彩陶纹样在平面设计中运用在海报设计中、在招贴中设计中、可以用在日常生活中装点丰富画面、彩陶纹样重新组合来进行装饰、彩陶纹样在产品设计中、标志设计中都大有作用。
当代艺术其实就是要研究特定 文化 背景下的文化现象,而当代艺术本身就是一种需要深究的文化艺术现象。下面是我为大家整理的视觉艺术研究论文，供大家参考。
【摘要】符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。
【关键词】视觉艺术;符号;转换;再生
著名符号学家安伯托?艾柯(Umberto Eco)说:“人是符号(sign)的动物。”1人类籍由符号来表达内心世界,传递信息。将日常所思通过一定的语言形式,包括声音、视觉、肢体行为将一个整合的概念传达给对方。符号学(Semiotics)是一种关于符号和运用符号,包括观看符号的理论。符号学并不是一种历史性的学科,而是一种阐释性的学科,但它能够在历史的探索中被加以有效地整合。符号学集中关注构成和表征的问题,将“文本”看作是产生意义的符号的特定合成。这是一种不带霸权和强制要求的有限度的视角。2
艺术的起源不论从模仿说、巫术说、劳动说的角度出发我们都可以看作是人类符号化的开始。原始人用肢体捕捉动物的动作,用声音模仿动物的鸣叫,用矿物质将动物的形态描绘在崖壁上,手舞足蹈用简单的语言交流,于是就有了最初的舞蹈符号、音乐符号、美术符号、语言符号。随着社会分工的日益复杂化,人类社会不断进步与发展,符号内容也就变得越来越复杂化、微妙化,同时也在自然科学、人文科学和社会科学各个不同的领域得到了广泛深入的运用。
视觉艺术作为一门研究经由肉眼产生联想的人文科学,符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。作为一套工具,符号学提供一系列我发现可以深入细致分析艺术作品的有用思想和观念。当这些思想和观念可能由心理分析、叙述和修饰理论引发产生时,它们就产生与传统艺术史并不发生矛盾的洞察力。事实上,这些思想和观念常常能够使学生在运用主体间的可使用的 方法 上更为精确,并使阐释更具有系统性。3
一、视觉艺术符号的分类
在符号与其所指涉的对象(即其指向与涉及的事物和领域)的关联上,目前在符号理论研究领域普遍认为可以将符号区分出以下三种不同的类型,同时也是符号的三个层次:4
1、图象符号(ICON):图象符号是通过模拟图形与对象之间的相似而构成的,图象符号是一个直接感知的过程,在图象学中属于写实的范畴。如肖像画、照片等,当我们面对这样的作品的时候通常都能够得到比较直观的感受,比如说“画面上有什么内容。”
2、指示符号(INDEX):指示符号与所指涉的对象之间具有的因果或是时空上的关联。如“指示牌、路标”。从广泛的角度来说,设计艺术中的视觉流程法则也属于指示性符号的范畴,由于生理的特点,眼睛在浏览的时候会表现出一种时间性、方向性与选择性,也就是说视线会沿着画面重心,即最佳视域,向某一个方向有选择性的移动,体现出视觉的流动性特征。
3、象征符号(SYMBOL):象征符号与所指涉对象之间无必然的或是内在的联系,通常是指约定束成的结果,它所指涉的对象以及有关意义的获得,是由长时间多个人的感受所产生的联想集合而来。同时符号的象征性也是是符号学里最深层次的特性,是符号产生与对象思维过程中相关内涵的延伸以及联想。比如线条的曲折、色彩的冷暖、材质的软硬都会给人以相应的情感体验。
二、视觉艺术符号的理解
人类的意识过程,其实是一个将世界符号化的过程,思维无非是对符号的一种挑选、组合、转换、再生的操作过程。因此可以说,人是用符号来思维的,符号是思维的主体。那么我们又如何从符号学的视角和运用符号学的工具去解读图像,符号如何能够使我们从我们已经认知的事物中疏离出来,以便理解某些新的事物?在这里,我想就当代油画家张小刚的作品《男青年》按照符号学的原理进行分析。
张晓刚《男青年》布面油画
1、生成图象意识
要对视觉符号进行阐释有时候是一个非常复杂的过程,需要结合上心理学的以及历史学的概念进行理解。
当我们在欣赏一件视觉艺术作品时,我们首先会在思维中形成一个表象,即作品中有什么内容,是具象符号还是抽象的符号。如,当我们在接触到当代油画家张小刚的作品《男青年》时,首先意识到的是一个男青年,带着眼镜,脸上一块红色的疤,灰蓝色的调子,一块红色的疤痕这些图象性的符号。 2、探询图象的象征性意义
得到以上信息后我们接下来会想知道隐藏在艺术家(即符号创作者)创作意图中的“更深层次的”,或派生出的意义。如果我们说一件作品具有一种更深层的意义,我们通常指的是作品传达了一种我们在最初观察中还无法确定的潜在的观念,以即是符号的象征意义。当然需要找到艺术家的意图我们必须对艺术家本人以及他所处的时代背景有一个基本了解。
我们现在就来试着探询阐释艺术家想要传达的观念信息。我们知道张小刚出生在上个世纪50年代末期,他经历了新中国成立后最动荡的历史时期,特别是“”在他们那个年代的人身上都产生了深远的影响。
