侧目而视才满意，其实他们什么也不为，只是要以此表现他们的与众不同，表现他们的叛逆，表现他们对这个现实社会的不满罢了。如果你以为他们是为了表现自己是朋克而如此装扮，那就错了，用朋克的话来说：“我朋克所以我朋克，如果是为了让人认识到我是朋克，而把自己装扮得像朋克的话，那就一定不是真的朋克。”如今这个社会似乎什么都有假的，假冒名牌商品的；假冒警察罚款的；假冒瞎子要饭的，当然也有假冒朋克的。这些假的朋克们不断的自我标榜为朋克、自诩为斗士，“我只会三个和弦！”天知道是不是第四个和弦苦练未遂才这么说的，其实，他们骨子里不过是比俗人更加虚伪的俗人。 有假装朋克的俗人就有假装俗人的朋克，前者为满足欲望和虚荣而后者却为了满足内心和精神需要。 朋克的革命性在于其绝对不会向周围的任何事物妥协，尽管在大多数时候，对立面总是显得那么强大。朋克在音乐上的不妥协性表现为与商业的势不两立。自从商业界入艺以后，庸俗、流行毒瘤，充斥了艺术界。力图用艺术为自己贴金，将艺术贴上标签放在货柜。商业的界入从来没有为朋克的发展提供一丝一毫的帮助，反而扼杀了众多才华横溢的乐人。美国Grunge火山喷发之时，Kurt Cobain依靠一张《Never MIND》登上巅峰。其实那张销量最大的专辑并非十分出色，面对歌迷对人不对音乐的疯狂，他也曾失去方向。经过一段时间的思考，终于推出了名垂朋克的《In Utero》，而这张专辑的命运是叫好不叫座。面对热爱的音乐，被糟蹋的现也不会像朋克一样拥有如此众多的地下乐队。被市场抛弃了朋克依旧在愤怒的燃烧。这时候商业与朋克实，Cobain选择离开这个咒骂了多次的世界。一个朋克天才在商业的逼迫下夭折了。商业对朋克这朵带刺的玫瑰已无所适从，另外朋克在市场中渐渐已沦为“食之无味，弃之可惜”的鸡肋，最终的结果是商业悄悄远离了朋克。任何音乐之间几乎断绝了任何的来往。独立音乐的出现预视着一条崭新的朋克道路的出现。Do it yourself，成为许多朋克乐队的出专辑模式。在地下有我们的希望，在地下有一个真实的世界，朋克在地下跨入新一个千年。 朋克从产生的那天就没有向现实妥协过，正是由于社会的压迫才使得克乐人大多出身在社会的底层，自幼对底层的黑暗、贫穷、暴力有很深的感受，并在他们的心灵留下了不可抚平的创伤。他们企图用音乐摧毁整个让其失望的现实，颠覆许多业已存在的习惯、纪律、规则，打破旧传统的禁锢，去寻找真正属于自由的天性，去寻一批人成了朋克的创造者。这个世界有太多的不公正，丑恶已经生了锈，发了霉的条条框框，常常使得我们不得不心甘情愿接受，在一次次的接受过程中，生命的光芒被世俗的阴云掩盖，良知的铠甲被伪善的污秽所锈蚀，仅存的希望被无情的现实所压垮。日复一日，月复一月，年复一年，在不计其数的机械重复以后，我们被迫离开这个世界。可是朋克却让我们要敢于与人斗，与天斗，与颠覆束缚人性的一切，抛开世俗，获得人性的自由。“真正的勇士敢于面对惨淡的人生”，可能为此付出的代价不仅是名誉、时间、甚至是前途和生命，朋克对当代文明的嘲讽，对一切既定事物的否定和破坏，这不是朋克摧枯拉朽的惊人力量。权威对于朋克而言只是一个天大的笑话。朋克从来不需要权威，不需要主流文化的肯定，更不需要由几个知名人物的赞扬而一步登天。朋找一个明洁的空间，让其能够真实的生活，真实的死去。很高兴看到，有许多乐队正籍于此，而艰苦的奋斗着。一些乐队因为众所周知的原因，我们无法听到他们的作品，有朝一日他们的作品出现在我们面前的时候，可能就是我们朋克期待以久的声音。朋克的发展似乎走入了一条死胡同，许多乐队的音乐可以说是脏、乱、差，模糊的声音，不可分辨的器乐，就像一锅不可下咽的猪食。也有几个无所事事的小混混，从时装店购入几件另类的衣物，挂满乱七八糟的金属零件，满嘴吐着脏话，瞧谁谁不顺眼，忽然拿起了吉它，煞有介事的称“我们是朋克”。事实上，我们中的许多人亦苟同了这样的区分标准，这样的“朋克复兴”给朋克带来的只能是灭亡。朋克需要反叛，但不是轻浮。如果只是为了展示自己的前卫，标榜自己的另类，朋克请这些人滚开。深入的剖析朋克，看到的是朋克灵魂最深处的本质，那是一颗干干净净淌血的良心。让朋克回归久违的真诚，回归良知吧！ 原始朋克（Proto－Punk）又叫前朋克！前朋克发生在美国六十年代末七十年代初期，当时的一些乐队在简约主义的思绪下，开始尝试创作粗糙的摇滚乐。当时以the Velvet Underground为代表的这种乐队，并非有意识地扮演“重建摇滚乐，还摇滚乐质朴本质，推翻被美化的摇滚乐”这一好斗的角色，很显然，他们所做的一切只是出于一种下意识的反应。尽管他们的音乐并未全面带出日后朋克的影子，但至少他们已开始关注朋克文化的最深层精髓，只是不够反叛罢了，朋克最终发现并延伸了前朋克含糊的朴素精神，并把彻底的造反精神融入前朋克粗糙的音乐，创造出一种挑战社会、否定美化摇滚的时代强音，并被无数的青年接受，得以开创朋克王朝。原始朋克是一群同60年代晚期和70年代初期的主流摇滚圈子格格不入的艺术家们组成的松散联盟.从地下丝绒(The Vel-vet Underground），的声音实验和假装文雅的民谣摇滚，到狂野，热衷于性内容的纽约妞（The New York Dolls），以及音乐诗人Patti smith，原始朋克涵盖了一大批不同的声音和风格，但他们都被一条共同的纽带联系到一起，那就是一种躁动，附庸风雅的力图颠覆，无视甚至改写摇滚乐现有规范的尝试.在这一过程中，这些艺术家的精神－－有时候反倒不总是音乐－－为日后70年代晚期的朋克革命拨下了种子.现在有不少人总是将原始朋克和70年代中晚期出现的英美朋克混为一谈，认为他们是一种类型的音乐，都简单地一语蔽之曰朋克,这种观点是有些欠妥的.尽管从音乐的表面看他们之间的确有不少相似之处，而且的确彼此之间也存在深厚的联系，再说这种联系只能使他们可以归入同一系统，而并不意味着他们就成了一种风格.这两者之间联系是有的，可差别也不小.且如上文所言，原始朋克和朋克之间的这种联系首先是一种精神气质上的，其次才是音乐形式上的.从精神气质上讲，对比原始朋克和后来的朋克音乐作品我们会清楚地看到在前者的身上更多的倾向于一种带有玩世不恭色彩的技术家气质，甚至是诗人气质；而后者身上更多表现出的则是一种充满碰撞性，破坏性，毁灭性和造反意识的反问化精神，有时甚至表现为嚣张的流氓气焰(尤其是The Sex Pistols).音乐上，前者带有更多实验性，先锋色彩，即兴的成分非常多；而后者则是回归早期摇滚乐本源的同时又毁灭它，音乐结构上也显得简单和直接得多.当然，朋克的重要性也正在于音乐从来没有这么简单和直接过，这也是它对传统摇滚观念带来的巨大冲击与震撼.因此这两者之间的文化价值取向和音乐审美取向是存在不小差异的. 硬核朋克(HARDC0RE Punk，又译做核心朋克）硬核朋克是朋克摇滚中最强硬个极端的一个变种.属于极端摇滚。硬核朋克诞生于七十年代末至八十年代初，它把朋克摇滚进一步引向极端－－更快、更噪、更僵硬的演奏，喊叫式的演唱、邋遢肮脏的录音效果（有时也包括专辑封套）。