那么现在我们回到画面(符号)本身,留着小平头的男青年,干净白皙的肌肤,一幅标准文弱书生的派头。我们知道眼镜是有知识、有文化的人的象征,中山装是那个年代的通用着装。灰兰色的背景衬托阴郁、孤独与冷漠的气氛。面颊上被生生揭开的一块,形状如肩章的伤疤显得尤其冷艳。结合上面的分析,我们也可以将它理解为那个热情火红时代的鲜红烙印。目光被吸引到左下角,略显呆滞,嘴唇微启似在观看一个什么令人震惊的场面,又面无表情,一种孤寂、压抑的情感得到充分的表现。所有的一切符号都在追忆一个时代的伤痕主题,这除了是一种回忆,同时也折射了现实社会人与人之间的冷漠。
视觉艺术符号的创作者在产生一个理念之后,综合自己对象征性符号的理解把握,选择合适恰当的视觉手段,将理念传达出来。然后接收对象即观众再通过自己对象征语言的掌握与理解,把接收到的视觉信息在思维中转换再生。(下转第99页)(上接第98页)当然,鉴于个体情感特质、生活 经验 、知识结构的差异,一件作品最终还原到观众思维中的形态是各有不同的,所以有了“一千个读者便有一千个哈姆雷特”之说。当一个人看见一幅绘画,表现的是关于一只果盘的荷兰静物画时,这个图像在其他的事物中)就是关于某种别的事物一个符号,或表征。观看者在她或他的脑海中形成有关该事物的一个意象,她或他就会把这个意象与该事物联系起来。心理的意象,而不是形成这个意象的个人,就是解释符。这个解释符指向一个客体。该客体对每一个观看者来说是不同的:对一个人来说它可以是真实的水果,而对另一个人来说也可以是别的静物画,对第三个人来说可以是一笔巨款,而对第四个人来说也可以是“17世纪的荷兰”,等等。而该绘画所表现的客体因此基本上是主观的和由接受者决定的。
视觉艺术本身就是关于符号的表达方式,创作者借由它向观者传达自身的思维过程与结论,达到叙述的目的;换言之,观者也正是通过创作者的作品,与自身经验加以印证,最终了解创作者所希望表达的思想感情。显而易见,作为中间媒体的视觉艺术作品,这时就充当着创作者思想感情符号,而这个符号所需表达的信息是否可以被观者准确的、快速的、有效的接受与认知,就成了创作作品成功与否的标志。这正是由创作者在创作的思维过程中对符号的挑选、组合、转换、再生把握的准确有效程度所决定的。
参考文献
[1]李幼燕著《理论符号学导论》,社会科学文献出版社,1999年6月版。
[2]米克·巴尔:《观看符号/解读绘画——运用符号学理解视觉艺术》载于《世界美术》2007年第1期。
[3]巴尔·布列逊:《符号学与艺术史》1991年。
[4]常宁生《艺术史的图象学方法及其运用》载于《世界美术》2004年第一期。
内容摘要：一部视觉艺术史的发展史也就是色彩的发展史。从上古的色彩崇拜到古典时期的色彩模仿，从浪漫主义时期对色彩的解放到印象主义对光和色的迷恋，在艺术史上，每一次对色彩的再认识和再阐释，总会引起视觉艺术的巨大变革，从而产生新的视觉艺术现象和理论话语。
关 键 词：色彩随类赋彩固有色民间色彩光印象
所谓色彩，在普遍意义上讲是人对色彩的感觉。对色彩的 爱好 和对色彩的选择，具有极大的主观性，所以不应把某种色彩标准绝对化，应承认多样的和发展着的色彩标准，从不断变动的色彩观中认识它们各自的特点，研究它们各自的异同之处，把握它们的内在联系，从而在色彩世界中达到“万物皆备于我”，而不是被束缚在一个狭隘的范围之内。偏爱是容许的，但偏执和偏见却无益于艺术的发展。
固有色——永恒美丽的理想色彩
太古之民把色彩作为一种手段，其目的在于将描画对象从背景中显现出来，即从空间背景中分离出物象，所以他们只认识红和黑，因为红色最引人注目，黑色与亮底色对比最大，因而在他们看来红是美的，黑也是美的，所以红黑搭配是美的。诉诸于艺术表现，他们将自然的一切色彩通归结为红与黑。河姆渡新石器时代的木器即以红、黑为装饰;世界各地的彩陶以红、黑为装饰;原始的洞窟壁画大都采用红黑二色……对黑红配置的喜好沿袭至今，这在一些民族的服饰中表现尤为典型，中国的藏族服装、彝族服装等都以红色为主色。
人在实践中丰富了感觉，增加了对外在事物的认识，并且在早期艺术活动中抓住物象永恒的、持久的固有色，寻求它们在空间的恰当联系。这样，人们发现了色彩的静态美，这样便有了对色彩永恒价值的追求，有了固有色的理念。
艺术离不开模仿，德谟克利特和亚里士多德都认为，艺术的力量就是模仿。达·芬奇甚至说：“……假如你在用自己的艺术模仿自然界所产生的形式的全部特质时不是一个万能大师，那么你就不能成为一个好画家。”固有色的色彩观正是产生于对自然的永恒和凝固的色彩美的模仿。
固有色观念曾长期主导美术创作，在西方，文艺复兴的作品最具代表性。在中国可以举出唐代人物、宋代花鸟和许多杰出的民间艺术作品。他们在固有色的表现和色块空间安排上都达到了极高的成就。运用固有色的经验可概括为以下几个方面：
一、色彩配伍。例如文艺复兴大师常采用的玫瑰红、天蓝、银灰，中国民间艺术常采用的朱红、群青、大红、石绿、金黄，这些色彩配伍具有对立统一的美。
二、色彩衔接。中国民间口诀有“工间绿，花簇簇;青问紫，不如死”等等。固有色的不同衔接方式会形成千变万化的色彩观感。
三、纯度对比。这种对比是调整色彩间相对关系的重要手段，其强弱得体，宾主分明，达到色彩在空间中的力度平衡。
四、明度对比。在二维平面上制造三维效果，所用手段就是明暗对比，精到独特的明暗对比不仅使图像具有立体感，还使画面具有了厚重感。
五、面积对比。面积对比更使色彩在体量上有轻重之变，在空间上有互补之美，从而产生鲜明的色彩节奏。
从远古起，艺术的移情说就伴随着模仿说，固有色为模仿自然来服务的同时，也还有浪漫主义的表现一路，他们不以模仿为补色目的，却以“画画无正经好看就中”为旨归。他们抽出固有色的单纯性、凝固性，以固有色的空间平衡为手段，驱便于工作色彩率意为之，以求理想的色彩效果，如苗族 刺绣 、民间剪纸、蔚县剪纸、绵竹门神就是以固有色观念而作浪漫派处理的色彩典范。
光印象——瞬息即逝的自然色彩
光学发现了色的物理本性，揭露了色与光的内在联系及色光的分解与混合现象;生理学发现了人类的色觉的本质，从而得以了解色衰与补色的关系，全色要求的基础。这些发现给艺术色彩学以伟大启发，由此而产生了印象派色彩观。于是画家用色追寻光，追寻光的颤动、光的流逝、光的迷离恍惚，从固有色的永恒和凝固中走出来，走向空间和时间的流动，得到的是瞬息即逝的光印象。
可以说，印象主义的色彩观和色彩技法，既是光学成就的产物，也是西方艺术传统的产物。只是这些传统到了印象派画家那里更系统化、理论化了，并且以此确立了它在艺术史中的地位。印象主义认为色即是光，因此：
一、凡视觉可感受的物象都是光照射的结果，凡有光必有色，物的色决定于光源色、环境色(反射色)和色彩间的对比。即色彩随光源和环境而变，并且在画面上是相对而存在的。
二、以日光光谱色代替古典的调色板。
三、追求光谱的金色效果，并往往引用光谱的色彩组合。
四、补色关系对于印象主义画家是不可或缺的手段。例如在大自然中日光与天穹光便是一对天然补色。
五、以光的混合代替颜料混合，因而采取色彩细碎分割和并置的手法，使色彩更加“响亮”。
六、在色彩并置时常施以明度相近的，非准确的冷暖并置。这就是同时对比的手法。此时相同的色各自将对方推向自己的补色，以增强双方的色价，同时各自失去稳定性，而获得光的颤动性，呈现一种有生气的活力，于是达到色的非物质化，成为颤动的光。歌德曾经说过：“同时对比决定了色彩美学的实用价值。”
印象主义使色从其所联结的物体中解放出来，排除物的固有色，由此绘画进入一个新的境界。印象派是光的崇拜者，光的虔诚宣教者，他们开启了一个灿烂的世界，但是他们追随光的同时却失去了艺术曾经具有的精神力量和阐明世界的象征内容而停留于事物的物质表层。
表现色——回到主观的现代色彩
实践表明，获得光的华丽外衣，是以牺牲质的内在精神为代价的，这个矛盾在技巧上直接表现为 素描 与色彩的矛盾，当表现特别需要素描的时候，色光的变幻不能不退居次要地位。古典主义，新古典主义，拉斐尔前派便是这样;当表现特别注重色光的时候，素描不得不退居次要地位，印象派便是如此。毕萨罗教导青 年画 家勒贝尔说：“多注意形体的色彩，而不要太看重于素描刻划，太准确的素描索然无味，而且不能给人以整体印象……”这正是印象主义者在素描和色彩之间的取舍。
雷诺阿在他的印象主义实验取得非凡成功的同时感到印象主义的危机，于是游意大利向前辈大师学习，他拜倒于拉斐尔画前，并高度赞赏安格尔油画的单纯宏伟。他研究了拉斐尔之后终于感到自己忽略了素描，从意大利归来后，他致力于牺牲色彩以使形体单纯化，加强素描，回到古典的作画方法，取消画面偶然的光，于是他开始了自己的“古典时期”。他的作品“伞”和他在那不勒斯所画的裸女就是开始回归古典和固有色观的记录。
印象派之后诸家正是看到了印象主义色彩观局限于表面的光色变化而忽略其不变的内部结构，所以他们走上了与印象主义相反的道路。首先是塞尚，这位现代艺术的开山者力排事物的闪动模糊的外表，致力于表达所谓不变的真实和内在的结构。就色彩而论，塞尚不同于印象主义的是使之色彩秩序化，经过组织，使色彩变得更规则，更简练，但更强烈，因此更具有安定感、明晰感，从而达成视觉形象的非同寻常的强度。他的艺术观和他的艺术实践深刻地影响了其后的画家，如马蒂斯由塞尚得到启发，抛弃印象派画家的“魅力、光亮和明快”，追求绘画的“稳固性”，认为在一切构成画面的色彩中必须建立一个平衡，因此表面的感觉必须加以提炼，正是提炼了的感觉构成画面。康定斯基说：“内在因素，即感情必须存在，否则艺术作品便是赝品。内在因素决定画面的形式。”毕加索概括说：“我不是模仿自然，而是面临自然——并且利用自然。”塞尚之后诸家竞相与印象主义的客观主义反其道而行之，强调主观意志的作用，因此着意于形式美、抽象美的追求，走向表现主观。在色彩上自然同时从客观色彩走向主观色彩了。
但是现代主义是接过印象主义的手中武器而走向其对立面的，印象主义发现了自然的色彩，现代主义将这些发现秩序化、凝固化、强力化。或者说印象主义捕捉感性的色彩，现代主义挖掘理性的色彩，现代艺术将色彩的主观性及其精神价值提到了前所未有的地位，并且完善于主观的个人感情与客观的色彩规律之结合。
参考文献：
[1]《意大利艺苑名人传》 ，(意大利)乔尔乔·瓦萨里著，刘耀春译 ， 湖北美术出版社 ，2003年版
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[4]《境外谈美》，陈望衡 著， 花山文艺出版社， 2003年版