这种音乐极其之快速，旋律简单，录制质量水平不高，歌手简直就是在叫喊，叠句很简单，作品看起来（或者听起来）就像是在在什么人家的地下室里录制的.大多数这类乐队相互之间听起来都相似得令人难以置信，但也多少有一些带有与众不同的声音抛在身后，而仅仅保留其观念.硬核朋克最初产生于美国，主要是一种美国的现象，并且主要集中在洛杉矶和纽约地区，但在美国的全境内还有一些小规模的零星分布，先后涌现了BlackFlag、HuskerDu、Descendents、MeatPuppets、DeadKennydys、BadBrains等著名的硬核乐队。而硬核在整个领域的影响面之广，是很少有风格可以望其项背的。硬核的发展甚至影响了整个八十年代的金属圈子，启发了整个黄金时代。当时几乎每种风格的发展都渗透着HardCore的影子，尽管有的很多喜欢技术派的人不愿意承认，可激流金属本身就是硬核与传统金属的结合产物。启发了激流金属的元老VENOM的，早期激流金属乐队EXODUS，甚至荷兰死亡金属元老THANATOS，美国老派死亡金属乐队Nunslaughter等一干早期乐队，都在接受采访时承认他们曾受到过硬核的影响。甚至一些激流金属乐队干脆加强了自己编曲中的硬核成分，造就了Crossover这一激流金属中非常重要的风格。代表乐队有.、ATTITUDE、ADJUSTMENT、EXCEL、SIEGE、早期 Hammer这样的加拿大地下硬核乐队也曾经坦言，80年代早期你能在加拿大罗斯湾看到身着Slayer服装的鸡冠头，激流金属演出现场也经常聚集一些喜欢硬核的人。因为有着同样疯狂的Riff。在现场音乐界限很模糊。而金属和硬核的分家直到1986年才开始。.核心朋克继续出现在90年代，而且继续没有汇入主流圈子，可是一些受到核心朋克美学影响的乐队包括Nirvana为代表的一批新人成为90年代主要的摇滚明星，而早期的那些核心朋克乐手如Bob Mould,Henry Rollins,Mike Watt,Ian McKaye和Dinosaur Jr.乐队的J Mascis却转变成了另类音乐的偶像，核心朋克的不少观念和特点也被其他不少同时代的风格吸收和转化（如重金属和电子乐领域）.另外，核心朋克还有一个更加快速，吵闹，非旋律性，有暴力倾向和白人至上主义倾向的分支－－Oi.硬核朋克虽然对以后众多的摇滚风格产生了深远的影响，但一直没有主流化，这种情况一直持续到了今天。代表乐队：Converge,Hatebreed,Sick of It All,Black Flag,Dead Kennedys... 1977年的朋克革命之后，有一大批的新乐队组建.他们都从朋克摇滚独立自主的精神和朴实的声音中得到了灵感.为了避免复制The Sex Pistols的声音，不少这样的乐队进入了更加实验化的音乐领域，将朋克摇滚以外如Roxy Music,David Bowie和的影响吸收了进来.结果导致了一由反主流文化精神和挑战公认摇滚传统的旗帜联系在一起的乐队群体的出现.很多像Joy Division 或The Cure这类乐队创造出了一种黑暗，阴冷的音乐氛围，他们同时使用了电子合成器和吉他两件主要乐器；另一些乐队则在音乐上选取了更加轻快一些的路线，尽管他们的歌词和声音之间显得有些脱节，但颠覆了传统流行摇滚的歌曲结构.后朋克最终发展成了80年代的非主流音乐.代表乐队：Gang of Four、Siouxsie & the Banshees、Joy Division、The Cure 朋克摇滚流行的时间虽然很短（约1977-1980），有人却把它与普莱斯利、披头士并列，认为是摇滚乐历史上强调反叛精神的第三次革命。不管怎么说，朋克摇滚的表现的确太极端了。可能为了逃避别人的指责，使自己不那么被人讨厌，紧接着朋克，出现了摇滚乐的一个新名?新浪潮。新浪潮的概念是模糊的。它可以看作是从朋克派生出来的一种摇滚乐，但其目的是为了区别于那些朋克乐队，而且力求在材料和演奏方面更具专业性。于是到了70年代末，英国很多朋克乐队，包括冲撞都变成了新浪潮乐队。英国的新浪潮代表人物是埃尔维斯·科斯特洛（Elvis Costello，生于1955年），他将多种风格与摇滚乐相结合，剔除了朋克中极端的成份，使音乐听起来不显得那么喧闹。同时他也为朋克时期英国的摇滚乐走向专业化道路（使其具有音乐性）作出了很大的贡献。新浪潮的概念在美国用得更为广泛，只要不是明显的朋克或带有先锋派特点的都称作新浪潮。其中，最重要的乐队是传声头像（Talking Heads），他们带领其他乐队从朋克走向新浪潮。传声头像由领队戴维·伯恩（David Byrne，生于1952年）建立于1975年。他们避免奇装异服和舞台上的古怪行为，从现代的严肃音乐中吸取材料，产生一种更加复杂的风格，歌词经常强调个人与社会的矛盾冲突。专辑《永不熄灭》（Remain in Light，1980）采用一种来自简约派创作原则的摇滚乐风格。在器乐伴奏中，使用了非洲的复合节奏，持续不断的音型贯穿始终，听起来就像是巨大的机器稳定而连续地生产出音乐来一样。在他们的作品中，有时还可感觉到雷盖音乐（Reggae，见下文）和其他黑人音乐的影子.代表乐队：Talking Heads、Elvis Costello、Blondie、Duran Duran、B-52's、The Cure、Eurythmics、The Cars、Bauhaus 这是同第三次斯卡复兴浪潮紧密相关的一个概念，因为大多数后一类型的乐队都是建立在斯卡朋克基础之上的.顾名思义，他是源自牙买加的斯卡音乐同朋克摇滚的一个混种.Ska-Punk最明显的表现特征是，不加失真（亦或失真很浅）的吉他音色，在弱拍上进行节奏铺底，而贝司进行和声旋律的走向。加之明快的节奏，音乐感觉很跳跃。在演出中，很多观众自发的跳起自编的无名舞蹈，随意、欢快！之后，出现了Ska舞。斯卡（Ska)牙买加的一种本土流行音乐形式（属于雷鬼乐族群），50年代产生，60年代早期非常流行，是后来风行一时的雷鬼乐（Reggae）的直接祖先.它受到新奥尔良节奏布鲁斯,爵士乐，非洲古巴黑人音乐，早期摇滚乐以及其他多种音乐形式的影响.这是一种轻快的音乐，蜻蜓点水般的吉他演奏和切分节奏是它的鲜明特色.从某种程度上讲，我们可以认为它是牙买加人用自己的方式演绎出的节奏布鲁斯.朋克复兴Punk Revival（朋克复兴）： 九十年代初期，美国朋克迎来了第二个春天。Green Day和the Offspring的Punk Pop（朋克流行乐）开始使朋克进入主流摇滚，或许受到八十年代末硬核转变为速度金属的启发，朋克复兴乐队的音乐不仅保持了简洁的音乐线条和飞快的速度，而且音乐愈发沉重起来。另一方面，强力流行乐讨好的形象和更加圆滑的音效、讲究的编排使听众在感受朋克力量的同时同样可以感受到优美的音乐，这也正是朋克得以复兴的法宝。Punk Pop被视为Post-Grunge（后垃圾乐，即温和商业化的Grunge）重要组成部分。 说到它的起源，不得不说一说1983年的那点儿破事。一个叫Lach的小青年带着自己的梦想来到了传说中的Folk City，渴望能够寻找到演出的机会。