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销售竞争也是空前激烈。作为平面设计来说，更需要深入领会这些特点。毕竟作为形象来说，服装品牌的设计与日常宣传的设计，对引导销售起到了非常大的作用。这一点任何服装品牌不可忽视。假想中的成都健特曼服装有限公司其品牌的名称为：英文Gentlemen,中文为：先生们。这个品牌从名称上明显的突出男性的特征。所以在设计上需要抓住男性的喜好、色彩情绪的感染与人文需求。在整个VI视觉识别的设计中，企业标志和形象和企业色将成为设计的重点，有了这些重点与特征，应用部分的设计要点和方向才可以展开。VI设计所隐含的公司产品目标、方向、和理念将贯穿于所有的设计中。公司的理念为，高质量、国际化、为成功人士打造一个属于属于自己群体的品牌。一、商标设计方向分析1． 高档性 男装的竞争越来越激烈，高档化品牌化已经成为竞争的重点。特别是集中在未成功人士打造系列服装。同时投入多，利润空间大。健特曼服装有限公司正是以高档男装为开拓市场的重心。所以标志需要高档简洁。2． 时尚性男性成功人士大多以商业性的严谨形象为主，但时代的发展，逐渐加入了部分休闲印象，正在向舒适得体的方向发展。给人以高贵典雅，温文尔雅的特点。这是时代的要求。因此标志要具有时尚特点。不可完全过于死板。由于国际化的大趋势，男装也是以西装的版型为主。所以可以参考一些国外的风格，以实现，时尚化与国际化。3． 分类群体性在商业人士集中的领域中，他们的朋友一般是同行，也就是所谓的同类人，他们之间往往发展成为一个群体，一个无形的组织。社会上很多为他们开辟的商务休闲场所，如商业俱乐部、商业会所等等。本品牌可以借助这种潜在的说法形成一种引导方向。也就是标志有协会、组织的特点，暗含着成功人士应该穿这样品牌的服装。4． 男性化健康阳光的男性往往给人以健硕挺拔的特点，充满阳刚之力，他们是市场的强者。标志的图像上要突出这个特点。5．色彩男性化男性的色彩大多集中在蓝色调上，但高档服装的色彩与运动装、儿童装、有一些区别，成功人士集中在30-50岁之间，这个年龄段的男性，在外表上需要稳重，稳重给人以信任感。所以色彩需要稳重，但不可以压抑、老气。
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【摘要】在服装设计中，色彩起到了视觉醒目作用，人们首先看到的是颜色，其次是服装造型，最后才是服质材料和工艺问题，所以服装色彩作为服装的组成部分，具有十分重要的意义。文章从色彩与服装两者之间的关系出发，简述服装色彩情感因素的历史作用、服装色彩搭配的基本原理及服装设计中色彩和其他因素的关系。 【关键词】色彩；服装；情感；配色五光十色、绚丽缤纷的大千世界，色彩使宇宙万物充满情感，显得生机勃勃。色彩作为一种最普及的审美形式，它无所不在。如果人类离开色彩而能生存的情况，是不可想象的。服装这面时代的镜子，从其特有的角度，映照出人类社会物质及精神文明进步、发展的面貌；而服装色彩，更是鲜明、强烈地给人的视觉以“先声夺人”的第一印象，从而成为服装中重要组成部分。它随着人类的发展，不同时代对服装色彩赋予不同的理解，它的产生就有着社会象征性、审美性和实用功能性的特点。本文只是从色彩与服装两者之间的关系出发，简述色彩自身的情感因素对服装的影响、服装中色彩之间的搭配组合以及色彩与服装设计的关系。一、服装色彩情感因素的历史作用色彩本无特定的感情内容，它是通过人的感官在人脑中引起思想活动。人们的联想、习惯、审美意识等诸多因素，给色彩披上了感情的轻纱。最初的服装具有实用功能，随着人类物质生活的发展，演变为社会地位的象征物，成为一种道德符号。《白虎通义》云：“圣人所以制衣服何？以为蔽形，表德劝善，别尊卑也。”衣服成为德化的标志，用以区别身份“表贵贱”进而形成了等级森严的冠服制度。而色彩在冠服制度中担负着至关重要作用。中国上下几千年，服装的色调受到“阴阳五行论”的影响，以黄色的神圣和至高无上，象征中央，红色象征南方、青色象征东方、白色象征西方、黑色象征北方。象征中央的黄色是一种温和的暖色，轻快、明亮、富丽是我国帝王服装的专用色。佛教也视黄色为神圣、信仰的象征。然而在西方基督教国家，黄色都是卑劣的色彩，将它运用到犯人的囚服上，具有背叛可耻的象征。蓝色和红色刚好相反，是色彩中最含蓄，最内向的颜色，给人以纯洁透明的感觉。其实蓝色自古以来受人喜爱，它既有大家风范，又有小家碧玉的情调，中国人也对蓝色情有独钟，由此建立了独具华夏民族意韵的蓝色系列。如春花瓷蜡染、蓝印花布等，所用蓝色表现得十分古朴，深沉的靛蓝与纯净的白色相配具有浓厚的中国情结。在欧洲，蓝色的运用也非常广泛。认为蓝色是高贵的标志，是欧洲王室的象征色，“皇家蓝”（royal blue）由此得名。牛仔服的诞生更为庞大的蓝色家族注入淳朴和自然的韵味，蓝色调通常也与工作服、学生服、海军服联系在一起。毫无疑问色彩有丰富的感情内涵，那么，我们如何能把它的语言，它的内容，准确地运用到服装设计领域中，进行艺术创造呢？色彩、造型、质料是服装设计的三要素，而色彩又居其首要地位。对于一个设计者来说，如何能使色彩在自己的服装上显得和谐高雅，而不是平庸、单调，这就涉及到一个非常重要的问题——关于色彩的搭配。 二、服装色彩搭配的基本原理 色彩本身不存在美丑，各种色都有固有的美。配色时以色与色之间的关系，来体现它的美感的，笔者通过全面分析总结了色彩搭配的三点基本原理：（1）要按一定的计划和秩序搭配色彩。（2）相互搭配的色彩主次分明，各色之间所占的位置和面积，一般按接近黄金分割线比例关系搭配，容易产生秩序美。（3）由搭配而产生的运动感是不可少的。它可由服装本身的图案：面料色彩的重复出现，面料的重叠或滚镶、正边等工艺而产生。另外，色彩的运动感也可由色的彩度和明度按规律地渐变或者配色，本身的形状而产生。无论如何搭配，最终必须使其效果在心理和视觉上有和谐感。为此，有时就亦可利用装饰和衬托，强调服装某一部分的吸引力而达到这一效果。我们根据以上的原理可以从明度配色、色相配色、纯度配色来看看，服装中色彩之间的搭配组合所产生的效果。（一）明度配色 不同明暗程度的色彩组合，配置在一起，更多的注重色彩的明度调性以及对比度。从服饰明度配色，无非有下面三种配色形式及效果。高明度调的配色，形成一种优雅的明亮调子，如白、高明度淡黄、粉绿、粉蓝等色彩，常被认为是富有女性感的色调，也是夏季常用的服装色调。中明度调的配色，中年人最适用的服饰色彩，形成一种含蓄庄重的风格。它也是青年人常用的配色原则如用较高纯度的红色、蓝色搭配，使穿着着具有一种活泼的性格。低明度调的配色，形成偏深色的沉静调子，具有一种庄重、严肃、文雅而忧郁之感。这种调性，若青年人使用则显得文静，内向而深沉，若老年人使用则显得庄重，含蓄而老沉，若知识分子使用则体现了超脱世俗，极有教养之感。低明度调是冬季服饰最常使用的颜色。 怎么样还可以吗？
浅析服装设计中中国传统民族艺术的运用 摘要：中国服饰艺术能够在世界时尚舞台上占有一席之地。树立本民族品牌，离不开中国历史大背景。“民族的就是国际的”，没有历史文化内涵的服装是没有根的服装。中国传统艺术成为了服装设计中需要不断注入的既古老又新鲜的灵感血液。如何认识这一点，并准确的将博大的传统艺术精髓植入到现代服饰中。并有效结合成为整体，是我们将要研究的课题和任务。 关键词：中国传统艺术；传承；创新；服装设计；植入 随着中国综合国力的不断提升，被忽略的传统民族艺术也逐渐成为艺术工作者表现形式的主流。对于服装设计教育来说，从上世纪末便提出的“民族的即是国际的’旧号，也从未像今天这般为我们所感同身受。如何继承和发展传统民族艺术，如何将传统民族艺术更好地融人服装设计的教学实践中去，也成为高等院校进行服装艺术设计教学所面临的课题之一。对于服装设计来说，将传统民族艺术与实际应用完美结合，积极吸收新的艺术元素并加以创新是服装设计从业者应认真对待的任务之一。 中国传统服饰的源流追溯起来是一部涣涣长河，其大背景就是中国五千年的辉煌文明史，“衣冠中华”谱写了绚烂的服饰宝典。在经历了“西服东渐”的冲击之后，随着中国综合国力的提升，其服饰的文化归属感在国人心目中也表现的愈来愈强烈。 在今天的服装艺术教学与创作中，民族化与时代化之间，传统艺术与现代艺术之间，传承与创新之间，它们枝蔓缠绕的关系不禁使得一部分人困惑、矛盾。时代感，是文化最具生命力的品格，无论在哪种文化之中，时代感的强弱都是其文明程度最敏感的标志，服饰文化也不能例外。作为一名服装教育工作者，将传统民族艺术植人服装设计教学实践中，以民族传统为基础，面向时代，以现代服饰设计为目的，成为今后工作的重点。 一、注重传统艺术的发掘与借鉴，力求在继承中不断创新 中国有五十六个民族，它们共同构建成了中华民族璀璨的文化奇葩。各个民族在漫长的历史中，用智慧和汗水创造了辉煌的艺术成就，为我们留下了宝贵的文化遗产。在中西文化的比较中，我们看到了本民族文化有着积极的成就，也有着不足之处。我们应该用批判的态度进行选择，有机把握传统艺术文化中的“利”与“弊”，以便于汲取并传承传统艺术中的精华。今天，许多传统艺术面临湮灭的尴尬，许多传统技艺后继无人，甚至失传。我们今天的学习与继承从某种程度上说，也是对民族艺术的挽救，这也是我们义不容辞的责任。 像我国古代的绎丝工艺，由于其工艺精繁、对工人素质要求高，时间花费多，见效慢，其有些技艺在建国后慢慢消失，不过，这种技艺在我们的邻国—日本，被很好地保留并传承了下来，现在的日本仍保留着从隋唐时期传人的“本绎丝”及“引金箔腰带”技艺。今天，这项在中国失传的技艺在两国的文化交流中辗转回到中国。这不由得我们不警醒—不要让老祖宗的好东西败在我们手中。 二、传统民族艺术在服装设计教育中的植入形式 我们要做到将传统艺术很好地植人服装设计教育中，首先我们要将传统民族艺术与现代服饰有机结合，它们应成为互为包容、相互协调的统一体。他们之间既相互包容，又相互对立。我们应在教学实践中注重引导学生深人了解传统艺术的文化性、地域性，注重传统艺术符号在服装设计中的嫁接与借鉴。摒弃程式化的、流于形式的肤浅模仿，注重挖掘传统艺术精髓中认识传统艺术的文化土壤及历史属性，学会在服装设计的学习中把握和体现传统艺术的文化脉络。在当今的服装设计界，中坚设计力量对此有了很深的体会，并将传统艺术在服装设计中的融人作为开启世界时尚大门的金匙。 其次要重视地域文化，促进服装创新。纵观服装的历史发展，也是一部时代变迁的历史，从中我们可以看得到文明发展的脚步，同时反映出各个不同历史时期不同的经济水平、文化水准及人们的审美观念，由于自然条件(种族、地理、气候)、精神状态(风俗习惯、时代精神)、历史环境等因素，形成了相对独立的地域性服装文化。其服装以外的艺术形势也强烈的表现出这一特征。 传统民族艺术在服装设计教育中的植人形式很多，我们简单总结如下: 1.意境植人方式 我国传统民族艺术讲究意境，尤其以寓意吉祥美满的内容居多，往往通过图案及图案的形式来完成。这是我们祖先为追求美好生活而创作出来的一种艺术形式，它完美的将吉祥与图案结合在了一起，代表着传统的民俗民情。 