然而，老板在听了他的演出后，却说，你的音乐太朋克了。第二年，Lach自己在纽约东城区开了家名为the Fort的俱乐部。由于开业恰好撞上了纽约民谣艺术节，这个天生反骨的家伙就把the Fort的开业称为纽约反民谣艺术节。一年后，警方关闭了the Fort，于是the Fort就变成了一个流动性很强的反民谣演出场所。在1993年，反民谣已经得到了国际上的认可，并成为了多个艺人的垫脚石。Beck, Regina Spektor, 以及the Moldy Peaches，都是反民谣的代表人物。《纽约时报》曾在一篇报道中写道，他们（即以上提到的艺人）都有个共同的特征，那就是用颠覆传统且毫无惧怕的态度去创作。到了2000年左右，反民谣的概念传入英国，并迅速在伦敦，曼彻斯特以及布莱顿的地下音乐圈中传播开来。直到2006年八月，在当月的Timeout杂志中，反民谣已经被认为是伦敦最热门的亚文化之一了。从音乐来源看，反民谣主要来自于民谣与朋克。它继承了民谣的和缓和木吉他的伴奏，同时也吸收了朋克的激进，节奏以及大胆。它不再只拘泥于民谣对人生对世界亦或是对政治的忧郁和哀叹，它更多的是像朋克一般集中于自我以及自我与世界的关系。反之，它抛弃了朋克的简陋，无畏和大汗淋漓，而是采取了民谣的平静，冷眼旁观整个世界。而在歌词创作方面，反民谣大约可以分为两类。一类向流行靠近，另一类则向独立靠近。前者我们看到的是Regina Spektor，后者我们看到的是Kimya Dawson。歌词大多以简单的东西来表现歌曲的基调。在留给听者更多想象空间的同时，又不至于像听Bright Eyes似的消耗自己的脑细胞。而且，最要命的是，常常在这些简单哼唱的歌词中，我们听到的是更多更纯粹干净的温暖。Lach在接受《纽约时报》的采访时曾说，刚开始的时候，我们是用民谣化朋克的方式来摇滚（When we started, we were to folk what punk was to rock.）。而当读到这句话的时候，我想到去年听Sonic Youth的新砖The Eternal时，曾读到过这样几句话，“民谣和朋克都对现状极度不满，两者以不同的方式逃避：民谣怀旧，通过退行到童年稚嫩、无辜、干净的状态，来维持起码的生存愿望；朋克破坏，通过否认仇视并破坏一切，在毁灭之后涅磐。”可以说，民谣和朋克是音乐史上最激进的两种音乐。前者把一切都闷在心里，后者却毫无保留地表现出来。音乐史上从朋克转型到民谣，从民谣转型到朋克的音乐人都大有人在，诸如，Feist， Tony Dekker等。而反民谣，作为民谣与朋克的混合产物，让我们看到了其中和作用的奇妙反应物。或许少了民谣的内敛与深刻，少了朋克的张扬与无惧，但是反民谣的存在，却的确为这个世界上所不可缺少的。 FeistFeist本名Leslie Feist，她于1976年出生在加拿大的一个宁静小城卡尔加利，自幼喜欢音乐，后来她便用自己的姓氏Feist给自己取了这样一个艺名。起初先是在高中，她和几个同样喜欢摇滚乐的朋友组建了一支朋克乐队 － Placebo，有意思的是这和现在英国十分走红的那支朋克乐队有着相同的名字。后来Feist率领她的乐队在当地一系列的摇滚比赛中取得了优胜，小有名气的他们后来成为了The Ramones在加拿大演出的开场乐队。也就是在这个时候，Feist选择了音乐作为毕生的事业，她开始艰苦而毫无希望可言的生活，在之后的五年中，Feist开始在加拿大的各个地方演出，也正是这个时候，她结交了很多著名的音乐人士。可是正当Feist准备有更进一步的发展之时，她的嗓子却音乐莫名的疾病不能发声了，面对这个打击Feist几乎放弃了她的音乐人生涯。后来她四处寻医，终于在多伦多找到了一位医生并治好了她的病，于是她决定离开家乡卡尔加利并搬来多伦多开始全新的生活。在多伦多Feist租来的小小的寝室中，她开始利用一台破旧的四轨机为自己录音，而此时她所演绎的音乐已经有了很多的改变。一把吉他，还有简单的歌声，这就是来自Feist的新尝试，做一个民谣歌手。后来Feist加入了当地的By Divine Right乐队并且开始逐渐被更多的人知道，她和乐队为加拿大老牌摇滚乐队The Tragically Hip做北美巡演嘉宾。在1999年她录制了第一张属于自己的专辑——《Monarch (Lay Down Your Jeweled Head)》，清新的民谣歌曲，仿佛重获新生。2000年，她帮助Peaches制作了专辑《Teaches of Peaches》；两年之后她又加入了By Divine Right的后身乐团——后摇滚风格的Broken Social Scene，并且凭借专辑《You Forgot It in People》一鸣惊人。2004年的《Let It Die》是Feist精心打造的一张清新民谣风格的专辑，其中包括了她翻唱本国民谣歌手Sexsmith以及Bee Gees的歌曲。《Let It Die》专辑中的Mushaboom被Lacoste的香水广告选用。 Regina Spektor蕾吉娜·史派克特(Regina Spektor)，尽管曾与前段时间排行榜上火爆一时的“敲击”乐队(The Strokes)一起做过巡演，此外，在过去的几年中，于纽约的“反传统民谣”(anti-folk)圈子中也已小有名气，但是这个名字对于很多人来说显然还是颇为陌生。史派克特已经自发行了3张专辑作品，但却很少能够进入人们的视线，不过随着互联网络对于艺人自我宣传的愈发显着的支持，蕾吉娜·史派克特也逐渐开始为一些人所知。Rgina Sektor的音乐会让你不禁然地联想到一个很有古怪灵秀气质的女孩，事实上，在她所演绎的大部分音乐中，富于冷峻而诡异变化的钢琴是唯一的伴奏乐器，这让我们想起了另一位现在已身为人母、可当年却以怪异钢琴气质而独步乐坛的女唱作人Tori Amos。但是，如果仅仅给Regina Spektor冠以“怪异风格唱作人”的头衔则无形中大大削减了她音乐中具有的多元化音乐色彩。 Adam Green“他是从天而降的怪人”，说这句话人的是The Strokes的主唱Julian Casablancas，“他”指的是另一位纽约独立音乐人Adam Green，前Moldy Peaches的主唱之一兼吉他手，目前最主要的Anti-Folk 领军人——假如这种音乐确实有一定规模的话。 忍不住八卦一下这个人做过的怪事：巡演的时候穿成罗宾汉造型，唱描述网络色情业的歌，采访的时候谈论乐队成员的小便味道如何……呃，不想影响你的胃口；所以说，这个人的音乐是自私的，跟所有单飞音乐人一样，他的歌词更加着重抒发个人看法，针砭时事（似乎是美国音乐人的特色之一）更加肆无忌惮，最近的一次是在新专辑的歌里把Jessica Simpson涮了一道。
我爱摇滚~ 重复写800次左右就有3000字了