吉祥图案涉猎广泛，包括政治、经济、文学、历史、风俗、宗教等方面，赋予人们积极向上的内涵与意义，是中国人热爱生活、努力创造幸福、美满、乐观的心理反映。如“喜上眉梢”，“竹报平安”，“五福(蝠)临门”等等。“龙”被视为中华民族的图腾，代表奋进、勇敢、尊贵与威武。这些吉祥图案以其寓意被用于传统艺术的各个门类，不论是雕刻还是瓷器装饰，不论是剪纸还是染织，千百年来这些带有美好寓意的图案被赋予了生命与灵性，成为中国人重要的精神寄托。如今，这份宝贵的艺术遗产成为了设计师们表现的法宝之一，新锐设计师祁刚为影星高圆圆精心设计的“喜上眉梢”惊艳戛纳，以民族传统吉祥图案传递着特有的中国文化。 2.图案植人方式 中国传统图案的历史由来已久，中国文化从开始就认识并强调纹饰的作用。我国传统图案种类繁多，内容丰富。从变幻无穷、风格各异的传统图案中，我们可以感受到历史各时代的工艺水平和中华民族一脉相承的文化传统，许多传统图案至今仍被广泛使用，经久不衰，保持了旺盛的生命力。在服装设计中，将具有传统艺术形式的图案与现代服装相结合，成为设计师们常用的设计手段，传统图案在服饰中的巧妙植人，成为时尚与古典的重要碰撞形式。 传统图案在植人服装设计中时， 要注重图案与服装结合的形式美感，形态与功能的关系、形态与材料以及工艺的关系，这样才能将传统图案与服装完美结合在一起，更有效地完成对服装文化内涵的诊释。 在具体的图案植人时，首先要考虑到地域性、时代性，才能在选题、表现手法、艺术风格的把握上做到严谨、准确，有特色;其次要考虑到传统图案的创新，有意识地进行一些试验性创作，得到新的启发，获得创新灵感，给古老的艺术注人新的生命与活力。 3.色彩的植人形式 中国人是世界上最早懂得使用色彩的民族之一，最早确立了自己的色彩结构。形成了属于中国人特有的色彩喜好。在传统艺术中，像“青花瓷”、“唐三彩”等以色彩命名的艺术形式比比皆是。传统镀金工艺中的“婆金”、“描金”，妇女妆容中的“花黄”，纺织工艺中的“撒花”等在引发后人无限遐想的同时，也为我们揭示古人对色彩的种种喜好，甚至今天国际上以“中国红”这一对红色的命名来显示中国人对这以色彩的偏爱。 三、结语 中国传统艺术植人服装设计的形式还有很多种，这要求我们在学习的过程中认真总结、体会。曾经我们的设计师在国际上茫然得像个孩子，找不到自己的位置。中国服装设计从起步发展到今天，在经历过模仿甚至抄袭后，开始了创新，民族的面孔重新回到世界的面前，将中国现代服饰艺术带向国际。他们立足民族特色，汲取传统艺术精髓，让中国服饰艺术重新焕发了新姿。对于我们教育工作者来说，也将致力于传统文化艺术的研究，为服饰文化教育的发展不断努力。 本文选自591论文代写网：专业 代写毕业论文 -致力于代写毕业论文,代写硕士论文,代写论文,代写mba论文,论文代写麻烦采纳，谢谢!
抽象的图案在现代的服装当中，大多数是应用在衣服的表面上，给人特别的感觉。
可以把抽象图案印制在服装上当成服装的装饰图案，这样就可以让抽象图用在服装上，非常好看
我认为最好的办法就是把抽象图案印在T恤上，这样看起来会比较漂亮。
帕诺夫斯基说过：“一架纺织机，可能最清楚地显示了一种功能观念，而一幅‘抽象派’绘画可能最清楚地显示了地道形式，但二者所含的内容都是极少的。”在这段话上面他说的是：“一件作品中只能悄悄透露而不能地下炫耀的那种东西。一个国家、一个阶级、一种宗教信仰或哲学信念的基本态度——所有这些都不自觉地受到一个个性的限制，并且凝结在一件作品中。”[1]虽然帕诺夫斯基在这儿谈的不是抽象艺术，但就他的判断，抽象艺术是缺乏内容的，因为它只有地道的形式。内容是不能地下炫耀和隐藏于作品后面的东西，如果只有地道的形式，也就不具备他所指的内容。帕诺夫斯基说这段话的时候，也是抽象艺术正盛行的时候，他不会去专门研究抽象艺术，直觉的判断告诉他，抽象艺术提供的只是形式，他感受不到有其他内容的存在。事实上，帕诺夫斯基的经历于我们都是共同的，当我们面临一件抽象艺术作品时，不论是绘画还是雕塑，首先是一种直观的反应，也就是形式的判断，它可能作用于我们的生理-心理感应，到达一种视觉或审美的愉快。这种愉快其实是很低级的，就单纯的形式构成而言，其空间范围极其有限，没有思想的支持和技术的含量，唯美的形式很快就走到尽头。服装搭配对于这个成绩，抽象艺术家和批评家都有充分的认识，抽象艺术的基调都不会定位在地道的形式关系和视觉愉快。抽象艺术的要害还在于帕诺夫斯基说的“只能悄悄透露而不能地下炫耀的那种东西”。如果把帕诺夫斯基的说法用于抽象艺术的话，我们就会面临一个悖论，我们怎样判断一件抽象艺术作品的好坏。抽象艺术没有技法，没有题材，没有相对通用的标准，只有感受和观念。感受还可以捉摸，观念则在于解释。感受好的抽象可以直观地判断和直接地欣赏，无感受的或无审美的抽象并不一定是坏的作品。把康定斯基的作品和马列维奇的作品放在一路，我们会明显感受到康定斯基的审美表达，而且是在形式上的超乎寻常的感受性。这种能力不是一般人能够做到的。相反，马列维奇的作品是需求我们去认识的，要知道他为什么要这么画，才干够接受他的作品。这种情况{2}在抽象艺术中是普遍存在的，能力不够，符号来凑。在中国的抽象艺术中，最常见的就是把传统文化的符号转换为抽象的形式，这和马列维奇的工作有相似之处，不过是机器崇拜与传统崇拜的区别。