摘要]: 文化，是当前学术界和商界共同思考的热点之一，而且日益成为一种朝阳产业。本文重点讲述的人文摇滚也与其有着历史关联和意义。牵涉到历史与现实、中国与外国、古典与现代、全球与本土、“阳春白雪”与“下里巴人”等诸多层面，因而不无道理地一再引发种种讨论或探索。这些探讨对于我国音乐文化的发展是有益的，不过，其中留下了一个有待我们去填补的空白：当前中国各种文化、艺术的层面中。在一种特定的文化内部，总会存在着若干种不同的文化、艺术层面，它们之间组合成为一个相互对立而又相互共生的整体。而作为中国音乐重要组成部分--人文摇滚（摇滚）个体，在艺术与商业接轨的今天，如何独善其身并弘扬音乐的人文摇滚精神。就当前我国音乐文化的基本构成来看，我们的音乐文化中究竟有哪些因素呢？它们之间结成何种关系？谁又是这一主题的主导或领跑者?问题就提出来了。我在这里不打算普遍地纵论音乐文化发展的历史层面，而是着重从中国内地人文摇滚音乐的音乐文化层面角度来加以分析，即透过人文摇滚的音乐文化而为推动音乐及文化产业发展提供想象性框架和可推敲性理论。因为，人文摇滚是文化产业中最富于表现力的想象性、人文性的文化形态，完全可以当仁不让地承担透视文化产业的任务，并在未来时间内引领中国文化产业迈出不可估量地一步，翻开崭新的一页。[关键词] 人文 摇滚精神 独立摇滚 人生哲学 生命意义 释放 领跑[正文]中国民众主旋律热情开始淡化，功利和实用观念日渐成为民众主导意识。与此同时，本来就受到了另眼相看的音乐歌手和音乐人的本真理想基本失去了社会基础和文化效果，摇滚音乐人原来的社会角色和艺术立场出现了转换，一部分人自觉融入生活，另一部分人则进入市场运作，人文摇滚音乐作为一种“第三地下角色”，甚至被抑为无意识。这样一种状态，不仅作为一种背景，并似乎成为一种“力量”，直接控制、作用、影响着21世纪的中国音乐文化，为这一时期中国音乐文化留下了鲜明的"时间性"印迹。作为历史见证，文化产业的得天独厚都将在这些摇滚文本中得到一份"真实"的记录，并义不容辞的承担起领跑者的任务和名份。一、人文摇滚的层面与渊源1、音乐概述音乐(music)的定义、起源历来很多，关于人类社会音乐的起源可以追溯到非常古老的洪荒时代。在人类还没有产生语言时，就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展，逐渐产生了统一劳动节奏的号子和相互间传递信息的呼喊，这便是最原始的音乐雏形；当人们庆贺收获和分享劳动成果时，往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情，这便是原始乐器的雏形。原始时代的人类，他们的劳动生活，可以说是和音乐为伴而开拓发展，两者是紧密联系在一起的。从这个意义上来说，音乐是直接从人类的劳动生活中产生出来的。起源说众说纷纭也如性爱说、模仿说、劳动说等。在这里仅仅采纳中国音乐学家刘蓝的界说：音乐起源于太一说。音乐是一种表演艺术，需要通过演奏、演唱，才能为人们所感知而产生的艺术效果。音乐的分类有很多种，比如：音乐种类分为拉丁音乐、说唱音乐、古典音乐、流行音乐、MV卡拉OK 、影视音乐、儿童音乐、动漫音乐、轻音乐、摇滚音乐、民族音乐、民谣、宗教音乐、节庆音乐、革命音乐、以及近年来出现的游戏音乐等等。换句话也就是说，音乐是人类的符号表意系统，人类通过自己创造的符号系统去表达生活的意义。而音乐文化是一个历史性概念，每个民族及其特定历史时段都有其独特的表现状态。一定时段的音乐文化应是一个容纳多重层面并彼此形成复杂关系的结合体（并不一定就是统一的整体）。而就中国目前的情形来说，这种容纳多样的音乐文化结合体往往有几个层面或形态（注：我自己在过去一度审美主观性的将音乐文化分为主流文化、精英文化和大众文化三种，但后来通过在大学的学习才知道世界上有很多的事物是不能简单的去分类的。）：主导音乐文化、高雅音乐文化、大众音乐文化、精神音乐文化。从文化价值看，这几个层面之间本身是无所谓高低之分贵贱之别的，关键看具体的作品文体本身如何。每一层面都可能出优秀或低劣作品，无论它是主导文化和高雅文化，抑或物质层面的，又或是精神的。由于本文是在分析人文摇滚音乐；在此就不做详细论述。下面以流行音乐为例谈一下中国音乐的发展现状。2、摇滚渊源纵观流行音乐发展现状，存在着无处流行的悲哀。再来看看中国摇滚音乐的现状，可现在的摇滚（其实有很多的东西）都变了味了，或许存在着共同的悲哀，有或许是永远也解不开的探索之迷。20年间，除了海外的一些著名歌手还能偶尔引起轰动和追捧外，内地歌手的现场演出还有多少人去听？还有几个人有兴趣办当年那样的演唱会？音乐人许晓峰日前接受采访时说：“去年全国现场演出收入仅有1亿元左右。这说明，中国流行音乐成了一个仅靠唱片公司一条腿走路的‘瘸子’。”“我脚踏着大地我头顶着太阳，我装作这世界唯我独在，我紧闭着双眼我紧靠着墙，我装作这肩上已没有长脑袋，我不愿离开我不愿存在，我不愿活得过分实实在在，我想要离开我想要存在，我想要死去之后从头再来……”这是崔健新歌《从头再来》的歌词。但是，中国流行音乐，在没有走出原创衰竭、歌者颓丧和市场萎缩之前，该如何从头再来？摇滚在中国已是一种特殊的文化符号。摇滚的特殊就在于它自身的肿胀和虚胖，它总是以一副怒目但也慈悲的姿态现世。这种被哄抬而出的音乐文化形式远远超出它本身的内容和内涵。崔健说过一句话，含义也在于此：“摇滚主要是一种娱乐形式，它的社会功能是别人强加的。”我们在看待这一社会现象时，社会背景总是被我们优先考虑。对于摇滚在中国发展今天这一现状，无论怎样标榜自己叛逆与颠覆性，依旧逃不开大的社会背景。摇滚在中国的奇特之处就在于它被当作一种手段，一个诉求平台，一种社会异化下的宗教活动。中国摇滚大环境可以说一团糟,为究竟什么才是真正的摇滚吵得不可开交,你说我是伪摇滚,我说你是商业化.一些青头小子把头发一染,扯开嗓子大吼几声就是朋克摇滚,说话快的边说边唱两句就是说唱摇滚.我们的老崔年纪大了,可还一直为中国摇滚的发展不遗余力地奔走,究竟中国摇滚将走向何处?是升华还是灭亡?老崔说了:活着就是一种进步,那么,苟延残喘的中国摇滚进步到了哪种地步?我认为中国摇滚的现状是尴尬的。一方面是不计其数的地下乐队和地下歌手如雨后春笋般涌现，各种流派曲风争奇斗艳。让人目不暇接。另一方面，长时期缺少震撼人心的音乐作品，摇滚的思想和精神被不断的结构异化，是人们对摇滚的执着初衷发生了动摇。中国摇滚历经了十年，希望大家回头看看，到底留下了什么？一群愤怒叫骂的斗士？一群把手中的乐器作为泡妞的“新杀伤性武器”的音乐发烧友们？还是染着各色头发的“行为摇滚”新青年？中国摇滚可能真的到了最危险的时刻，强大的社会主流在无意中磨打受众的心灵。可------就在此时，人文摇滚出现了。二 摇滚新血脉----人文摇滚从八十年代初中国摇滚起步，至今，它已走过了从热浪到低谷终归于平静的过程。这些摇滚艺人的艺术态度和精神立场的独特性，贯穿于他们的生活始终。从某种意义上说，这种独特性中所包含的艺术价值与精神价值，足以上升到一种文化艺术的高度。一、人文摇滚的音乐与精神“曾经多少次跌倒在路上，曾经多少次折断过翅膀，如今我已不再感到彷徨，我想超越这平凡的生活；曾经多少次失去了方向，曾经多少次扑灭了梦想，我要我的生命得到解放！”----汪峰《怒放的生命》摇滚在中国的奇特之处就在于它被当作一种手段，一个诉求平台，一种社会异化下的宗教活动。无论在哪个国家，摇滚从未像在中国一样经历奇迹。这种奇迹，被赋予上一种信仰，注射进一种跃跃欲试的思想，成为社会中部分非主流人群的旗帜，燃烧律动在这个时代脉搏下。它倾诉着边缘群体的苦难，人性的压抑与渴求，反体制过程中的磨难与怀疑，社会的不解和探索。在中国多数乐评人的眼中，当摇滚势不可挡地成为一种精神载体时，它的社会功能已在无形中被夸大了。摇滚乐坛的风起云涌和音乐人的推波助澜，造就了在中国摇滚界思想决定艺术还是艺术决定思想的试验。而这一问题有些近似于物质文明与精神文明的建设，而这一问题的讨论又有些近似于“物质文明为先还是精神文明为先”的讨论。这一问题在政治课中，马克思辩证唯物主义的观点已将其解释详尽了。无疑，物质文明与精神文明要同步发展，以寻求社会主义物质建设与精神建设的双丰收。2．人文摇滚音乐——灵与肉“忽然间我感到如此快乐的心酸，付出所有的一切只为付出我的梦，忽然我感到如此狂喜的悲哀，拥有一切也不过就这样笑着哭。忽然间我明白泪水映出的岁月，付出所有只为找寻你的梦，忽然间我明白微笑掩藏的悲哀，拥有一切也不过就这样笑着哭。” ——汪峰《笑着哭》无疑，摇滚音乐和摇滚精神要同步寻求发展。无论是出于中国国情，或是现今摇滚人的精神状态的考虑——摇滚，这种有别于其它主流音乐的特有音乐形式，必将在某种程度上发挥其音乐作用与精神价值——而这种价值的体现，正是灵与肉的完美结合体。我们需要既饱含摇滚精神，反映社会人文思潮又唯美的摇滚风格。无论艺术与商业如何接轨，乐队的存在还是在于作品本身。三、峰高无坦途----人文摇滚的攀登一．在路上寻找灵魂——摇滚人的真理1． 独立的人生信仰“我不知道梦是什么颜色，也许它自有它的颜色，我不知道风要吹向哪里，也许它自有它的方向，我不知道孤独是什么，也许它就象小草一样，我不知道鸟儿为何飞翔，也许它为了寻找故乡，我不知道世界有多大，也许她可以把我装下，我不知道自己是什么，也许我是天空奔跑的迷鹿，” ——汪峰《花火》在那些非主流的地下人群中，有愤世疾俗的“朋克”，有沉郁晦涩的“金属迷”，有忠于另类音乐的黑暗分子——庞杂的人群，旨在维护摇滚的精神——那是所有人道不明但心中仅存的信念。但可以看到，人文摇滚乐并不是官方文化可以接受的事物，而其独立的精神时让大众感觉若即若离。这种独立，从音乐态度上来说，以一种DIY（Do It Yourself）形式存在，无论从词曲到编曲到制作到录音，一条线一气呵成全由摇滚艺人自己完成，这无疑使作品的完成度极高，也更能反映出艺人最原始的思想（比如汪峰自己就有“峰声音乐”）；从生活态度上来说，独立，这要求摇滚艺人要以其最具个性的姿态出现，把一种对生命的信仰，一种自身的人生哲学，散播向听众，以实现他人与社会灵魂的进化与自身的成长。2． 在独立中寻求发展“没有什么能够阻挡，你对自由的向往，天马行空的生涯，你的心了无牵挂，穿过幽暗的岁月，也曾感到彷徨，当你低头地瞬间，才发觉脚下的路，心中那自由地世界，如此的清澈高远，盛开着永不凋零…。” ----许巍《蓝莲花》当一个人以严肃的态度来对待音乐，他所遭遇的不仅有当代艺术的一般困境，更有他所支持的音乐的特殊困境。有幸做出真正创新的艺术家，其后路程就更加艰辛，而结果，往往只有重复自己或索性放弃自己，妥协进中庸的魅力中去。在这一点上，摇滚是最好的例子。一个优秀的人文摇滚人首先是一个有着独特生命感悟的人，正是这种内在的独特性才使他有可能在艺术上超凡脱众；与此同时，他的独特的自我在某种程度上必须是大众的代言人，他的灵魂的叹息与呐喊必须引起人内心强烈而广泛的共鸣，如此，这种音乐才能成为真正意义上的被认同音乐。诚然，在每一个有个性并且不愿放弃自己的独立个性的摇滚人面前，道路一定是曲折的，前途是否光明则完全不可知。这或许就需要摇滚的人们在个性中寻求共性，在独立中寻求支持，在非主流中寻求可主流的事物，使晦涩的摇滚乐成为真正意义上净化灵魂的利器与思想哲学的音乐。发展是必然的，不在发展中爆发，就在发展中灭亡。这是固守自己摇滚信仰的每一个人必须经历的过程——在独立中寻求发展3.追求与众不同，引领音乐起跑----人文摇滚价值人文摇滚乐，从思想内容、艺术趣味到表演技巧，一般来说，都是难与“阳春”“白雪”相比。它们的市场领域和文化定位都有些不同。“凡是有过沉浸到真正艺术作品的激烈体验的人，都不堪忍受廉价效果的应用，并会坚决主张一种艺术的优越发展…”但是，人文摇滚乐在很多的受众那里很有市场。它是一种“大众文化”，深入到千家万户和各种层次的欣赏受众。那么，人文摇滚乐又有什么独特之处，在此应该尽我所能指出，才能确凿点明它的领跑之当仁不让。1.较之其他流行音乐形式，人文摇滚乐的潜在影响最大。它不仅是音乐的主流，也改变了其他流行音乐及摇滚乐的面目。人文摇滚乐的声音在电视、电影、广播中随处可闻，它特有的独特音乐节奏渗透于各种流行音乐中。它的流行涵盖面最宽，在崔健建立的摇滚王朝之后添光加彩，升华了主体和意义。与严肃音乐、近期流行的音乐相比，人文摇滚乐的市场更显得热火朝天。人文摇滚乐的唱片、录音带、cd\vcd\不计其数。据不完全统计，到目前为止，有关人文摇滚的网站已经突破了1300多，而且还有出版社为他们写书和个人传记，有网上消息说有关汪峰的报导、文章也有120多篇。2.引起青、少年、成功人士、社会群体的狂热反应，造成对社会人文思潮巨大的冲击力。过去的摇滚基本上是一种反应青少年文化，反映了青少年的心理特征和艺术要求，反过来，又影响和塑造了青少年。但现在的人文摇滚乐关注的不仅仅是青少年，更多的是社会群体，不分年龄、时代，在网上参加有一戏言：“人文摇滚乐不仅使流行音乐起了革命性的变化，对于服装、发式、语言、生活方式，甚至政治观点等方面都有了不可忽视的影响。”作为一种文化现象或社会现象，过去的摇滚常和毒品、性、解放革新联系在一起，现在，人文摇滚不是仅仅在社会的低靡和人性的碰撞中寻找方向，更重要的是发泄社会群体的愤满。3.社会争议极大。对不同的音乐，有不同的看法，有人喜欢，有人不喜欢，这是正常的现象。但历史上还没有哪一种音乐形式要人文摇滚那样引起人们的如此广泛而激烈的争论乃至对立。在摇滚创造的舆论时代，人们仅仅是批判地接受，现在对待人文摇滚大不相同。人们开始去分析它的社会文化价值和教化功用。与早期摇滚相比，比较悠闲，反叛性少，与大众思想情趣比较接近。当然，具体问题还是要具体分析，不能看不到短处就说没有，给作品和歌手正确的评价才是我们乃至社会都想看到的结果。还要考虑它对今天我们的社会可能产生的影响。四、人文摇滚与社会思潮尽管面对实用主义和商业主义以及社会舆论的三重威胁，但人文摇滚音乐文化中仍然占有自己的位置，这一时期出现了一种被称为"新体验"的摇滚创作类型。《笑着哭》、《飞得更高》、《花火》、《蓝莲花》、《怒放的生命》等优秀作品汲取了"崔健王朝"所积累的造型感和修辞经验，精心营造着充满意味的故事空间，设计了种种隐喻式的视听具像，另一方面又用朴实的风格、平平淡淡的节奏来表现普通百姓日常的人生、日常的体验、日常的欢乐和痛苦，成为这一形态的代表性作品、歌手。