形式主义批评家罗杰·弗莱认为形式是审美的主要对象，但形式也不可以独立地存在，因为一般的观众缺乏直接欣赏形式的能力，形式隐藏在形象的后面，形象如同钓饵，吸引观众进入作品，但感动观众的还是形式。在罗杰·弗莱批评的盛期，抽象艺术还没形成气候，但他还是意识到了形式不能独立地欣赏，即使形式是艺术表现的根本。没有形象的形式就是抽象，形式可能从形象衍化过来，但形象并非形式的内涵，而且绝对的抽象还要完全排除形象的联想。在实践和理论上对抽象艺术都有建树的康定斯基也不认为抽象艺术的表现只在地道的表面，抽象艺术是有内容的。他说：“尽管如此，有机形式拥有其自身的内在和谐，这种和谐既可以是同一的，如抽象的对应(因而产生两种因素的简单结构)，也可以是多重的(在这种情况下的构图不可避免是无序的)。有机形式无论怎样减化，重要的是，总是能听到其内在的音调;基于这个理由，物质对象的选择是一个重要因素。具有抽象因素的有机形式的精力记录或许强化后者的诉求(对比和同一是一样的)或许粉碎它。”[2]在康定斯基康看来，重要的是内在和谐。这里面包含了两个要素，第一是和谐，第二是内在。和谐又包含了两个方面，一个是平行对称的和谐，一个是多重对抗的和谐。一般而言，后者比前者更加重要，因为后者更接近内在。在一个抽象的画面上，点线面的位置决定基本的视觉关系，平行、垂直、对称的组合表达一种和谐的感受，反之则是活动、对抗、张力。如康定斯基所说，一个三角形的尖角突破一个圆弧的边线，所产生的力量胜过米开朗基罗的《上帝创造亚当》中上帝与亚当的手指接触的力量。当然，对称的和谐同样具有精力的力量，往往与庄严、厚重、高尚的感受相联系。抽象艺术家就是利用点线面和颜色的各类组合关系来制造画面效果，以期实现视觉与精力的一致。一个艺术家，如康定斯基，在抽象形式上的精力诉求，怎样被观众所判断和接受，却是艺术家本身无法决定的。在具象艺术中，一个形象的塑造取决于众多技术的因素，观众即使对技术一无所知，也可以根据基本的生活经历来判断形象的“真伪”，如果有情节的话，还会根据社会经历和知识来阅读。但是，面临一件抽象作品，这些经历和知识都不再在判断中起作用，直觉的感受是判断的基本条件。我们被形式所感动，就在于形式的表现作用于我们的心理感受，产生愉快、温馨、压抑、悲怆的感受。而首先还在于，我们对形式有反应的能力，对大多数观众而言，“看不懂”往往是最基本的反应。一幅好的抽象作品，关键是形式的搭配恰到好处，“恰到好处”也意味着一种公式，即使没有优秀的感受，二流的抽象也可能通过公式的复制实现“好的抽象”。实际上，这也是抽象艺术的危机，地道以感受为基础的形式和谐，最终是一种装饰性的效果，这是几乎所有的抽象艺术家都不情愿承认的结果。抽象艺术也在这儿走向神秘主义。也就是说，抽象艺术的意义或主题究竟是什么，它不是从画面上能够直接判断的，是内在的，隐秘的，是画面之外或内部深处的东西。而且，这种东西是不可解释的，它既不来自自然，也不来自可阐发的感受。尽管康定斯基的抽象也经历了从自然到抽象的过程。20世纪初期的三位最重要的抽象艺术家，马列维奇、康定斯基和蒙德里安，都不认为抽象艺术与自然有什么联系，贬斥装饰性的审美形式。马列维奇说：“在至上主义看来，自然物像的表面本身是无意义的;本质的东西是感受——在本质上完全独立于产生它的世界。”[3]形式产生于感受，感受又独立于世界，它是表面世界之外的东西。蒙德里安也认为，艺术家只有完全放弃主观情感和想象，才干实现“地道现实”的再现。他批评立体主义没有将抽象进行到底，尽管立体主义创造了独特的形式，但是立体主义总是摆脱不了对自然的依赖，每一个形式都依赖于自然的“个别的”或“具体的”形象，而抽象恰好是超越个别的。只要形式依赖于具体的形象，就不可能揭示抽象的关系。那么，艺术为什么一定要走向抽象?抽象为什么是一种最高的价值?立体主义已经够前卫了，但仍然为物质世界所困扰，没有超越一个我们可以感知的世界。康定斯基的“内在现实”，蒙德里安的“地道现实”，马列维奇的“感受”，都不是我们可以感知的，正如康定斯基所说，它是被“黑暗遮蔽了的”，属于“内在自然”的一部分。“命名、描述和定义它的语言及方式，都无助于我们理解它的意思。它属于现实的如许的层面，任何人都不能直接地体验，即使少数能够体验的人也会偶尔逃避。它是请求洞察、智力和心灵竭力体验的一个隐藏的现实。因而它是‘被遮蔽的’‘内在的自然’，它不为我们所熟悉，而在同样程度上，我们熟悉的是四周的物质现实。但它作为艺术作品的‘对象’或‘内容’，远胜于物质现实的再现”
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色彩心理在平面广告设计中的运用
通过人们的生活体验研究表明，色彩会严重影响着人们的心理活动，特别是与人的情绪关系密切，而在我们的日常生活中，无论是生活琐事，还是文化娱乐都有着自己的色彩代表，会影响着我们的心理情绪，以下是我为大家推荐的相关硕士论文范文，希望能帮到大家，更多精彩内容可浏览(www.oh100.com/bylw)。
摘要：现阶段我国的平面广告设计的运用正处于快速发展的上升期，正在向着多元化的类型、人性化的内容与科技化的手段等方向前进，从而导致平面广告的设计要求也随之不断提高。色彩对人的视觉感官起着直接刺激冲击的作用，在平面设计中的色彩应用更是起到衔接人的感官心理与平面广告设计的重要作用，因而，我们在进行平面广告设计时，可以充分的利用色彩语言，从视觉上开始抓住人的心理。对此，本文从色彩心理的特征功能以及其在平面广告设计中的应用对消费者的影响出发，系统的探析了色彩心理在平面广告设计中的应用方法。