在叙事上这些作品更自觉地用偶然性来冲淡情节的戏剧性和因果逻辑性，突出人生的无奈、无序和无可把握；在意识上对将人生困境化戏剧性模式更加不信任，不愿意为人生给出一个完整的结束或者答案；在视野上，它们所关注的不再仅仅是普通人所面对的社会问题，而是每个生命个体所难以躲避的人生问题。无论是对人性的理解和关怀，或是对现实的观察和体验，甚至包括对音乐艺术美学潜力的发掘，都成为了这一时期人文摇滚文化发展高度的一种标志。由于意识形态逻辑、更由于流行歌曲生产市场化的经济逻辑的的限制，新世纪的中国摇滚音乐文化正如整个社会文化一样，不可能象80年代文化那样充满异类、喧哗、叛逆，个人主义的、标新立异的、天马行空的狂躁被后现代工业所整合，因而，人文摇滚文化中的先锋性、实验性因素被降低到了最低点，甚至非常规的作品以一种边缘的姿态出现。其中最引人瞩目的是汪峰倾向：以开放性替代了封闭性的叙事，用日常性替代了戏剧性，追求……最常态的人物，最简单的生活，最朴素的语言，最基本的情感，歌词往往难以传达他们动荡不羁、迷离斑杂的生存体验，于是他们都借助于音乐的节奏和情绪来表达自我，他们用装饰性的语言影像、鲜艳的色彩、螺旋似的跳动的结构、MTV的节奏、自传化的题材、情绪化的人物，还原他们自己在都市的喧哗与骚动中所感受到的那种相当个人化的希翼、惶惑、无所归依的生存体验。处在世纪转折时期的中国人文摇滚音乐文化就以这样的多元选择形成了其艺术格局，一方面，音乐（流行音乐）观念的更新一直在艰难地发生，但另一方面，实用主义、功利主义观念也对音乐文化的发展产生了深刻的影响，前一时期人们引以自豪的那种历史使命感、社会责任感、艺术崇高感在音乐文化中受到了一定程度的削弱，无论是主流音乐作品创作对人文摇滚本体的常规完善或是前卫摇滚作品创作对音乐美学手段的非常规探索，都还缺乏足够的广度和深度。文化和美学意义上的人文摇滚文化的世纪转折远远还没有完成。代结束语：人文摇滚乐的歌词歌词在摇滚中的作用很重要，它传达出歌曲明确表达的意义和内容。早期的摇滚歌词主要在描写男女青少年之间的浪漫经历，他们在一起度过的美好的时光，等等，很少提到有关性的问题，即便提到，也很含蓄。早期的领军人物崔健的歌词里更是少，几乎NO，从歌曲里我们可以很明显地感觉到那种迷茫和追问。“吃不着铁饭碗象咱家老头子，也不想处处受人照顾象现在的孩子，我们没吃过什么苦也没享过什么福，所以有人说我们是没有教养的一代混子，真要是吃点苦我准会哭鼻子。下海挣点钱儿又tm不会装孙子，说起严肃的话来总是结巴兜圈子，可干起正经的事来却总要先考虑面子，除了眼前的事我还能干点什么，除了吃喝拉撒睡我还能想点什么，嘿若要问我下一代会是什么个样子，那我就不客气的跟你说:我管得了那么多吗？”在这样的歌词里面我们没有杂乱的思想，有的是生活的繁琐…20世纪末，中国的摇滚歌词发生了很大变化，当然，情歌音乐还是继续了男女恋情和美好时光的题材；但是民间（边缘）音乐的高涨给摇滚歌词带来新的严肃含义。精心营造着充满意味的故事空间，设计了种种隐喻式的视听具像，另一方面又用朴实的风格、平平淡淡的节奏来表现普通百姓日常的人生、日常的体验、日常的欢乐和痛苦，成为这一形态的代表性作品、歌手。我的观点还是那样，人文摇滚音乐不仅见证音乐历史的转折，还肩负着领跑的任务和名份。对于摇滚我们不能一概的否定和肯定，要区别作品的好坏。歌词是区别好坏的一个重要方面（不是全部）。摇滚音乐中有好的作品，但我决不承认所有的作品都是好的，还有不少很坏的东西。我们的创作要吸收人类文化中的一切有益的东西。在我们国家的音乐舞台和影视节目中，无论是表演外来的音乐还是自己的创作，我想，都应力求健康、高品位、有益于社会。
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从”滴水之恩，当涌泉相报“到”乌鸦反哺“再到”羔羊跪乳“，感恩都是人间真情的一种表白。从古至今，感恩被世人传颂，感恩之花是世间最美的一枝。
三国时期，刘备三顾茅庐，请诸葛亮出山。诸葛亮为报这知遇之恩，替刘备设计了夺取中原土地的妙计。刘备死后，诸葛亮又辅佐刘禅，鞠躬尽瘁，死而后已。
白娘子为了还许仙一个恩情，帮助许仙克服一次次危险，最终才有了矢志不渝的承诺和忠贞的爱情。这段佳话谁又能说不是感恩促成的呢?
李密一篇《陈情表》感动了多少炎黄子孙?李密为报祖母的养育之恩，放弃官位，毅然决然地守候在祖母的病床前端水送药。”臣无祖母，无以至今日;祖母无臣，无以终余年“。多么真挚的表白!
父母给了我们黑色的眼睛，我们用它去寻找光明。生活，可以贫困，但不能潦倒，我们要用父母赋予我们的黑色眼睛去寻找心中的光明。打开心灵的窗户，感受风的自在与清凉，眺望原野的生机与开阔。再回头看看，身后有我们的父母在默默地守护和支持着我们，他们给了我们生命、幸福和快乐，我们能给他们什么呢?我们应该用我们的双手，用我们的行动去回报他们。即使忧愁如山，烦恼如海，我们也应该不懈奋斗。父母的心思很简单，但很赤诚，”百善孝为先“，让我们铭记这句话，生活中，小事上，对父母尊敬一点，这又何尝不是”孝“呢?只要每个人都奉献一点爱，懂得感恩，那么，阳光雨露必将播撒人间。
”滴水之恩，当涌泉相报“，父母给了我们生命和关爱，社会给了我们舞台，老师给了我们知识，朋友给了我们友谊和支持。世界万物都是上天的恩赐，感恩之花应该在人间绽放，这枝花将开得更鲜艳，更绚烂!
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不是每个季节都如夏天那样热烈，秋天那样金黄，冬天那样凛冽。四季之中，我唯爱春天，尽管没有了夏天的热烈，秋天的优美，冬天的银装素裹，但春天有春天的柔和，细腻，优雅……
绿色是春天最美的颜色，万物复苏，春暖花开，给大地披上了绿色的衣裳，看那堤边的柳树，被绿色的浓烈压弯了腰，娇羞的望着那在岸边放风筝的孩子们，那么开心的向着远方奔跑，望着那梦想的方向一步又一步。在不知不觉间草地换上了绿色的新衣服，那柔嫩的小草一如新土的幼儿，软弱而嫩的可爱，那是只属于春天的信息。
微风是春天美的声音，此时放风筝的孩子最渴望的是飞扬的大风，可以把自己的梦想放上天，听着耳边和煦的微风，心情也随之飞上了蓝天，小鸟在天空中悠然的唱着轻快的歌曲，不变的风景，万变的心情。
欢声笑语是春天不变的旋律，小孩子发出的呵呵的笑声，大人欢悦的哈哈声，小动物们不变的嘻哈声，那是只属于春天的声音，是春天给了我们那优越的环境让我们去寻找雅，无忧无虑的欢乐。小草绿了体现着春天的生机勃勃;小花开了，装饰着春天的五彩缤纷;一切都是那么的优雅，不变的美丽只为了春天。
春天，像一位温柔多情的少女，迈着轻快的脚步来到了我的家乡。春姑娘用它那温柔的双手唤醒了沉睡的大地。阵阵春风，吹散云雾，朝阳露出小脸，把温暖和光辉撒满湖面。这时，天空的鸟，鼓着翅膀吱吱的叫;湖里的鱼，跳出水面;堤畔新吐绿的柳枝，摇动着嫩腰起舞;坡上的小草儿，拍着手;他们和她们，就像幼儿园里一群天真的孩子，活蹦乱跳，齐声欢呼：太阳阿姨，早晨好!
春风轻轻地吹进了我们的校园，旗杆上鲜红的 围棋 在微微地飘动着在;草地上，草儿发芽儿，嫩嫩的，绿绿的，教室旁，高的大的柳树舒枝展叶，迎着春风摆动着柔和的枝条;花圃里，粉红的桃花开满枝头，雪白雪白的梨花竞相开放;花丛中，煽动着金黄色翅膀的小蜜蜂嗡嗡的忙着采蜜。五颜六色的蝴蝶成双成对的姗姗起舞。
春天，是最美的季节只属于我们的季节，一如我们的朝气。发现春天需要一双发现美的眼睛，那么美丽足以成为心底里无与伦比的回忆。
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途经十字路口，突然大雨倾盆，我跟着行人越过一道道拥挤的车流，在屋檐下静静地等待。黑夜肆无忌惮淹没了眼前的一切光点。路面忽的幽暗， 雨水 带着悲伤的步伐狠狠的踩在路面，炸开的水花，氤氲一片，在路灯下竟然那么刺眼！
抬起头，望不穿街道的尽头。闪电偏偏在这个时候，把黑夜撕裂一道道伤口，黑幕上触目惊心，留着蔓藤一样伤痕。可是，却不知道我的伤痛，何时顺着我的目光，开始咆哮，歇斯底里地将伤口撕开，跳了进去。我的心开始痛，痛在心脉那块！
雨点开始变小，我习惯性地跑开。因为我要把痛拿去埋葬。还是那个熟悉的地方。十字路口车水马龙，公路旁便是蔓延的河流。过了桥就到了对岸的居民区。再往前走，还有一座连接青山的铁索桥。桥很宽。以往我便是站在这儿，望着下面清澈的河水，还有小山顶上的凉亭。心就会很快安静下来。今天我没有上桥。
我站在桥下，黑暗中的那一点光亮，是桥边路灯的倒影。脚边是水，流着潺潺的等待。我俯下身，春光的流逝，是一面被磨暗的镜子，照出了桥上一个个远去的背影。
我不会去想，誓约比细雨更微弱。我只是不想错过。我只是将碧波当作了翩然起舞的眼眸。我也不会去想青春在灯光倒影里明灭，在桨影里混浊。
我只是不想错过。我只是，在这里发泄一下自己的感情，在这里邂逅一位知心的过客，而已。我只是，想有人可以和我一样，在青春里学会勇敢面对。我只是，想把遗忘当作一种铭记。
谁能告诉我，还需要等待多久，等待那个，和我一样的容颜，映入水中。或许等待，就是在等待。和相约是不一样的。曾和朋友、同学相邀来这里玩。山上有桃，春天大片大片的桃花翩然，我们在那里有说有笑；夏天花落满地，我们却不来了。她们说天气热，我想是繁华落尽，再无期盼了吧！
或许等待，只是一场绝望的洪水，将我彻底淹没。水面缓慢升起，将途中的一些枯枝碎叶带入了悲伤的旋涡。可是它们似乎还在奋力挣扎。
我竟然久久不能回过眼神，枯枝碎叶都不曾放弃。其实我想说的是：放弃有多么容易，一生还会有很多次放弃。可是我没有，因为我知道错过比放弃更痛苦
我抱着惶恐中的那一点无悔。安静地站在桥上。发觉风雨已停了很久。
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金黄的油菜花在春风中摇曳，又是一年春来。
总记得每年春天，奶奶嘴边那句不离口的话，“阿妹，到摔菜籽的时候跟奶奶去啊，帮奶奶做掉点活。”可是，真的到了那一天的时候，奶奶总会劝阻我，“不要了呀，妹妹还是好好学习吧。”我只能听从你的话，等在家里。每当下午最炎热的时候，你又长裤衬衫地骑着三轮车，费力地蹬着，脸上显得尽是吃力，点点苍黄色的柴草屑零星地藏在你苍白的头发里，黑色的长裤上尤其明显，耳畔只剩下那一声声吃力的“嘿咻，嘿咻”声。
四季的更替总是快速的，你总是忙碌着，这不，春天到了，那门前人家种的菜籽已经长高长大，成一个个细长的弯弯的形状。你在门口换着鞋，如往常一样问出那句话，“去摔菜籽吗?”我看着那嘴唇似又要说出那句话。马上答应，“好!”我拿着摆在地上的农具，快速把它们放进车里，又往田地的方向走去。
虽是春天，温度却不低，一排排菜籽已经摆在长布上，一脚踩上去发出“咔嚓”脆响。奶奶随后赶到，一边拿着拍菜籽的木棍以及小板凳劝着我：“你还是回去好好认真学习吧。”我安慰奶奶说“没事，没事，一会会的。”说 作文 /着，我一脚踩进铺满菜籽的布上，“嚓嚓”踩着。虽是春天，正午的太阳很是毒辣，我穿着中裤一脚脚地踩着，刺刺的菜籽壳戳着我的皮肤，脚底穿着运动鞋，只觉得热烘烘，还有几小粒菜籽跳进鞋里，只觉得难受，我从刚开始的兴奋转为恹恹的。耳边是“啪啪”木棍拍打菜籽的声音，奶奶坐在一旁，手抬得高高的，一下一下地拍打，额头上已布满了细小的汗珠。黑色的长裤被包围在菜籽根丛里，似乎摔菜籽真的不是我所想的那样美好与诗意。
温度在升高，田野间没有一丝风息，我从刚开始的蹦跳改为慢慢走，秸秆在我腿上划出一道道白色印迹，总算一批菜籽踩得差不多了。一粒粒黑色的菜籽隐匿在苍黄的菜秆下，星星点点。“好!幸亏妹妹来帮忙，不然还要晚一点才能好哇!”奶奶微笑着，细细的汗珠从她额角划过，在太阳下闪着光，犹如那张笑脸在我心里闪着光。我看着奶奶站起来，自己手捶了捶腰部，我连忙跑过去帮她捶，她笑着，带着宽慰的嗓音连连喊“好了，好了……”
小小春风吹起苍白的头发，我在后面推着奶奶的三轮车，春日的阳光追随着我们，伴着奶奶的笑声，我的心里刮起了润润的春风。
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懂得感恩我们才会懂得生活，才能体味生命的真谛，感受生活的幸福和生命的快乐。
感恩父母!是他们给了我们这个世界上的最尊贵最伟大的生命。在我们成长的过程中，无论生活多么艰难，无论遇到多少坎坷，每时每刻我们都能感受到父母的那份不求回报的爱。因为这份爱是无私的，因而比我们的生命更伟大。每每一人独处，回想起父母那充满深情的一句句叮咛，充满牵挂的一句句嘱托，涌动在心底的幸福和骄傲，让我们更加坚定更加坚强。父母那包含岁月艰辛的一缕缕白发、一条条皱纹，都是爱的见证。父母对我们的爱，年轻时我们不懂，而等我们懂得时又常常忽略。
生活中迫于工作压力处于忙碌中的我们，经常会使用暴躁的语气和尖刻的语言，用极不耐烦的态度给这份天底下最无私最伟大的爱蒙上一层阴影，能够承受这份粗暴和这种伤害，并宽容这种无礼行为的，仍然是我们年事已高的父母。事后，在你十分懊悔的时候，你会再次听到那轻轻的充满关爱的话语，这时，倒像是父母做错了什么。
能够享受父母的爱，应该是世界上最幸福的人。每次听到《常回家看看》这首歌曲的时候，我都会情不自禁地泪流满面，为自己曾经很不得体的言行和态度深深自责。其实，父母在对待我们的问题上除了奉献别无所求。其实，我们面对最敬爱的父母，完全可以从最细小的事情上做起，在力所能及的情况下，把自己的一份感恩，一份尊敬，一份关爱传递给他们。如今，无论公务多么繁忙，应酬多么重要，每周至少有一顿饭，我是坚持回家陪伴父母一起吃的，而此时，从他们慈祥的眼神中，我可以感受到他们的欣慰和满足。
尽管我们不能给父母富足的物质生活，但我们也决不能让父母在失落中生活。每天一个电话、一句问候，我们可以做到;天冷了，给节俭惯了的父母添件御寒的衣服，我们可以做到;很多简单细小的事情，我们都可以做到。
生活是艰难的，生命都是短暂的。谁在在攀比中生活，谁就是痛苦的;谁在感恩中生活，谁就是快乐的。不要等一切都来不及时再去懊悔自责，让我们在父母有生之年，用我们的孝心，共同给我们饱受生活磨难的年迈的父母送上一份快乐和一份幸福吧!