关键词：色彩心理;平面广告设计;消费者;运用
在平面设计中，色彩是十分重要的组成部分，起着先声夺人的重要作用，所以灵活的运用现有的色彩进行合理的色彩搭配，为商品添姿添彩，可以有效的增加商品的附加值;设计者也可以通过合理的色彩运用，表达自己的设计意念，利用不同的色彩语言，在均衡画面构图的同时，释放自己的色彩设计情感，从而通过画面色彩，实现与消费者的良好沟通。
一、色彩心理的特征与功能
首先，色彩一般都具有一定的象征意义，人们在接收到某种色彩信号时，脑神经也会随之产生相应的联想。所以，我们在进行平面设计中的色彩设计时，不但要充分考虑其色彩本身的基本意义，还要考虑其深处所蕴含的象征意义，甚至是经过历史演变形成的某些色彩崇拜或禁忌。色彩的象征意义与民族文化及其习俗以及社会背景、审美心理等息息相关，是一种历史积淀的永久性文化。其次，色彩都具有自己的心理倾向，即人们看到物体固有色，如绿色的叶子，红色的花儿等。不同的色彩具有不同的心理倾向，而不同的色彩组合与搭配也会造成不同的视觉感受与情感感触。与色彩所蕴含的象征意义不同，其心理倾向更加的侧重于人的心理情感影响，尤其是在不同的文化、民族及社会的背景下，由于年龄、职业及情感等因素的影响，人们对于色彩更是具有不同的心理感知。
二、平面设计广告中色彩心理对消费者的影响
通过人们的生活体验研究表明，色彩会严重影响着人们的心理活动，特别是与人的情绪关系密切，而在我们的日常生活中，无论是生活琐事，还是文化娱乐都有着自己的色彩代表，会影响着我们的心理情绪，所以说，在进行平面作品设计时，色彩这一元素的运用十分重要，必须设计出符合特定环境与特定消费者心理的搭配组合，从而起到与消费者传情达意的作用。一方面，色彩与形状具有一定的心理感应方面的相似之处，具有相似的情感代表特征，如红色的不透明与重量感与稳重庄严的正方形想联系，而且色彩也被赋予了一定的生命意义，即色彩的特定表情，从而使色彩蕴含了多种多样的情感因素，如红色在我国常包含了吉利喜庆、温暖火热等情感;另一方面，某些传统色彩通常都具有特殊的象征意味，特别是不同的国家、民族与时代都有自己的传统色彩组合代表，如汉族人多喜欢红黄绿三色，而忌讳黑色，所以，我们在平面设计中，可以对这些传统色彩进行巧妙的借鉴，并适当的赋予它与时代新意，从而达到更高层次的表现效果。
三、色彩心理在平面广告设计中的运用
1、色彩对比
为了营造出令人更加深刻的视觉传达效果，吸引消费者的注目，我们在进行平面广告设计时，要特别注意运用色彩之间的颜色对比，从而以明显的色彩对比差异消费者的注意力。例如，我们在进行海报设计时，利用对比色与补色之间的反差来提高海报的吸引力与关注度，如补色中的红色与绿色，对比色中的绿色与黄色等，使人们可以在较远的距离便关注到海报内容。曾有一则与手部清洁有关的广告，即运用了色彩对比的表现方法，不但色彩的搭配十分和谐，而且诙谐幽默，给人别样的亲和力，使观众在观看广告内容的同时，享受色彩带来的欢乐心情，体会到设计者在平面广告设计中的良苦用心，在人与人之间传播手部卫生这一人性关怀。
2、色彩吸引力
色彩会直接冲击人们的视觉感受，影响着人们看到平面广告设计的第一印象。当人们同时看到两种色彩时，尤其是两种色彩放在一起，就会产生明显的色调与光学结构对比，设计师就可以充分利用色彩的这种特征，改变色彩的明暗度、饱和度及色相等，从而适当的增强或减弱画面的秩序感，如设计宣传海报时，为了造成鲜明的对比，形成直接的视觉冲击，应该选用纯度较高、对比性较强的颜色，从而增加平面广告对消费者的吸引力，将产品的相关信息内容传递给消费者的同时，引起消费者的消费兴趣与欲望。
3、色彩情感的.渗透
色彩与人类情感息息相关，不同的色彩通常可以令人产生不同的情感联想，设计师就可以充分利用色彩的情感意蕴，在平面广告设计中按照恰当的色彩情感规律，实现色彩、情感与广告结构三者的完美融合，从而表达出平面广告的内容主题，从人们的心理角度唤起情感共鸣，让人们对商品产生更大的兴趣，最终影响消费者的消费选择，形成特定的消费行为。运用吸引人注意力，能够引起人们共鸣的色调，可以充分的调动消费者的兴奋感，引起消费者的观看兴趣，如红橙黄等暖系色调，或者是某些对比性十分强烈的色彩系列，即可以为人造成强烈的视觉冲击，令人兴奋，将人的注意力凝聚在平面广告内容上;而蓝绿等冷系色调则具有较低的透明度与较差的对比度，虽然不能直接冲击人们的视觉心理，但却可以令人更加的冷静稳定，所以，一些高科技产品为了表现产品的科学可靠性，常采用冷色或者是金属色。四、结语总而言之，广告设计的色彩搭配就像人们的穿衣一样，会先入为主对人们的第一印象产生影响，而色彩心理虽然十分复杂，但仍具有一定的特性规律，我们在进行设计时必须充分的考虑其共性与个性以及多向性、单一性和演变性，在设计理念与构图结构的基础上，精准的把握人们的色彩心理特征，并与人的情感以及色彩的象征意义等相联系，灵活的进行色彩搭配，以提升平面广告设计的整体效果，起到锦上添花的重要作用。
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