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【简介】街舞（英文名字Hip Hop）最早起源于美国纽约，是爵士舞发展到90年代的产物，它的动作是由各种走、跑、跳组合而成，极富变化。并通过头、颈、肩、上肢、躯干等关节的屈伸、转动、绕环、摆振、波浪形扭动等连贯组合而成的，各个动作都有其特定的健身效果，既注意了上肢与下肢、腹部与背部、头部与躯干动作的协调，又注意了组成各环节各部分独立运动。因此街舞不仅具有一般有氧运动改善心肺功能、减少脂肪、增强肌肉弹性、增强韧带柔韧性的功效，还具有协调人体各部位肌肉群，塑造优美体态，提高人体协调能力，陶冶美感的功能。街舞是美国黑人由一种发泄情绪的运动演绎成的街边文化，特色是爆发力强，在舞动时，肢体所做的动作亦较其他舞蹈夸张。最吸引人之处，是以全身的活力带来热情澎湃的感觉。跳街舞使人注意力集中，兴趣浓厚，动作优美、随意。同时，跳街舞还有瘦身功效，因为街舞是一种中低强度的有氧运动，在一个小时的运动中，消耗全身脂肪的作用是相当强的。此外，街舞是一种小肌肉运动，经常练习能增加你全身的协调性，让你的身材比例更趋标准。【分类】以动作为标准，街舞分两大类：Hip-Hop和Breaking。街舞一般可以分为两种，一种是个人的技巧街舞。个人技巧街舞是最早流行的一种街舞，因为它能体现年轻人精力旺盛的一面，他们的很多地面动作，譬如说翻滚、倒立、弹跳都是比较高技巧的个人街舞表演。另外一种就是集体街舞，是目前比较流行的街舞形式。它反映了大众的需要，跳起来比较简单，节奏感比较强，它既有舞蹈的感觉又有健身的作用。所以目前比较普遍的就是集体街舞。Breaking：技巧型街舞，要求舞者具有较高的力量、柔韧性和协调性，属于技巧性较高的体育舞蹈，所以最先为国内青少年所喜爱。跳这种类型舞蹈的青少年叫做B-Boy/B-Girl。20世纪80年代，被称为“Hip-Hop之父”的DJ Kool Herc创造了B-Boy的概念，也就是Breaking Boy。每年，全世界的许多国家都有一些为B-Boy们举办的比赛，较有名的是每年一度的BOTY（Battle of The Year）和在英国举办的B-BoyChampion，超过10个国家的百名参赛选手会参加这样的盛事。比赛的优胜者很快就会声名远播，成为青少年的明星。Hip-Hop：Hip-Hop这个词中文译作嘻哈，诞生于1974年美国纽约，发明者是著名的DJ和MC爱虫斯塔尔斯基（Love Bug Starski）。在20世纪60年代末70年代初，以纽约为首的美国东海岸城市，兴起了一系列黑人文化艺术形式，它们包括：涂鸦（Graffiti或Writing）、比波舞或霹雳舞（B-Boying）、打碟（DJing或Deejay，DJ是指Disk Jockey，意为唱片骑师，即驾驭唱片的人）、说唱（MCing或Emcee，MC是指Master of Ceremony，意为司仪）。Hip-Hop这个词最初是爱虫斯塔尔斯基在说唱中用来押韵的， Hip的意思是屁股，Hop的意思是跳动，连起来可以解释为跳动的屁股。20世纪80年代初，“嘻哈教父”阿弗里卡·班巴塔（Afrika Bambaataa）借用嘻哈这个词来统称以上述四种文化形式为代表的黑人城市文化运动，很快被广泛接纳，而上面四种文化就成为我们通常所说的嘻哈四大元素了。Hip－Hop翻译过来是嘻哈，RAP翻译过来是饶舌，这两个概念不同。Hip－Hop实际上不是音乐名词而是文化名词，包括说唱、涂鸦、街舞和DJ打碟四部分；RAP起源于60年代，而作为音乐理解的Hip－Hop则起源于70年代初，它的前身是RAP(有时候会加一点R(B)。Hip－Hop从字面上来看，Hip是臀部，Hop是单脚跳，加在一起就是轻扭摆臀，原先指的是雏形阶段的街舞(也就是我们以前说的霹雳舞)，后来才逐渐发展成一种巨大的概念——我们现在说的Hip－Hop文化还包括了那些宽大的衣服、沉甸甸的纯金饰品、平时说起话来就“YoYo�what’s up？”的口语习惯——总之就是那种美国贫民街区里黑人的生活方式以及他们的“范儿”。舞蹈型街舞，有Poping、Locking、Electric、Turbo、House等多种风格。它们都不如Breaking那样需要较高的技巧，但更要求舞者的动作协调性和舞感，以及肢体灵活性和控制力。好的Hip-Hop舞者同样需要艰苦的练习。由于Hip-Hop Dance不如Breaking那样技巧性强，也缺乏竞赛性，以前没有受到街舞爱好者足够的重视，现在随着舞蹈观念的增强，这种情况得到了改变，甚至B-Boy也开始练习并出现了许多全能型的街舞好手。Hip-Hop是人们最常接触的一种舞蹈，它有着幅度大而简单的舞步，能够表现出复杂的舞感。因为容易学习，跳起来也相当好看，所以很受大众喜爱POPING：机械舞，运用身体各部位的肌肉和关节，随着音乐的节拍，加上自己丰富的想像力，创造出令人惊讶的舞步。属于难度较高的街舞类型FREESTYLE：这是一种出神入化的舞步，它将各种类型的舞蹈混合在一起，随心所欲地表现，没有舞蹈风格的限定，脱离一般舞蹈的规范，可以说是一种个性化的街舞HOUSE：随着house音乐，运用复杂而神奇的步伐表现的一种舞步，它可以加上拉丁舞的扭腰、武术的空翻、踢踏舞的基本步以及芭蕾的转圈，跳起来既可以十分优雅，也可以相当狂野。NEW JAZZ(女生专属):这是一种由JAZZ爵士发展而来的舞,专由女生跳的,很讲究柔美和瞬间爆发.以手臂的动作为主,腰的扭动和臀部的动作为辅.对身材要求很高,在欧美和韩国非常流行。配乐是节奏化过后的爵士乐。RAGREA（雷鬼，女生专属):这个舞据说起源于法国,也有人说起源于美国。是非常性感的一种舞蹈，演绎的舞者穿着也很暴露，以下半身的动作为主，主要用到臀部，腰部，腿部，还会有一些简单的倒立，同时在空中摇晃大腿的诱惑动作。在色情业发达的日本发展非常好。而正常的演绎亦非常性感。